Escáner Cultural

REVISTA VIRTUAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO Y NUEVAS TENDENCIAS

ISSN 0719-4757
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Que se Teje

FESTIVAL DE ARTES ESCÉNICAS PEÑIKO en Villa Grimaldi, Peñalolén

Peñiko, reunión del agua y también reunión de artistas escénicas de Peñalolen, que inauguran nuestro primer Festival de Artes Escénicas de la comuna, en el Parque por la Paz Villa Grimaldi. Marcela Rosen con una sensible accion de arte, Victoria Pardo con la música y danza tradicional chilena, Marcela Ortiz de Zárate, desde la danza contemporánea y Agua de Luna, agrupación de música y danzas arabigoandaluzas, se reunen en la metáfora del Agua como elemento de reunión y sanación.
Todos invitados el domingo 13 de octubre desde las 16:00 a las 21:00 horas a este encuentro de danza, música y arte.
Este Festival es parte de la iniciativa colaborativa llamada “Territorio Peñalolén Creativa”, que es una red de agentes creativos del arte y la cultura, que en conjunto con el Instituto ARCOS, la Municipalidad de Peñalolén y el Colectivo Sur Extremo organizamos en octubre de 2019 el MES DE LA CREATIVIDAD.

Donde: Villa Grimaldi en Av. Arrieta 8401, Peñalolén, Santiago de Chile.

 
Catalina De la Cruz:
The Reverse
of Landscape
 
The Center for Book Arts
28 W 27 St, 3rd floor
New York, NY
July 18 to
September 21, 2019
Featured Artist Project
Artist Talk: September 12, 2019
6:30pm
 
El Reverso del Paisaje
 Isabel Núñez Urra
Nunca hay que preguntar qué quiere decir un libro, 
significado o significante, en un libro no hay nada 
que comprender, tan sólo hay que preguntarse con 
qué funciona, en conexión con qué hace pasar o no 
intensidades, en qué multiplicidades introduce y metamorfosea 
la suya, con qué cuerpos sin órganos hace converger el 
suyo. Un libro sólo existe gracias al afuera y en el exterior. 
Gilles Deleuze y Félix Guattari, 2002.
El reverso del paisaje es una investigación artística que gira 
en torno a la idea de imágenes en tránsito. A través de la 
experiencia del viaje, Catalina De la Cruz captura fragmentos 
con el fin de conformar un archivo que articula una nueva 
narrativa visual. Se trata de una estrategia estética en la 
que, en un ejercicio de separación del mundo productivo, el 
paisaje es el protagonista, no solo como espacio transitado 
sino como posibilidad del devenir. Encontrar algo, capturar 
una pequeña muestra, como señala la artista, es también una 
forma de pensamiento. 
En los lugares por los cuales transita, Catalina De la Cruz 
recoge ciertos signos e intensidades de esos espacios: 
detalles del desplazamiento que activan flujos reflexivos. 
La artista busca hacerse cargo de las nuevas prácticas en la 
fotografía contemporánea con un cuerpo de imágenes que, a 
través de su condición fragmentaria, deconstruye el concepto 
idílico o decimonónico de paisaje, para preguntarse de 
qué manera se articulan las nociones actuales de territorio 
y paisaje. Lo que se disloca acá es la forma de capturar el 
paisaje, una psicogeografía focalizada en lo descartado, en lo 
que jamás ha tenido aura. Es también una crítica a la mirada 
y a la apariencia de las cosas, una subversión, el reverso 
de lo percibido. En esta investigación artística se articulan 
los detalles del desplazamiento: topologías descentradas, 
ciertos acentos en la luz, el horizonte, el paso del tiempo. 
Luego, este extenso archivo es procesado a través de una 
manufactura impecable que en sí misma implica toda una 
reflexión aparte sobre la fotografía. La construcción de 
imagen y su puesta en tensión entre lo análogo y lo digital, 
que la artista desarrolla a la perfección, culmina en “el relato 
sin relato” a través de hiatos que configuran una nueva 
poética, una nueva narrativa en los libros de artista. Estos 
hiatos son fragmentos, rupturas, pausas, silencios o “puntos 
aparte” que conforman el reverso del paisaje.

"Arqueología de la luz" de Cristo Riffo

Galería Metropolitana / 5 de Octubre

 

La fractura en la memoria moderna chilena es un hecho en nuestra historia, en nuestra política y sensibilidad. Nos interesa poder hacer un viaje sensible para encontrar los hitos que explican esta fractura, y en este encuentro plantear una pregunta que nos permita iniciar la parte fundamental de cualquier proceso de reparación ética y afectiva: el diálogo.

“Arqueología de la luz” es una exposición que busca dar luces sobre histos históricos para la memoria de este territorio que tienen una condición polisémica. Para conseguir este objetivo, utiliza las herramientas de la electrónica, la óptica, la química y la estética, creando una forma de lenguaje actualizada, contemporánea con los intereses y sensibilidades de la época, trabajando desde un punto en común en el lenguaje actual: la tecnología y la interactividad. Esto se llevará a cabo a traves de signos importantes para la historia moderna chilena: el Tren de la victoria de Salvador Allende y proyectos urbanísticos monumentales de Frei Montalva, el sueño y esperanza de la Unidad Popular

Este proyecto consta de dos piezas: “Historia hacia adentro” y “Arqueología de la luz”. Ambos dispostivos contienen polvo fotoluminiscente, material sensible a la luz y capaz de grabar imágenes. Su funcionamiento utiliza los principios de la electromecánica. La proyección de imágenes de archivo sobre el polvo luminiscente y su disolución gestan la poética de la obra, que apela a la memoria y su fragilidad.

Freddy Rodríguez en Museo Ralli Santiago
3 octubre – 15 diciembre de 2019

 

Los Museos Ralli son una institución privada internacional, sin fines de lucro, cuyo objetivo es, desde sus inicios, promover y difundir las obras de artistas latinoamericanos y europeos que componen su gran colección. La Colección Ralli es exhibida de forma itinerante en los 5 Museos Ralli (Uruguay, 1988; Chile, 1992; Israel, 1993; España, 2000; Israel, 2007).

Museo Ralli Santiago, emplazado en la comuna de Vitacura, será sede de un nuevo proyecto cultural a cargo de la Embajada de República Dominicana en Chile, la cual organiza la exposición individual de pintura “La Fiebre del Oro” del destacado pintor dominicano radicado en Estados Unidos, Freddy Rodríguez (1945).
A los 18 años de edad, Rodríguez llegó a Nueva York (1963), visitó tantos museos de arte moderno como fue posible y estudió pintura en Art Student League y en el New School for Social Research; posteriormente diseño textil en el Fashion of Technology. Desde sus inicios, sintió afinidad por el arte abstracto a partir de los trabajos y el uso de colores primarios de Piet Mondrian, las emociones logradas en las obras de Mark Rothko y las innovaciones de Frank Stella.
El trabajo de Freddy Rodríguez se caracteriza por fusionar aquellos elementos conceptuales y estilísticos de la pintura de la Escuela de Nueva York con los de la historia dominicana, la cultura caribeña y la contingencia internacional. En sus obras recurrentemente utiliza las características formales (abstracta) de la geometría, como la forma, la estructura o la composición y los colores vibrantes para referirse a temas generalmente considerados en desacuerdo con el formalismo puro, es decir, el arte debe juzgarse más allá de su condición estética. Es por esta razón que incluye aspectos sociales o éticos vinculados a su obra como la conquista europea, la colonización, la dictadura y el baseball.

Galería BECH inaugura “Molfvn” muestra del artista mapuche Antil


El día viernes 6 de septiembre, bajo la curatoría de Soledad Aguirre, Galería BECH inaugura “Molfvn”, de Antil. Esta muestra instalativa busca reflexionar críticamente en torno al denominado “conflicto mapuche”, desde distintas imágenes y objetos asociados a él, que circulan principalmente a través de los medios de comunicación. La muestra estará abierta hasta el jueves 3 de octubre.

“Molfvn” es un término en mapuzungun que significa “sangre”. Poner esta palabra en circulación con la muestra busca, por una parte, poner el acento en las víctimas del conflicto, relevando el carácter histórico de esta lucha y, por otra, dar espacio a la lengua mapuche y su proceso de revitalización. Sobre la muestra su curadora señala: “Si bien, las causas de esta disputa no responden sólo a dinámicas contemporáneas, las empresas hidroeléctricas y, principalmente, forestales han contribuido sostenidamente en impulsar –apoyadas por la Ley 701, decretada durante la dictadura militar–, y acrecentar el desarrollo forestal a través de la bonificación para la recuperación de los suelos, para convertir el bosque nativo en monocultivos de pino y/o eucaliptos”.

La exposición se compone de una instalación de gran tamaño titulada “Declaración cruzada” que pone en tensión el texto oficialista sobre el “conflicto mapuche” y una declaración de la Coordinadora de Comunidades en Conflicto Arauco Malleco (CAM), a la vez que escenifica mediante juguetes una realidad presente en nuestro país. Además reúne video y fotografías con el fin de ahondar perspectivas respecto de esta problemática histórica.

 
 
Yto Aranda viajó a Viena, Austria, a preparar e inaugurar el próximo 6 de Septiembre  en Galería MAG3 la instalación transmedial electrónica, Natural Network System, reuniendo en ella arte, naturaleza, ciencia y tecnología, siendo el bosque esclerófilo y su funcionamiento en red el eje fundamental de la muestra. También ha sido invitada al encuentro internacional  Ars Electrónica como participante en el encuentro "Mycelium Network Society SUMMIT" el domingo 8 de septiembre de 2019 en el Espacio DECKDOCK en la ciudad de Linz.

 

Natural Network System hace referencia a las interconexiones existentes entre distintos integrantes de un ecosistema, incluyendo las subterráneas como raíces y hongos. Específicamente el funcionamiento sistémico del bosque esclerófilo chileno, el que posee cualidades sobresalientes por su capacidad de supervivencia en condiciones climáticas extremas.

 

El objetivo es transmitir no sólo el aspecto físico del bosque, sino también su espíritu, para esto Yto Aranda ha creado pinturas electrónicas que utilizan una técnica de su autoría, la «doble transparencia difuminada», en donde el color pigmento, se integra de manera profunda con el color lumínico, generando una sensación de pintura en movimiento.

TRAILER DEL DOCUMENTAL "ZURITA VERAS NO VER" y fecha del estreno en cines


Ya están disponibles las primeras imágenes del esperado documental sobre el poeta chileno, dirigido por Alejandra Carmona Cannobbio y producido por Eduardo Lobos.

La película se estrenará el 26 de septiembre en cines y a partir del 3 de octubre estará disponible de Arica a Punta Arenas en salas Miradoc.
    Link TRAILER  https://youtu.be/n7o_6zhbPv8


Raúl Zurita no es solo un gran poeta chileno. Rockero (ha tocado junto a Electrodomésticos y González y Los Asistentes) y activista por los derechos de las y los ciudadanos, se ha transformado en una gran figura pública. Un creador sensible que además lleva 17 años luchando contra el parkinson.

La cineasta Alejandra Carmona Cannobbio lo retrata y homenajea en Zurita verás no ver, documental que, tras un paso por festivales como Visions Du Reel, Valdivia, Fidocs, Antofagasta, Femcine, Cinèlatino y Bafici, llegará a Chile el próximo 26 de septiembre para ser estrenado en cines y el 3 de octubre en las salas que forman parte del circuito Miradoc para Santiago y regiones.

El documental muestra cómo el escritor se aferró al arte para sanar las heridas que sufrió durante el golpe de Estado en Chile. Realizó acciones poéticas desesperadas que impregnó en su propio cuerpo, en el cuerpo de la tierra y del cielo. Hoy, en el norte de Chile, imagina la obra de su crepúsculo, una obra monumental para la que aún busca financiamiento: “Verás un mar de piedras” son 22 frases proyectadas con luz sobre los acantilados de Pisagua, lugar donde se encontró la mayor fosa común de detenidos desaparecidos de la dictadura. Las 22 frases solo pueden verse desde el mar a medida que anochece, hasta desvanecerse con el amanecer. La última frase es “y llorarás”.


“Zurita le ha dado voz al dolor del pueblo chileno”

Para Alejandra Carmona Cannobbio, Zurita verás no ver es una película sobre "un poeta que resistió a la muerte y al horror que vivió en dictadura a través de la poesía. El documental se centra en las acciones poéticas que inscribió en el cuerpo de la tierra y del cielo en la geografía chilena. Visita algunos capítulos de su vida que nos ayudan a entender cómo la poesía y el arte pueden ser una tabla de salvación ante las injusticias del mundo”.

VIDA ONÍRICA I FRANCIS NARANJO I Factoría Santa Rosa

Te esperamos cordialmente en Factoría Santa Rosa, para visitar la muestra de uno de los artistas más relevantes de la escena actual, Francis Naranjo.
Artista canario que ha decidido, desde su Fundación Francis Naranjo, mirar a Latinoamérica como un "nuevo centro" que surge de una ruptura de las hegemonías europeas, en busca de miradas nuevas que nutran a un cansado Viejo Continente y al mundo todo.  
Y Chile es sin duda, dentro de Latinoamérica, un referente con el cual ha establecido vínculos artísticos y de fuerte amistad.

"Naranjo plantea tres estadios o territorios interconectados en el espacio galerístico, los cuales en su recorrido permiten comprender la suerte de irrealidad contemporánea en una búsqueda desenfrenada por una individualidad que es esencialmente un sueño. Y el entorno del Barrio Franklin resulta propicio escenario para la construcción de realidades oníricas, donde ¿quizás? podamos encontrar nuestras ausencias."
Carlos Javier Núñez
Curador

Sobre el artista:
Francis Naranjo, nacido en Santa María de Guía (Gran canaria, España) en el año 1961. Artista multidisciplinar que cruza los límites artísticos explorando en una constante investigación y experimentación, centra su proceso en la indagación de las relaciones entre la condición humana y los factores socializables del sistema imperante.

“HABITACULO POST MORTEN”
 

El espacio urbano y su habitabilidad, podría ser la base de cualquier lectura, ya desde  la arquitectura, la demografía, la sustentabilidad o la misma sociología, como también desde las esferas del trabajo social o el registro. Es en esta última   donde Pamela Alvarado  Álvarez   constituye su  mirada actual,  presentándonos  ahora su libro Habitáculo post mortem, reunión de imágenes urbanas mediadas en su tono de  figuras empañadas y visajes de  ciudad. “Concibo mi práctica de arte  desde la experiencia  interna, siendo mi entorno  el lugar  donde se configuran los espacios en su carácter simbólico, dando curso  a la  expresión narrativa de mis imágenes, que configuran una especie de palimpsesto  de lo real”, dice Pamela Alvarado al respecto.
 
Nacida en Concepción y actualmente  residente en Santiago, Pamela  es Comunicadora Audiovisual con  mención de dirección Cine y TV (Duoc), diplomada en Gestión Cultural de la Universidad Arcis y en  Arte y Territorio en la Universidad de Santiago (Usach).

Como fotógrafa ha realizado dos exposiciones: una de ellas con motivo de la apertura de Galería Panam -con la serie "Viaje al Fin del Mundo" (Santiago, 2014) y la otra -“A través de mi Ventana "- realizada en la Galería  Artistas del Acero (Concepción, 2015). Paralelamente ha colaborado como fotógrafa  para  distintas publicaciones, entre ellas, las portadas de los libros de los poetas Egor Mardones, Mauricio Paredes, y Alexis Figueroa.
 

20 de junio al 4 de julio 2019, Espacio Migo, Galería Drugstore, Local 01. Abierto de lunes a viernes, de 11:00 a 20:00 horas; sábado de 11:00 a 15:30 horas. Entrada liberada, espacio de libre tránsito. Proyecto financiado por el Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes,convocatoria 2019.

 

 

  • La fotógrafa chilena Loreto Ortega radicada en Tokio, exhibe “Express yourself don't repress yourself: Identidad Made in Japan”, muestra fotográfica sobre el movimiento urbano Harajuku, a través del cual los jóvenes viven su libertad y expresan su identidad con llamativos looks.

 

  • Este trabajo, que tiene su inspiración en el animé japonés, da cuenta de un fenómeno global en el que la estética es un medio que permite a los jóvenes romper los límites de una sociedad excesivamente normada.

 

13 14 15 16, 20, 21, 22 y 23 de junio de 2019,  de 11:00a 18:00 horas. Factoría Santa Rosa, Santa Rosa 2260, segundo piso, barrio Franklin de Santiago. Entrada gratuita.

 

Obra de Jorge González Araya

 

  • Se realizará una nueva versión del Persa del Arte en Factoría Santa Rosa, la venta de arte más popular y masiva de Santiago. Entre los artistas participantes destacan Guillermo Núñez, Roberto Matta, Julia Toro, Conty Ragal, Hernán Gana, Gonzalo Cienfuegos, Jorge Brantmayer, Omar Gatica, entre otros.

 

 

Serán ocho días en que  40 artistas de primer nivel ofrecerán obras de distintos formatos y técnicas, como óleo o fotografía, con valores accesibles a todos los bolsillos ya que el espacio busca acercar el arte a públicos más amplios. Se trata de una nueva versión del mítico y popular Persa del Arte de Factoría Santa Rosa, ubicado en el corazón del persa Bío, donde antes funcionaba la fábrica de textiles Musalem y que hace casi 10 años fue refaccionado y convertido en espacio de arte.

Los artistas convocados

 

Leonardo Portus
 
Lanzamiento del Catálogo del Proyecto Aproximación Visual del Territorio
 
Este Jueves 28 de Marzo se realizará el lanzamiento del Catálogo de nuestro proyecto Aproximación Visual del Territorio, que durante 2018 permitió enlazar el territorio particular de la Comuna de Independencia con cinco proyectos artísticos, cada uno con la misión de articular una propuesta sobre las necesidades históricas, sociales y políticas del lugar, así como la dimensión cultural, estética, y por sobretodo urbana en la relación de sus habitantes y transeúntes con la antigua Chimba.
 
Lugar de asentamiento histórico, desde La Chimba a Independencia, actores diversos han tomado posesión otorgando una identidad mestiza en los límites del margen que ha caracterizado al territorio, situación particular que permitió al proyecto situar líneas de convergencia entre las obras de los artistas.
 
Dado que Independencia se ha convertido en foco de agudas transformaciones, estas pudieron otorgar a los artistas convocados un material preciso para desarrollar su investigación con acciones en el espacio público y en la sala de exhibición de la Biblioteca Comunal.
 
Las obras refieren al Patrimonio, la ecología, el factor migrante y la descomposición arquitectónica, como elementos visibles de un paisaje en transformación que interroga por una raíz originaria y su proyección efectiva en el tiempo.

 

 

ELÍAS DÍAZ CON IMÁGENES DE LA CULTURA ANDINA INAUGURA ESPACIO DE FOTOGRAFÍA EN PROVIDENCIA

 

4 al 18 de abril de 2019, Espacio Migo, Galería Drugstore, Local 01. Abierto de lunes a viernes, de 11:00 a 20:00 horas; sábado de 11:00 a 15:30 horas. Entrada liberada, espacio de libre tránsito.

 

  • Andes lo que andes” es una colorida exhibición de fotografías trabajadas análogamente que retratan pueblos y personajes andinos, que se inaugura en Migo, el nuevo espacio de fotografía ubicado en el corazón de la comuna de Providencia.

  • La muestra es el resultado de 7 años de investigación del joven artista chileno Elías Díaz, quien realizó entre 2013 y 2018 varios viajes exploratorios a través de Los Andes donde retrató su gente, paisajes y cultura.

  •  

 

Elías Díaz (Santiago, 1988) lleva más de diez años de trayectoria artística, tiempo en el cual se ha dedicado casi enteramente a desentrañar la cultura latinoamericana contemporánea contrastada por sus tradiciones indígenas, en el marco de un espacio, natural o citadino, que juega un rol esencial. En este proyecto recorrió minuciosamente Los Andes con una cámara análoga de los años setenta, a través de Chile, Bolivia y Perú, donde retrató a personajes en su cotidiano, sus espacios, rituales y estética, con el objeto de rescatar la memoria de un pueblo que aún convive con sus tradiciones.

 

Son imágenes donde se contraponen sus raíces y un mundo moderno globalizado que ha dejado huellas indelebles en los espacios que habitan. “El proyecto nos introduce en la dinámica del hombre andino y en el espacio que lo rodea, acercándonos en un largo caminar a este vasto territorio llamado Los Andes. El paisaje nos recuerda su inmensidad en contraste con la arquitectura en la cual prevalece el color ocre del ladrillo crudo”, explica el artista.


Exposición colectiva
LOS DOMINIOS PERDIDOS


Curatoría: Dermis León

El Museo de Artes Visuales - MAVI invita a la inauguración de la exposición "Los Dominios Perdidos", que se llevará a cabo el sábado 2 de marzo, a las 12:00 horas, en el MAVI.

La exhibición presenta obras recientes de los/las artistas Carlos Araya ‘Carlanga’, Ciro Beltrán, Rodrigo Cabezas, Arturo Duclos, Coco Gonzalez Lohse, Klaudia Kemper, Sebastián Leyton, Claudia Peña, Malu Stewart, Mario Soro, Bruna Truffa, Marcela Trujillo, Kiko Zamudio y Paula Zegers.

Artistas invitados: Víctor Hugo Bravo y Alicia Villarreal.
Selección de obras pertenecientes a la Colección MAVI de Samy Benmayor, Bororo, Pablo Domínguez, Gonzalo Díaz, Omar Gatica, Pancha Núñez, Rodolfo Opazo, Francisco Smythe y Jorge Tacla.

Invitado especial a la inauguración: DJ Miguel Conejeros.
Más información sobre la exposición en mavi.cl

Artista explora los algoritmos de la sexualidad

 

Hasta el 25 de enero de 2019. FARO Arte Contemporáneo, Av. Apoquindo #5972, Metro Manquehue, Santiago de Chile, Miércoles a domingo, 15:00 a 18:30 horas; sábado de 11:00 a 14:00 horas. Entrada gratuita.

 

Desde el 14 de diciembre de 2018 se expone en Faro Arte Contemporáneo la muestra “Sexo, imagen y algoritmos”, del artista chileno Felipe Rivas San Martín. A través de un montaje transdisciplinar, el artista expone los avances de una investigación que evidencia el resurgimiento de paradigmas científicos arcaicos al alero de las nuevas tecnologías.

 

 

Los vínculos actuales entre sexualidad, imagen y tecnología son el foco que el artista Felipe Rivas San Martín viene investigando desde hace año y medio en la Universidad Politécnica de Valencia, en España, donde realiza el doctorado en Arte. Parte de esa investigación y producción artística se expone en Faro Arte Contemporáneo, bajo el alero de Factoría de Arte Santa Rosa.