Escáner Cultural

REVISTA VIRTUAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO Y NUEVAS TENDENCIAS

ISSN 0719-4757
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Video

THE BLACK SWAN: SUBLIME AGONÍA

Fernanda Bargach-Mitre

ojoadicto@gmail.com

Twitter: http://twitter.com/BargachMitre


El Cisne negro (The Black Swan/ 2010) es obra del talentoso Darren Aronofsky, quien después del rotundo éxito de “El Luchador” ( The Wrestler), ataca con una historia que mezcla drama y thriller psicológico, a través de la vida de una bailarina, una soberbia Natalie Portman, en un apasionante y oscuro retrato de los límites de la cordura, hecho con gran inteligencia y una experticia visual que logra que la historia trascienda la pantalla para tocarnos la fibra interior.

Bitácora de viaje de un director rebelde

De las Mutaciones


“PRESENT INTERVAL / INTERVALO DEL TIEMPO”
ARTE PÚBLICO ELECTRÓNICO

Alberto Roblest

 

Por Alberto Roblest y Araceli Zúñiga.

NADIE

giro la cabeza 360 grados / el silencio más absoluto

 como el de la noche de Tlatelolco / la noche de la caída del Imperio Azteca

Nadie de verdad

 ni un alma.

 


Alberto Roblest es un clásico del videoarte en México.

Es, también, una referencia obligada (y necesaria) siempre que nos acercamos al videoarte, al video experimental y al video independiente mexicano (y, desde hace un buen rato ya, al internacional)

Lo conocí a finales de los años 80, en la tercera Bienal Internacional de Poesía Visual/Experimental, realizada en Ciudad Universitaria y, por supuesto, en TV-UNAM. Allí presentaron él y César Lizárraga unos poemas chingonsísimos (cuando -casi- nadie se metía es estas camisas de once mil varas, únicamente Pola Weiss, por cierto). L@s poet@s visuales internacionales no dijeron mucho al final de los poemas visuales presentados por Roblest y Lizárraga. (Creo que no esperaban estos trabajos hechos aquí, en el meritito hoyo de pelos que es México).

Y de allí pal real, no hemos dejado de estar cercanos (de una u otra manera).

JAZZ VOYAGE (VIDEO TRIP)

En esta oportunidad y gracias al trabajo constante la calidad de ejecución  es más elaborada. una historia de jazz, noche y sensualidad en las calles de New York.

Música y Edición: Fernanda Bargach Mitre

Fotografía: Fernanda Bargach-Mitre y Juan José Marín Abadie

 

 

 
en Florencio. Varela Buenos Aires. Argentina
 
1º ArteVa  septiembre 2010
del 16 al 18 de Septiembre en Florencio. Varela Buenos Aires. Argentina
 
1er. Mega intervención Urbana de Arte Contemporáneo a realizarse 
del 16 al 18 de Septiembre en la ciudad de Fcio. Varela,
calle 25 de Mayo y Chacabuco, de 10 a 22hs.
 
Con el motivo de generar lugares de apropiación, reflexión y revisión de los espacios culturales tradicionales y prácticas artísticas, el Grupo Ser Arte y el Centro de Arte Contemporáneo proponen salir a la calle instalar una carpa e impulsar la participación y la creatividad de los visitantes, a través de instalaciones, performance, foto performance, videoarte, cine de autor, show de claw, teatro, bandas en vivo, ensambles, grafitteros, show de skatres, editoriales, expositores, charlas, ponencias, talleres, etc.
Presentación de artistas del ámbito local, nacional e internacional.
- Pretende provocar interacción entre la acción artística y la individualidad perceptiva, abrir posibilidades de dialogo entre los visitantes y los artistas, un espectador activo y reflexivo.
- Plantear interrogantes y cuestionamientos en torno a lo contemporáneo, desde el arte y la cultura, que modifica, resignifica, reflexiona e investiga.
- Fortalecer la falta de espacios culturales genuinos de participación y valoración social en ámbitos culturales.
- Ofrecer a la comunidad talleres, charlas, ponencias, etc. gratuitas destinadas a docentes de artística y público en general, así como también talleres para niños y adolescentes.
Un proyecto innovador en el ámbito cultural de la zona sur de Buenos Aires, proponiendo instalarse como una nueva alternativa para el desarrollo artístico, en expansiva hacia la reconstrucción cultural regional y las necesidades estéticas del individuo.
 
 
                
 

Música, fotografía y edición: Fernanda Bargach-Mitre

En esta entrega de VIDEO TRIP, presento la canción LATIN AGENT, acompañado de imagenes macros , reencuadradas y combinadas como fondo de una historia policial y detectivesca.

 

http://www.youtube.com/watch?v=-P3KOnHGcSo

Música, Fotografía y Montaje: Fernanda Bargach-Mitre

ojoadicto@gmail.com

El concepto de este trabajo, denominado VIDEO TRIP, es fusionar música con imágenes fotográficas, casi todas tomadas con lente macro o descontextualizadas a través del reencuadre, para crear nuevos mundos. La idea es viajar por el camino de las sensaciones que parten del sonido, la imagen y el montaje.

Que lo disfruten!!

http://www.youtube.com/watch?v=Aiwoxs15VV4&feature=youtube_gdata_player




 


Heather O’Rourke y el peor error de su vida: “Poltergeist”


Por Álvaro Oliva
alvaro_oliva@hotmail.com


Es imposible olvidar las tres películas “Poltergeist” repetidas desde los 80 en cadenas nacionales o vistas en formato vhs, en la misma década. Sin duda, para los pequeños que vivimos esa época no dejo de encantarnos semejante película de terror.

Un familia llega a una casa nueva donde unos espíritus se manifiestan a través del televisor hasta que finalmente secuestran a la menor, ya que los residentes no sabían que el nuevo domicilio se había construído sobre un antiguo cementerio


La creación, dirigida por Tobe Hopper (splatter”, “The Texas Chainsaw Massacre”, y “Carnaval del Terror”) posee excelentes efectos especiales y banda sonora.

 

 

MELANIE MANCHOT Y LA TENSIÓN ENTRE LA FUERZA Y LA VULNERABILIDAD


Por Marcus Vinícius
marcusvinicius@live.com.ar


"(…) His skin would seem to burst over such a mass of muscle. Buried in his clumsy movements is that sense of sadness of an over bred species, caught in his own monstrous body. He is a paradoxical creature: built to please, to be looked at, yet how can such an absurd body engage in sex, other than with itself…”
“Around the clock, always on the edge” by Dirk Peitz


   
Ver cómo uno de los símbolos del machismo, de la fuerza y del poder se despoja de su disfraz para mostrar su naturaleza humana quizás sea lo que más me interesa en la pieza Security (2005), de Melanie Manchot. Y luego, el cuerpo como un lugar de subjetivación y las construcciones culturales de identidades.
 
La video instalación de la artista alemana Melanie Manchot (Witten, 1966), retrata a guardias de seguridad de discotecas de Ibiza, en España, que van quitándose su uniforme para quedarse desnudos ante la cámara. Security se instala con una proyección a gran escala en la que se muestra a estos hombres desnudándose ante la cámara de la artista - quitando las capas del poder y la protección que llevan sobre sus cuerpos -, para que esta cree su obra. La video instalación se completa con una serie de 07 imágenes de los mismos hombres de pie, completamente vestidos, esperando su turno para realizar el strip-tease. Y los dos modos de presentación se intenta producir fluctuaciones entre la situación estática y la dinámica, entre lo activo y lo pasivo, tensiones entre fuerza y vulnerabilidad, - y ahí vemos a estos hombres libres de disfraces mostrando de algún modo su lado más humano. La banda sonora de los vídeos consiste únicamente en sonidos ambientales producidos al desvestirse: el de los zapatos, cremalleras que se abren y cierran, el roce de la ropa sobre la piel y los inesperados ruidos causados por objetos que caen de los bolsillos.

Escáner Cultural nº: 
128
LAP!

MIKA ROTTENBERG Y LA EXPLOTACIÓN DEL CUERPO

Por Marcus Vinícius
marcusvinicius@live.com.ar

"Mika Rottenberg envisions the female body as a microcosm of larger societal issues such as labor and class inequities. In her short films, women cast for their notable physical features and talents perform perfunctory factory-line duties, manufacturing inane items worth less than the labor required to make them. Her homemade machinery and décor are functional but crudely constructed ... [In] Rottenberg's unique narrative approach, action is compressed into layers of illogical activity [within] installations that physically echo the videos."
Trinie Dalton

Los vídeos de la artista argentina Mika Rottenberg (Buenos Aires, 1976) describen los sistemas de producción en masa de mano de obra que se ofrece exclusivamente por mujeres que utilizan su propio cuerpo como herramienta de trabajo y materias primas. Con humor, la artista examina los conceptos de alienación y explotación del cuerpo femenino, y conduce el espectador en el centro de estas pequeñas empresas que han dejado de producir, invita a que descubran sus obras en los dispositivos que se refieren directamente a la escena.

En Chesse (2008), Mika Rottenberg compuso un escenario inspirado en el cuento de los Hermanos Grimm Rapunzel y especialmente la historia de las hermanas Sutherland - que a finales del siglo XIX, se hicieron famosas en Estados Unidos por la longitud de sus pelos y que habían hecho su fortuna mediante la venta de un producto contra la calvicie.

Cheese se describe la vida pastoral de las mujeres confinadas en una granja donde se puede encontrar ningún rastro de la modernidad. Pero en esta vida, sobre la base de las fantasías se desarrolló alrededor de las hermanas Sutherland no es muy diferente del universo producido por los anunciantes a vender champú: un elixir de la juventud, una receta misteriosa, natural. El video muestra a las mujeres en lo que parecen ser absurdas e inútiles tareas repetitivas -muchos de ellos con la manipulación de su pelo largo, en una improvisada estructura de madera, rodeado de animales de granja.

Escáner Cultural nº: 
127


VALENTINA BERTHELON

Por Yto Aranda


1-¿Por qué decides usar proyecciones de video y no crear una instancia interactiva?

El video es un medio que utilizo hace mucho tiempo  y con el cual  me siento muy cómoda . Me encanta  la libertad de acción  que te brinda al momento  de conceptualizar las instalaciones, ya que la proyección,  al estar hecha de luz, te permite recrear atmósferas y trabajar con las imágenes a gran escala. Cuando trabajas con proyecciones  que superan  la escala humana  puedes lograr que el espectador se sienta inmerso en un nueva realidad. En la videoproyección audio e imagen conviven recreando una experiencia integral.

Me atrae mucho la manera en que el arte actual  nos está dirigiendo hacia  instancias interactivas, y veo como mi trabajo se acerca cada día más hacia esa esfera de las nuevas tecnologías. En mi  obra, la interactividad  (vista desde otra perspectiva) se encuentra en el proceso en sí, al momento de realizar las entrevistas y dialogar con el entrevistado; ya que  en cada encuentro me enfrento a un nuevo mundo de información que va transformando la obra y sus contenidos, plasmando en video metáforas de esta interactividad.

 


UNA VISITA A LA CARTO: ELOISA CARTONERA,
EL COLECTIVO Y LA CATÁSTROFE

Por Carolina Benavente Morales

cbenavem@gmail.com 


Una vez, discutiendo con una curadora danesa sobre la etiqueta "arte latinoamericano",
le dije que solo me interesaba la segunda parte, "latinoamericano".
Si lo que hago es o no arte no me preocupa, sí que sea latinoamericano.

Javier Barilaro

Escáner Cultural nº: 
124

 

 

ANTILEF, LA CAÍDA DEL SOL - FRANCISCO HUICHAQUEO

 

ANTILEF, LA CAÍDA DEL SOL

FRANCISCO HUICHAQUEO


En mayo de 2007 hice una entrevista en Escáner Cultural al artista Francisco Huichaqueo, desde entonces ha continuado con su trabajo, ha viajado y ganado algunos premios. También ha estrenado una nueva película, Antilef, La Caída Del Sol.

Conversamos sobre su nueva obra, su desplazamiento hacia el video y el cine, sus motivaciones para continuar con su intenso trabajo creativo…

Francisco es un artista sensible y apasionado, da todo por su trabajo y más. A la vez es generoso y solidario, pero también puede ser un guerrero. Se siente e intenta vivir como Mapuche. Aunque lejos de su tierra, siempre vuelve a retomar energías a reencontrase con su gente, a alimentar su alma con el espíritu de sus ancestros.

 

 


Francisco Huichaqueo fotografía Fernando Melo

 

 

Entrevista

MOVIMIENTO, PINTURA, EXPERIENCIA Y MÚSICA

Estos aspectos son la base de tu obra y siguen marcando tu forma de trabajo siendo esenciales tanto en tu propuesta visual, tu discurso conceptual y tu pasión personal. Por favor, si puedes detenerte un poco en cada uno de estos aspectos…

Movimiento (cámara tiritona a veces ¿por qué?)

Primero que nada el estilo o recurso de la cámara tiritona es para dejar en evidencia que lo que esta pasando en la pantalla es grabado por una persona, en este caso el propio artista. Me gusta en algunas ocasiones transitar por ese estilo, pienso que acerca  a la gente, saber que esta escena fue grabada por  una cámara operada por un camarógrafo. Se usa mucho en el documental y eso es lo que me gusta, ese uno a uno, es como sostener una conversación frente a frente con una persona,  para mí esa es la idea de cuando muestro algo, acercar a la gente y esa manera “tiritona” es la que  me permite  causar esa sensación.

 

¿Por qué?, por que  me cansa  ver piezas de arte que no dialoguen contigo,  no comparto  el arte contemporáneo en el que se espera que el espectador sea un erudito para lograr entender algo. El otro motivo es por que hay imágenes  que se presentan ante tus ojos que no ameritan tanta producción, son cosas realmente bellas que ya están listas, llegar y grabar,  por que si ficcionamos a través de un guión tal vez sí se puede causar el mismo impacto, pero el nivel de" asperosidad" que genera ese hallazgo es increíble e irrepetible, por que los momentos o las escenas son irrepetibles, por lo que en esas circunstancias saco mi cámara y voy tras mi paisaje y en el camino  me preocupo de cómo regular y setear la cámara, pero a ese margen de error yo le encuentro la belleza, sólo hay que disponerla bien al momento del montaje

TRANSITOS

11 de diciembre / Estreno del compilado de videodanza bajo la curaduría y producción independiente de Mila Berríos Palomino.

Invita CAIDA LIBRE SUBTELAB y SOFA

 

Presentación

Mila Berríos Palomino es miembro de la Red de Videodanza de Chile y ha realizado diversos trabajos en el campo del videodanza. Ahora nos propone una muestra bajo su curaduría y temática, compilando trabajos de realizadoras y coreógrafas nacionales que han tratado diversos temas tomando como paisaje y territorio de estudio el espacio público y su desplazamiento al formato video.

Tránsitos se destaca como aporte al desarrollo y difusión del videodanza en Chile siendo una iniciativa independiente y autogestionada por Mila Berríos.

 

VDCH Red de Videodanza de Chile

SCL, Diciembre, 2009

 

Tránsitos videodanza


El presente compilado reúne el trabajo en videodanza de cuatro autoras nacionales que han trabajado desde la relación cuerpo y espacio público, y han hecho de esta relación un soporte de sus reflexiones, desde el propio cuerpo situado, emplazado, conducido por la superficies urbanas, hasta su natural desplazamiento y relaciones funcionales y cotidianas.


Por otra parte, las autoras han emigrado en un flujo de ida y vueltas a diferentes escenarios extranjeros, evidenciando en sus registros huellas, locaciones e ideas, resultado de estadías de paso, que cargan siempre con las expectativas de sus propios desplazamientos.

La premisa que quisiera dejar sentada es la relación inherente entre cuerpo y espacio, entre cuerpo y todo lo que lo circunscribe; su entorno. Tomando en cuenta esta premisa es que en este compilado se trabaja coincidentemente en el espacio público urbano, lo que suma a dicha relación inherente, las exigencias de la cuidad como montaje creado para y por el cuerpo.

Mila Berríos Palomino

 

SCL, Diciembre, 2009

 

 

Programa TRANSITOS

Ojo Adicto

LA VOZ CINEMATOGRÁFICA DE SPIKE LEE

Fernanda Bargach-Mitre

ojoadicto@gmail.com

En el mundo del cine norteamericano, dominado por superproducciones de alto potencial taquillero, donde el corte final (final de la película) no le pertenece al director en un 90% de los casos, el cine de autor más que una rareza es una hazaña. Spike Lee se ha mantenido como autor, director, actor y productor, pasando por el documental y la publicidad y prácticamente entregando una película por año con SU corte final, representando a los afroamericanos y a todos los directores NO casados con los grandes estudios. Este hombre, pequeño en estatura, ha levantado considerables controversias con sus films, reflejando en ellos no sólo la problemática racial sino de la sociedad contemporánea en general y de un sistema cruel donde la discriminación de las minorías es una constante.

Esta tarea de movilizar y polemizar a la audiencia, viene siendo la de Spike desde sus primeros films, pero fue con “Do The Right Thing” (Haz lo Correcto), una reflexión sobre las tensiones raciales sumamente inteligente, que lo colocó entre los más controversiales y magníficos directores de esta era. De hecho el film no sólo ganó una nominación al Oscar como mejor guión sino que está considerada por el “American Film Institute” entre los 100 grandes films de todos los tiempos. La cinta describe los acontecimientos en un barrio multicultural, en el día más caluroso del año, logrando mostrar con humor los abismos raciales entre las minorías en Estados Unidos.

En 1990 facturó “Mo’ Better Blues” adentrándose en el mundo del jazz, donde colaboró con su padre, músico de este género, quien realizó la música del film.

En 1991, Lee era otra vez el centro de la controversia con su film “Jungle Fever” que trataba las relaciones amorosas interraciales a partir del romance entre una italo-americana y un hombre de color. Nuevamente  el director encaraba el dilema de los divisionismos, la intolerancia y el racismo.

En 1992, tuvo la oportunidad de trabajar en uno de sus más apasionados proyectos: “Malcom X”, que se convertiría en una de las películas más importantes sobre los derechos civiles. Para poder financiar la media hora extra que los estudios se negaban a pagar, Spike conto con la solidaridad de personajes como Prince, Tracy Chapman, Michael Jordan, Bill Cosby, Oprah Winfrey, que salvaron el proyecto gracias a su aporte. Se trata de un film contundente, algo largo, pero profundo que revela la historia de uno de los personajes afroamericanos más influyentes en lo que a derechos civiles se refiere, en la lucha que ha llevado esta minoría a lo largo de su historia.

Escáner Cultural nº: 
111
Al Documentar

 

 

MINAS. DISPOSITIVOS EN LA MATRIZ. Valparaiso 2008

Columna de Marcela Rosen
marcelarosen@gmail.com

MINAS. DISPOSITIVOS EN LA MATRIZ
17-18-19 OCTUBRE. VALPARAISO.

 

Por: M. Elena Retamal Ruiz

 


I.- MINAS

La noción de Hegemonía se define como la capacidad que posee un grupo o sector de la sociedad para lograr el consenso a favor de sus intereses particulares, haciendo que estos se perciban como generales. Dicho consenso es entendido como natural para todo el resto del grupo social. Sin embargo la hegemonía no es pasiva, no se constituye por única vez y para siempre sino más bien está en constante renovación porque se encuentra permanentemente resistida y desafiada. Este proceso de resistencia a un sistema determinado establece discusión, fractura o cicatriz en torno a la dimensión simbólica que lo contiene. Manifestaciones artísticas se ubicarán en esos espacios de conflicto entre las representaciones y las significaciones, como cuerpo alternativo de prácticas culturales, que buscan sensibilizar a la sociedad frente a los modos de representación que le son dados como únicos y verdaderos. Podemos establecer en este ámbito la relación entre Arte y Política, es decir en los espacios de interferencia, de cruce frente a los discursos totalizantes.

Escáner Cultural nº: 
110