Escáner Cultural

REVISTA VIRTUAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO Y NUEVAS TENDENCIAS

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Digital-Análogo

Doris Salcedo_http://www.semana.com/on-line/articulo/chevere-fuera-mentira-ellos-estuvieran-vivos/86932-3
Doris Salcedo - Escultora Colombiana
Foto: http://www.semana.com/on-line/articulo/chevere-fuera-mentira-ellos-estuvieran-vivos/86932-3

 

 

RESEÑA o RE-seña: sobre obras y eventos expositivos de la artista colombiana, Doris Salcedo. Parte II

 

 

Por Tulio Restrepo

e-mail: tulio.restrepo@une.net.co

 

A continuación finalizo esta segunda parte de Reseña o Re-seña, sobre una serie de artículos breves acerca de quince eventos expositivos presentados por la escultora Colombiana Doris Salcedo.

 

Acción de Duelo

Doris Salcedo_Acción de Duelo

Escáner Cultural nº: 
167
Digital-Análogo


Doris Salcedo. Escultora Colombiana
Foto: https://www.pbs.org/art21/series/seasonfive/compassion.php

 

RESEÑA o RE-seña: sobre obras y eventos expositivos de la artista colombiana, Doris Salcedo.
Parte I

 

Por Tulio Restrepo

e-mail: tulio.restrepo@une.net.co


Introducción.


Buscando un título para el artículo en cuestión que celebrara los15 años de Escáner Cultural, opté por especular con el significado de la palabra reseña y fragmentarla en dos términos: Re-seña, para encontrar indicios a partir de los cuales pudiera acometer la labor de interpretar la obra de la reconocida artista colombiana, Doris Salcedo y publicar las siguientes reflexiones literarias elaboradas entre 2012 y 2014, donde los textos son nuevamente revisados y la ciber bibliografía es igualmente consultada para reactualizar los vínculos.

Es así como encuentro que el prefijo RE, se refiere contemporáneamente en comunicaciones electrónicas a la preposición utilizada en un e-mail para remitir o contestar de nuevo un  mensaje anterior como respuesta al destinatario, interpretado como un memorándum cuyo significado literalmente expresa "respecto a" o “en referencia a" un asunto determinado.

Así mismo, el significado de Re como prefijo en español que proviene del latín, significaría entre otras cosas, repetición, retroceso, renombrar, refluir, intensificación, oposición, recargar, rechazar o también inversión, o reprobar. En el mismo sentido, la palabra Seña, arroja conceptos como nota, indicio, señal, signo o vestigio, rastro que permite deducir algo que no se conoce de manera directa, o desde el dicho popular “por más señas” que expresa las circunstancias o indicios de una cosa.

Reseña o Re-seña, constituye entonces una serie de artículos breves acerca de quince eventos expositivos presentados por la escultora Doris Salcedo en su ya connotada actividad plástica, rastreados a través de textos y del ciberespacio en los cuales sus obras son comentadas respecto a algunos referentes históricos de carácter político, cultural o estético, encausados en acontecimientos de la vida colombiana que han influenciado su obra y en relación a la figura de algunos artistas contemporáneos, expresadas como opinión personal para encontrar o dilucidar aquello que en sus objetos, ensamblajes o instalaciones tienen de poético, concreto o metafórico.

Doris Salcedo(Bogotá, 1958). Escultora colombiana. Vive y trabaja en Bogotá, Colombia. Salcedo obtiene una licenciatura en Bellas Artes en la Universidad Jorge Tadeo Lozano en Bogotá en 1980, y posteriormente viaja a Nueva York, donde completó una Maestría en Bellas Artes en la Universidad de Nueva York en 1984. En 1995, recibe la distinción Guggenheim Fellowship for Creative Arts, Latin America & Caribbean.

Escáner Cultural nº: 
166
Little Chilean Thoughts

"Movimiento Suspendido", de Isabel Santibañez, 2013. Fotografía de Nebs Pereira.

Isabel Santibáñez, "Movimiento Suspendido", MAC, 2013.
Fotografía de Nebs Pereira.

 

La marcha social en “Movimiento suspendido”, de Isabel Santibáñez (2013)

 

por Carolina Benavente Morales
www.therealcarolin.cl

 

En “Movimiento suspendido”, exhibición abierta hasta el domingo 24 de noviembre de 2013 en el Museo de Arte Contemporáneo del Parque Forestal, Isabel Santibáñez nos entrega el resultado provisorio de una interesante investigación. La artista busca, en efecto, que el espectador participe de una obra que él mismo protagoniza, ya que en ella se tratan y retratan diferentes marchas sociales que han tenido lugar en Santiago en el último tiempo. Debido a la importancia que han adquirido, el arte chileno las está convirtiendo en una de sus instancias privilegiadas de elaboración, llegando incluso a titularse En marcha una reciente compilación de textos teóricos realizada por Carol Illanes (Santiago: Adrede, 2013). Dentro del corpus de obras relativas a este tópico, sin embargo, la propuesta de Isabel Santibáñez se destaca por articular un conjunto ampliado de problemáticas relevantes a la producción artística contemporánea; conjunto dentro del cual sobresale una complejización de la relación con el espectador que vuelve esta obra muy atractiva para el público asistente a la exhibición.

Es posible hablar, a lo menos, de dos grandes entradas al fenómeno de las marchas en la reciente producción artística chilena. Una de ellas, de carácter resueltamente contingente y activista, se suma a las marchas mediante diferentes obras con carácter de intervención objetual o performativa. En este vasto e inestable conjunto, es posible reagrupar todos los letreros, las consignas, las botargas, los cuerpos pintados, objetos alegóricos, comparsas, flashmobs, maratones, etc. que, desprendiéndose del mismo movimiento social, son de factura más bien anónima, colectiva y popular. Ello pese a que algunas de estas producciones sean el fruto de actores insertos en el campo artístico docto, especialmente por medio de las escuelas de artes visuales universitarias. Es el caso, por ejemplo, de la silla escolar gigante hecha en Santiago o del gran lienzo de “Valís one dollar” realizado en Valdivia el año 2011, entre muchos otros.

Escáner Cultural nº: 
163

 

Destrucciones

Exposición de tres instalaciones escultóricas en La Perrera (Centro cultural de Arte Experimental, Stgo.: Parque de Los Reyes entre Bulnes y Cueto. Estacionamiento en la misma Perrera

Exponen:

Ingrid Miranda- Dinamarca

Roberta Requena

Gabriel Holzapfel


La muestra colectiva DESTRUCCIONES DE USO nace de la intención por reunir en un mismo lugar tres propuestas artistícas que trabajen con el tema del "peso" impuesto por la institucionalidad nacional sobre distintos ámbitos de la sociedad. Una reflexión sobre ciertas imposiciones morales, costumbres y paradigmas que a juicio de los autores merecen - por lo menos- una lectura crítica.

En este caso la mujer, la ley y la religión son las premisas desde las cuales Miranda-Dinamarca, Holzapfel y Requena desarrollan un discurso que podrá ser visto (y digerido) en el mitico centro cultural La Perrera, en Stgo. de Chile.

Sobre la expo:

Muestra colectiva de los artistas
Ingrid Miranda-Dinamarca……………… “Manual de Carroña”
Gabriel lele Holzapfel………………………….. “La Gravedad de la Fuerza”
Roberta Requena…………………………. “Central de Inteligencia”

Invitado

INMERSIÓN. PALABRAS DE KLAUDIA KEMPER.

 

INMERSIÓN, es el resultado de un proceso de aproximadamente dos años de trabajo aunque en verdad, el proceso empezó antes.

Hace mucho tiempo, que yo tenía un deseo de recopilar y aunar años de trabajo. Una necesidad de reunir y ordenar material, como cuando se deja un lugar, se cierra una etapa, para partir a nuevos rumbos.

Lo que empezó como un ordenamiento de obras, se fue transformando en una revisión a mi biografía: Las experiencias vividas, los afectos que me han rodeado, los lugares que he habitado.

Y en ese proceso, me voy dando cuenta que mis obras no son otra cosa que un reflejo de mi vida.

 

  

Arte y vida no pueden separarse.

Porque el arte no es un trabajo, ni un oficio, ni una moda.

Se ejerce 24 horas por día,

proporciona enormes satisfacciones pero ninguna seguridad.

Escáner Cultural nº: 
155


 

INMERSIÓN

 

Exposición Individual Klaudia Kemper

MNBA

 

Inauguración: 15 de enero 2013, 19:30 horas

Período exhibición: 16 de enero al 24 de marzo

 

·         Pensando el espacio museal como un cuerpo, la artista inaugura la muestra Inmersión, donde despliega un trabajo vasto y versátil, concebido y desarrollado entre 1990 y 2012, cuyos múltiples formatos dan cuenta de los diversos tránsitos de la artista a lo largo de su carrera.

 

En cinco salas del ala sur del MNBA la artista chilena Klaudia Kemper (Río de Janeiro, Brasil, 1966)despliega una de las muestras más vastas e importantes de su carrera, exhibiendo un trabajo que es el resultado de más de 20 años de experiencia. La muestra Inmersión narra la vida artística de Kemper plagada de versatilidad, sin miedo a la experimentación ni al cambio. Metafóricamente, el resultado es una Inmersión autobiográfica, con una fuerte impronta retrospectiva, que muestra su particular mirada sobre la vida y sus procesos: “Hablo desde el yo porque no sé hacerlo desde otro punto de vista, no tengo la creatividad de un escritor o guionista de ficción, que puede inventar personajes. Es a partir de mis experiencias que se va construyendo esta trama que finalmente cobra cuerpo a través de una serie de pinturas, una video instalación o un objeto”, declara.

Inmersión constituye un viaje a través de un cuerpo, un organismo viviente que se va develando y relatando a través de innumerables piezas que envuelven y sorprenden. El recorrido empieza por la sala 1 del museo donde está lo que corresponde al tórax y representa las funciones vitales, albergando obras de fotografía, impresiones y videos. Las salas 2 y 4 emulan la cabeza, boca y ojos, con video instalaciones. La sala 3 es el símbolo de las piernas y muestra una instalación de video-viaje. El recorrido termina en la sala 5, una metáfora de las manos, la manualidad, en la cual se la cual se exhiben pinturas.

Arte + Reflexión



Carlos Costa, 2702 FU-GO (2009).


Chile: el trabajo con el espacio
(parte III).

Pía Cordero
mpiacordero@gmail.com

A pesar de las diferencias, las obras de las muestras Objetos que hacen ruido y Paseo de las esculturas La Pastora, nos acercan al panorama del arte contemporáneo chileno centrado en el trabajo con el espacio. Por un lado, la generación de jóvenes artistas convocada por Pablo Rivera, profesor de escultura de la Universidad Católica de Chile, presenta una labor centrada en la deconstrucción del tradicional quehacer escultórico (el término deconstrucción hace referencia a la destrucción de cualquier orden o razón que emplace y dictamine un desarrollo unilateral de la obra). Acción o función de la obra de arte contemporánea enmarcada en el contexto de la posmodernidad, tiempo de destrucción de las tradicionales categorías universales de sentido. Estos trabajos son transformación e innovación, por el que cualquier significante puede llegar a ser un medio posible de trabajo con el espacio. Es el caso de Carlos Costa, que con su obra 2702 Fu-Go (2009), toma un globo dirigible aéreo, para ubicarlo en el frontis del Museo Nacional de Bellas Artes. Constante acción, esta obra se constituye fundamentalmente de movimiento y acción, opuesta a la inmanencia, congelada y embalsamada, de una obra monumental. Desde esta perspectiva, la obra es translimitación, es decir, va más allá del límite o canon por el que es concebida la obra de arte. ¿Con que finalidad ocurre la búsqueda del “trans” del límite de la obra? Más allá de la fiebre de renuevo y redescubrimiento que embarga al creador de hoy, se busca desenfrenadamente superar y quebrantar cada arista que pueda ser reconocida como límite. No es la muerte del arte. Es la búsqueda de su hibridación en un meta terrenal y mundano, como hace casi un siglo atrás lo iniciara Duchamp, y, como tan póstumamente lo vislumbrara el joven Nietzsche. Por otro lado, las esculturas del Paseo La Pastora, se relacionan con el espacio de modo de-terminado y de-limitado, característica fundamental de la escultura monumental. Si bien hay obras de esta muestra que se acercan a la contemporaneidad mediante la abstracción y el conceptualismo, todavía apelan a un en sí, es decir, a un espíritu o idea que las anima desde su ser más íntimo. Otro rasgo característico es la consecución temporal de la materialidad con la que son concretadas, remitiéndose desde siglos al mármol, granito, madera, bronce y acero, ya sean pulidos, ensamblados o modelados.

Escáner Cultural nº: 
150
Arte + Reflexión

 

Jorge Cabieses, “La Miniatura”, 2009.

 

CHILE: EL TRABAJO CON EL ESPACIO (PARTE I).


Por Maria Pia Cordero
mpiacordero@gmail.com

Este ensayo pretende ser un puente de conocimiento y acercamiento entre el antiguo y nuevo trabajo con el espacio, que tanto escultores como artistas visuales efectúan dentro de nuestra frontera. En octubre del año 2011, Pablo Rivera (1961), destacado artista visual chileno, es el encargado dio forma a la muestra “Objetos que hacen ruido” en el Centro de Arte Contemporáneo de la Municipalidad de las Condes. En esta muestra Rivera ha elegido a los artistas: Jorge Cabiezes, Carlos Costa, Sofía de Grenade, Javier González Pesce, Alejandro Leonhardt, Adolfo Martínez, Aymara Zegers y Nicolás Miranda, los que mediante diversas formas de manifestación: video, instalación, fotografía, escultura, etc., conjugan su obrar en el trabajo y producción de espacio. Esta muestra en general presenta a los objetos cotidianos del habitar humano, cuestionando su estatus quo de objeto la mayoría de las veces “al servicio de”, posibilitando una búsqueda más allá de los límites de lo que cotidianamente denominamos obra. Es el caso del trabajo de Jorge Cabieses, que con su obra Miniatura (2009), juega a dotar de sentido nuevo a elementos de uso doméstico: una mesa de madera rectangular, una tostadora de pan eléctrica, una plancha, un foco, una extensión eléctrica, figuras de porcelana y unas correas caninas. Cabieses siguiendo la ruta de la instalación se otorga el derecho de descontextualizar de su campo de acción a estos objetos, para despojarlos de cualquier tipo de inofensividad e inocencia. Bajo un designio casi macabro los dota de un sentido nocivo, abriéndolos al mundo posible de la tortura: la mesa sirve para recibir el cuerpo, cuyas extremidades pueden ser fijadas y adosadas a ésta por correas caninas, por lo cual las ubica justamente en sus extremos, siguiendo el orden de las extremidades humanas; dos planchas eléctricas sirven para recibir cálidamente a los brazos; mientras que un tostador eléctrico es ubicado en el costado de la mesa, que media entre ambas planchas, para recibir a la cabeza; finalmente, ubica un foco de luz, aquel que usamos habitualmente en el escritorio o velador, para alumbrar la acción de tortura. Así, Cabieses nos propone una doble descontextualización, otorgándoles a instrumentos de uso doméstico el estatus de objeto artístico, y, al mismo tiempo de tortura, en el límite entre lo inocente y lo siniestro.

 

Escáner Cultural nº: 
148
Al Documentar

 

 

EL DÍA DE LA TIERRA: UN JARDÍN EN EL SOFA, UNA ACUPUNTURA TERRESTRE


Texto de Piukewerken:

Con Marcela Rosen Murúa seguimos la corriente de la sociedad, de la sociedad que hacemos con otras personas que a su vez siguen la facilidad de nuestra corriente, una corriente artística indeterminada, pero siempre creativa y grupal.

Es así como asistimos a la corriente creativa del artista de amplio espectro Kardo Kosta, oriundo de Mendoza- Argentina con residencia actual en Berna- Suiza. http://landartkosta.blogspot.com/p/sos-tierra-2012-en-diferido.html
Su invitación es para que nos unamos a la celebración del Día de la Tierra y nos escribe para que "Hagamos un lugar mágico, una acupuntura terrestre" en cualquier sitio, casa, patio, jardín o plaza.

Escáner Cultural nº: 
147
Little Chilean Thoughts

Tony Smith, "Die", 1962-1968

Tony Smith, "Die", 1962-1968

 

Michael Fried. "Arte y Objetualidad" (1967). Presentación y traducción.

 

Presentación de Carolina Benavente Morales

Traducción de Carolina Benavente, Macarena Brevis y Carolina Cárdenas

 

Presentación

 

El texto “Arte y objetualidad”, de Michael Fried, es un clásico de la teoría del arte contemporáneo porque, a partir de su aversión por el arte minimal o, como lo llama, arte literalista, el autor señala algunos de sus principales aspectos. Publicado originalmente el año 1967 en la revista Artforum, este ensayo permite apreciar el desafío lanzado hacia el formalismo por prácticas y perspectivas artísticas alternativas, con un alcance político disruptivo en la medida que escapan de la neta contemplación para ensayar diversos modos de participación del sujeto en la obra. Así, mientras el expresionismo abstracto de la inmediata posguerra había involucrado la recomposición individual del artista mediante la práctica del action painting (pintura de acción), el arte minimal de los 1960 conlleva una expansión hacia el espectador. El texto de Fried denuncia esta salida de encuadre acusando al arte minimal de caer en la teatralidad como principal recurso del “no arte”.

Escáner Cultural nº: 
147



"010" Video instalación de Bernardo Piñero (IQLab, Argentina).

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