Escáner Cultural

REVISTA VIRTUAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO Y NUEVAS TENDENCIAS

ISSN 0719-4757
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Arte Experimental

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VIDEOPERFORMANCE COMBATE BOXISTICO ENTRE ARTISTAS: SALSITA VS VENECOPAN 
 
Por Ender Rodríguez y Oscar Salamanca
 
Combate boxistico entre artistas. Salsita , el "héroe del arte latinoamericano" se enfrenta con Veneco pan, "orgullo tachirense de Venezuela". La obra representa una crítica frente al conflicto fronterizo entre las hermanas republicas de Colombia y Venezuela. Asume con humor y sarcasmo una posición reflexiva y preocupada sobre los problemas que azotan la frontera, como el bachaquerismo, el castigo al Bolivar, el narcotráfico, el contrabando, las bandas criminales y la guerrilla, entre otras.
 

salsita vs veneco pan. La pelea del siglo from oscar salamanca on Vimeo.

Escáner Cultural nº: 
188
 
GIGANTE Y USTED
Micro-maratón de poesía sonora y arte sonoro
 
CATHY LANE
Gregorio Fontén
Renzo Filinich + Paula Merlo
Felipe Cussen + Ricardo Luna
 
 
Jueves 7 de enero 20:00 hrs.
 
Dirección: José Manuel Infante 1428, Providencia, Santiago (frente al Bar Rapa Nui)
 
Invita: Taller Bloc
 
Organiza: Proyecto Fondecyt #1131136 “Samples y loops en la poesía contemporánea”, dirigido por Felipe Cussen (IDEA - USACH)
 
Esta actividad es gratuita y abierta a todo público. 
 
Imagen de dominio público: Gabriel Sizes, 'Etude Expérimentale d’Acoustique Musicale' 1920

Conferencia de la artista sonora y compositora Cathy Lane

“Playing with Words: Spoken language as material for composition”

5 de enero a las 19:00 horas

 

Dr. Fernando Estenssoro, director(s) del Instituto de Estudios Avanzados de la Universidad de Santiago de Chile, tiene el agrado de invitarle a la conferencia “Playing with Words: Spoken language as material for composition” a cargo de Cathy Lane.

Cathy Lane es compositora, artista sonora y profesora en University of the Arts London, donde co-dirige CriSAP (Creative Research in Sound Arts Practice). Sus investigaciones creativas y académicas se centran en la palabra hablada, las grabaciones de campo y las memorias individuales y colectivas, desde una perspectiva feminista. Desarrolló el proyecto Playing with Words, que incluye un libro, cd y dvd en el que participaron más de 40 compositores, artistas y poetas. Además ha co-editado junto a Angus Carlyle los volúmenes In the Field y On Listening. El año 2013 publicó el disco The Hebrides Suite, que también ha presentado en diversas exhibiciones y performances.

La visita de Cathy Lane a Chile forma parte del proyecto Fondecyt Regular #1131136 “Samples y loops en la poesía contemporánea”, dirigido por Felipe Cussen, investigador y académico de IDEA-USACH. Esta actividad, gratuita y abierta a todo público, se realizará el martes 5 de enero a las 7 PM, en el Auditorio del Instituto de Estudios Avanzados, ubicado en Román Díaz nº 89, Providencia.

Signos Corrosivos


Fabio Doctorovich, Poema anamórfico.

 

EL PUNTO CIEGO.

Historia de la poesía visual en Argentina.
El fin del milenio: Paralengua y el siglo XXI

(Parte 3 de 4)

 

El archivo es en primer lugar la ley de lo que puede ser dicho, el sistema que rige la aparición de los enunciados como acontecimientos singulares (…) En su totalidad, el archivo no es descriptible, y es incontorneable en su actualidad.
Michel Foucault, Arqueología del saber

Los enunciados no son palabras, frases ni proposiciones, sino formaciones que únicamente se liberan de su corpus cuando los sujetos de frase, los objetos de proposición, los significados de palabras cambian de naturaleza al tomar posición en el «Se habla», al distribuirse, al dispersarse en el espesor del lenguaje.
Gilles Deleuze, Foucault


César Espinosa, desde México

 


Leandro Kats, Número S.

Emprender la historización de un capítulo de la práctica artística, en este caso la poesía visual-experimental argentina, implica darle un orden e introducirla en un archivo histórico. Lo anterior se compagina con otra circunstancia muy verídica: para dar su testimonio, para documentar con respecto a las acciones que ejecutaron o el desenvolvimiento de sus proyectos, algunos productores artísticos se ven llevados a la tesitura de desempeñarse como críticos e historiadores e intentar dar a la publicidad artística (en el sentido de Habermas) su respectiva trayectoria.

Sigue siendo un capítulo crítico en la vida artística y cultural de nuestros países revisar la compilación de acervos y colecciones por parte de los artistas, de algunos críticos y curadores. Es decir, el tema fundamental de la memoria colectiva sobre las propuestas llevadas a cabo por los mismos artistas o por colectivos ajenos al circuito del mercado o de la promoción oficial, esto es al mainstream artístico, sigue siendo problemático en estas primeras décadas de inicios del siglo XXI.

 

Escáner Cultural nº: 
187
SURREAL

 

Por Enrique de Santiago

 

Me contemplo morir esta tarde la última /  Bajo el sol las ortigas represan el cauce de esa luz.

(Extracto del poema: Siempre en Llamas)

 

Su nombre verdadero fue: Luis Sergio Cáceres Toro (Santiago 18 de abril de 1923 - 21 de septiembre de 1949) Poeta, artista visual y bailarín chileno, integrante del grupo surrealista Mandrágora.

Escáner Cultural nº: 
187
Invitado


With Energy Beyond These Walls - A System of Two Sculptures 1971
Imagen extraída de: VVAA, El ojo pensante, Catálogo Fundación Telefónica, 2009.p.34

 

El presente texto representa un extracto del segundo capítulo del ensayo Juan Downey y la energía invisible del Arte Sonoro chileno (título provisorio), que se encuentra desarrollando Ana María Estrada Zúñiga[i] durante este año 2015, gracias a una Beca de Creación del Fondo del Libro.

 

EL SONIDO COMO ENERGÍA INVISIBLE EN LAS ESCULTURAS DE JUAN DOWNEY
 

Por Ana María Estrada Zúñiga

El mundo cambia en función del sitio donde fijamos nuestra atención.

Este proceso es aditivo y energético.

                                                                 John Cage “Para los pájaros”

 

          Entre las décadas de 1960 y 1970, el artista chileno Juan Downey decidió llevar a cabo un gran número de esculturas que problematizan la relación de la obra con el espectador, principalmente aludiendo al feedback que se produciría entre estos. Las esculturas electrónicas y/o audiocinéticas son parte de dichas obras, a las que daré revisión a continuación utilizando las descripciones que el propio artista nos proporciona para poder analizarlas.

          Considerando el evidente desarrollo e inclusión de la tecnología que implicaban estas obras, lo que me parece interesante en ellas es que proponen una dinámica de interacción en donde el sonido aparece como un elemento relevante, y en las que el proceso de trabajo se desenvolvió en lo que hoy en día llamamos una práctica transdisciplinar, aunque esto tiene su origen en el concepto de Intermedia,[1] el que incorpora también áreas que no son propias de las artes, como la ingeniería para el caso particular de las obras de Juan Downey que se revisarán en este texto.  Por esto mismo es que me parece que en estas obras el artista se hace cargo del proyecto de relación Arte-Vida heredado de las vanguardias, y logra extrapolarlo al estado intermedio en que en ese momento y aún hoy en día se encuentra el arte contemporáneo, ya que no le interesa producir “objetos bellos” ni plantear una reflexión sobre la vida de las personas, sino producir objetos/máquinas que generen un modo de interacción y apelen a la conciencia. Como señalaba el propio artista:

 

Si me dieran a elegir, escogería la total inacción para mi vida entera. No obstante, persisto en la actividad de construir esculturas electrónicas, porque:

Su existencia o destrucción es irrelevante a la vida que hay en ellas.

Provocan que la gente juegue.

Hacen a la gente consciente de la enorme cantidad de distintos tipos de energía en el universo.

Son efímeras.

Esto forma parte de un nuevo desarrollo en la historia del arte: crear obras de arte que no deben durar mucho tiempo.

Plantean un problema para los coleccionistas de objetos artísticos.

Crean la ilusión de que el público puede participar en la obra de arte. De hecho seguimos siendo espectadores perplejos por el orden que hace crecer y moverse al mundo, aunque hacemos ver que determinamos lo que nos ocurre.

Es divertido hablar de ello con los amigos.

Imitan aspectos del movimiento en la vida.

El arte tiene más interés en pensar sobre las experiencias de la gente que en producir objetos.

Hacen a la gente consciente de las animadas relaciones entre  distintas clases de cosas.

Gustan a los niños.

A veces producen una inversión de los fenómenos naturales […].[2]    

 

            Al leer estas palabras resulta claro el vínculo entre Downey y artistas de vanguardia como John Cage o el grupo Fluxus, y es en su propuesta escultórica-tecnológica donde esa herencia Arte-Vida anteriormente mencionada se expresará de manera más explícita.

          Por otra parte, Downey buscaría repensar y reflexionar también respecto al rol del artista y la relación de la obra con el público, cuestión que será importante al momento de examinar obras de arte sonoro que de forma implícita provocan una relación diferente con el espectador o receptor de la obra, sobre todo si consideramos que el sonido corresponde a una energía invisible[3].

Escáner Cultural nº: 
187

CONVOCATORIA 2016 "Género"
¿de que hablamos cuando hablamos de género?


¿Quienes pueden participar? Toda persona interesada puede participar enviando 10 paginas iguales, con textos, imágenes, etc....

El formato? Tamaño afiche, vertical (base 50 cm / altura 70 cm) Peso del papel? Liviano para un mejor montaje

Técnica: líbre

Cuando enviarla? Desde enero a Diciembre cada año

Donde enviarla? A: Revista Urbana // gabi alonso Dirección: Lavalle 1083 (cp1878) Quilmes, Buenos Aires, Argentina

Es importante que tanto el tema, como el tamaño y el peso del papel se respete.

Signos Corrosivos

 

EL PUNTO CIEGO.
La poesía visual en Argentina;
décadas cruciales: 1940-1960-70
(Parte 2)


Desde México, César Horacio Espinosa V.

Para continuar con la reseña-glosa del libro aún inédito, pero de próxima aparición, EL PUNTO CIEGO. Antología de Poesía Visual Argentina: de 7000 AC al Tercer Milenio, sus actuales editores observan que en 1996 existió la oferta de un editor estadounidense para publicar un libro sobre la poesía experimental argentina.

 


Este ofrecimiento fue muy del agrado del grupo de artistas y poetas Paralengua, los cuales iniciaron de inmediato el trabajo; entre ellos, Jorge Santiago Perednik, quien tomó a su cargo la etapa más antigua sobre la relación entre lo visual y lo escrito en lo que ahora es el territorio argentino.
Tres años después, aproximadamente, daban por terminada la obra. Pero ya entonces el editor había perdido el interés y el libro quedó en el limbo. Sin embargo, Perednik prosiguió los trabajos de la edición, que de las etapas antiguas lo llevó a desarrollar hasta las décadas de los 60 y 70 del pasado siglo.

Escáner Cultural nº: 
185




REUDO ´15 ENCUENTRO DE RUIDO | CONTULMO - PUREN 2015
25 AL 27 DE NOVIEMBRE
Base Rizoma Nahuelbuta



REUDO es un Encuentro abierto que reúne anualmente a personas y colectivos que investigan, experimentan, desarrollan y exhiben proyectos diversos asociados al Ruido, concepto que incluye prácticas relacionadas a la Música Experimental, la Estética Sonora Extrema, los Paisajes Sonoros, la Experimentación como sistema de aprendizaje, la Cultura Libre, la Apropiación de Tecnologías, y el Conocimiento y Comportamiento abiertos.

El Ruido más que un género de música, es un sistema de existencia, es interferencia. Cuando nosotros cortamos los canales tradicionales, los afectamos, los transformamos, los adaptamos a nosotros, intervenimos, hacemos interferencia.


Un posible cambio hacia nuevas sociedades parte de la interferencia que transforma el mensaje doctrinario del establecimiento. Nos dieron música la hicimos ruido. Nos dieron sistemas y los hicimos tecnologías libres.

El Ruido no sólo es el sonido; más allá de él, lo usamos como medio de resistencia y transformación. Para esto proponemos un Encuentro de investigadores, artistas, creadores y activistas, quienes desarrollan ideas y proyectos dentro de la idea del Ruido, como comunicación y como alteración de un mensaje doctrinario (* las doctrinas son ideas y conocimientos dados como ciertos y únicos sin la posibilidad de cuestionamiento).


¿PARA QUÉ UN ENCUENTRO?

Hemos logrado construir alrededor del Ruido diversas comunidades a nivel latinoamericano y mundial, logrando intercambio de ideas, técnicas y experiencias desde posiciones remotas, hasta hace poco tiempo difíciles de superar, sin embargo la presencialidad y la proximidad física siguen siendo los ingredientes claves para la creación de comunidades reales.

Festivales y otras experiencias colectivas alrededor de la práctica del ruido han generado diversas posibilidades y probabilidades luego replicadas de muchas maneras, lo que demuestra su importancia y beneficio para un público reducido primero, quienes se reúnen, y un público amplio, después, por las implicancias que esta reunión puede volcar en la sociedad.

El Encuentro pone en perspectiva tres características de las nuevas visiones libres en este mundo: la movilidad, personas en tránsito permanente en apertura a culturas distintas y nuevas; el intercambio, que apunta a un compartir como alternativa a un competir e imponer; y la comunidad, como resultado de un trabajo colectivo dirigido a descubrir las similitudes y coincidencias como puntos de discusión y trabajo.

Little Chilean Thoughts

La plaza la trava y la pasta, de La Coronta Teatro, 2015

Un show sin sentido: La plaza, la trava y la pasta,
de La Coronta Teatro (Valparaíso, 2015)*

Por Carolina Benavente Morales

cbenavem@gmail.com

 

 
La plaza, la trava y la pasta es el primer montaje de La Coronta Teatro, compañía integrada principalmente por egresados y estudiantes de la carrera de Teatro de la Universidad de Valparaíso, pero con la participación estelar de dos artistas travestis del Puerto: Keyla Fernanduá y Selena Celedón. Esta conformación dispar entre actores profesionales o en vías de serlo, por un lado, y artistas autodidactas dedicadas al show callejero, nocturno y transgénero, por otro, estructura un proyecto experimental que parte de una interrogante no menor: “¿qué hacemos con aquellos artistas populares, más allá de verlos como materiales, pre textos o inspiraciones para nuestras elaboraciones?”. Cito textualmente la pregunta final de Luis Pinto, director y artífice de La Coronta Teatro, quien se la formula en las conclusiones de su tesis de licenciatura Teatralidad trans en Valparaíso: El elenco de Mara Taylor, Zuliana Araya y Pagano Industry (2015). Fui profesora guía de esta investigación artística que sustenta La plaza, la trava y la pasta y por ello tomaré en cuenta la relación entre ambas para explicar ciertos aspectos del montaje.
 
Escáner Cultural nº: 
185
Invitado

FRANCISCO SMYTHE

SMYTHE CONCEPTUAL

 

Por Paulina Humeres

SMYTHE “74 “77 en Galería D21 es un tributo a la memoria cultural de los años 70s en Santiago de Chile, rescate a uno de los Padres del Arte Conceptual de esos años.

En los años 70s Francisco Smythe realiza 5 series de trabajos, para esta exposición se han seleccionado 2 Series; “PERDIDOS” 1974 y “PAISAJE URBANO” 1977.

Serie: “PERDIDOS” 1974 es una serie de dibujos, cuyo tema eran  noticias  rescatadas de un periódico, donde en unas de sus  páginas la dedicaba a personas extraviadas.

En esta serie Francisco Smythe comienza a hacer interactuar la imagen con los insertos de “escritura” … “tomaba de la prensa la imagen de una persona  “perdida” – eran los años de los desaparecidos - y la transformaba en una metáfora de la situación política de esos años, llevando las frases extrapoladas de los diarios, escribiéndolas a mano, con letra set o instrumentos serigráficos”...

Como escribe el curador de la muestra en el catálogo, Justo Pastor Mellado “RETRATO DE ANA ROSA CONTRERAS. 83 años. No se sabe nada de ella desde el 11 de mayo de 1973. Cuando se extravió vestía falda gris y chaleco del mismo color. Tiene sus facultades mentales perturbadas. Se solicita que cualquier dato sobre su paradero sea comunicado… Francisco Smythe reproduce todos estos datos con lápiz grafito, a mano, calcando la tipografía del anuncio del periódico. Sobre la escritura copiada y calcada levanta la imagen, que termina con tinta.

Las distribuciones ya han sido prescritas: el grafito sirve para escribir, mientras la tinta para expandir la imagen; de todos modos, será vigilada y compelida a mantenerse dentro de los márgenes trazados por el grafito. En 1974 Francisco Smythe  realiza una obra que afirma como punto de partida la foto–carnet, que norma la calidad de un sujeto subordinado a la regulación que lo separa de su trama de relaciones privadas y lo destina al servicio social del control del Estado.

Al “pasar la imagen en limpio”, lo que hace Francisco Smythe es “ensuciarla” mediante una operación sub/versiva de recuperación icónica de un sujeto extraviado;

…En 1974, en Santiago de Chile, no se había hecho público ningún ensayo sobre el estatuto de la foto-carnet. Francisco Smythe trabaja sus dibujos en ausencia de una teoría elaborada al respecto”… (fracción texto critico de Justo Pastor Mellado)

 

Escáner Cultural nº: 
185
Signos Corrosivos


Xul Solar, Mancilla 2936, 1920
 

EL PUNTO CIEGO.
La poesía visual en Argentina;
historia y protagonistas

(Parte 1)

 

A Xul Solar, que se fue de estas tierras al tiempo que yo llegaba, y aunque nunca lo conocí lo considero mi mayor maestro.
A Edgardo A. Vigo.

Jorge Santiago Perednik, ca. 2006

Por César Horacio Espinosa V., Desde México

El poeta, editor y escritor argentino Jorge Santiago Perednik (infortunadamente fallecido en diciembre de 2012, a los 59 años), puso en marcha un extraordinario trabajo editorial que es un conjunto de textos historiográficos y una muy amplia selección de obras de artistas de su país bajo el título EL PUNTO CIEGO. Antología de Poesía Visual Argentina: de 7000 AC al Tercer Milenio, que actualmente se encuentra en proceso de edición aunque han circulado versiones digitales entre los colaboradores del libro. Hago aquí una primicia, con aprobación de los responsables editoriales.

 

Jorge Santiago Perednik

Perednik, conocido principalmente como poeta, fue el editor de la revista XUL. Signo viejo y nuevo (1979-1997). Constituyó un espacio de crítica política y experimentación poética durante el último tercio de la dictadura y el menemismo.

En 1989, Perednik sería uno de los impulsores de Paralengua, La Ohtra Poesía, que se caracterizó por aglutinar manifestaciones iniciadas en el período de XUL. Los poetas y colaboradores de XUL –entonces vistos como neobarrocos, neoconcretos, experimentales, etc.–, que provenían de una tradición performática, circense, teatral (y académica), comenzaran a experimentar con diversos soportes y recursos.

Escáner Cultural nº: 
184
EntreVistArtista (EVA)




Proyecto EntreVistArtista (EVA) © 2009 – 2015
Autora/Entrevistadora: Rosa Matilde Jiménez Cortés (México)
Entre Tú y Yo: Emiliano Pietrini  (Italia) 
Traducción: Julio Ojea (España)

 
Escáner Cultural nº: 
184



María José Rojas
LO INDIVISIBLE DE LO INVISIBLE

 

Desde el 8 al 25 de septiembre se presentará en la Sala Juan Egenau "Lo indivisible de lo invisible". Una exposición de la artista chilena María José Rojas Bollo, que reúne un conjunto de obras que inspeccionan las cualidades de los objetos y texturas cotidianas sometidas a efectos ópticos.



 

En Lo indivisible de lo invisible se inspeccionan las cualidades de objetos y texturas cotidianos sometidos a los efectos ópticos de la lupa, la transparencia y la proyección. La instalación consta de tres obras: una secuencia de proyecciones de objetos y texturas que han sido atrapados directamente entre los vidrios de marcos de diapositivas, una caja de luz que muestra la materialidad de los objetos proyectados y finalmente, la proyección, mediante un simple aparato doméstico, de una naturaleza muerta.

 

Poema/Proceso, 1967-hoy

(Algunas intervenciones)

(Parte 2, concluye)

Wlademir Dias-Pino, Elogio ao A (2009)

 

El Poema-Proceso tiene la visibilidad de un mostrador y la funcionalidad de una herramienta.

(Wlademir Dias-Pino)

la experimentación poética ha comenzado: y ha comenzado en un brasil que experimentaba petrobrás, brasília, arte concreta, bossa nova agitación estudiantil, ausencia de poesía, etc, etc.

Álvaro Sá

Desde México: César Horacio Espinosa V.