Escáner Cultural

REVISTA VIRTUAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO Y NUEVAS TENDENCIAS

ISSN 0719-4757
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Reflexión

Evolución de la Belleza

Condor; fragment of pre-Columbian rock art engraving in the Atacama Desert, Chile. The cross was painted centuries after,  presumably by catholic missionaries. Photo: Ximena Jordan.

 

Beyond Europe

 

Nota de la autora: "Más allá de Europa" es un artículo que fue inicialmente escrito en inglés para ser publicado en una revista chileno-australiana, en Melbourne. Con la autorización del comité editorial de Escáner, lo publico a continuación en inglés, a modo de excepción y con la intención de compartir con ustedes el texto original. Agradeciendo su comprensión, los invito a leer y a pensar "más allá de Europa".

Ximena Jordán.

 

 


 

 CONVITE : MESA CENTRO - Valparaíso

CONVITE es una plataforma presencial concreta, instancia vinculante basada en el compartir la experiencia de la praxis en artes visuales, sus problemáticas actuales y proyecciones futuras. En su segundo año, reúne agentes en artes visuales de distintas zonas del país, con mesas de trabajo en regiones norte, centro y sur, complementando el trabajo hecho durante su primera versión el año 2015. Agentes en artes visuales que viven y trabajan en regiones se reunirán para reflexionar sobre su trabajo en el medio y desarrollar un análisis propio, real y profundo gracias a su concreta experiencia cotidiana y de años.
El proyecto partió con su primera mesa en la ciudad de Antofagasta los días 4 y 5 de Junio próximos, donde además de los invitados de las ciudades de Arica, Iquique, Antofagasta y Copiapó, asistieron los moderadores de las otras mesas, estableciendo un espacio de cruce y diálogo entre los debates, temáticas y propuestas planteadas​ durante dos jornadas de trabajo​. 
 
Ahora, este próximo fin de semana se reunirán en Galvez Inc un grupo de agentes de la V y VI Región para debatir a partir del tema del Extractivísmo y su dimensión cultural ¿Cómo enfrentarnos?, propuesto por su moderador el artista y gestor Juvenal Barría, director además del mismo espacio.

Invitado

 

 

 

 

MESA CENTRO

Extractivísmo y su dimensión cultural ¿Cómo enfrentarnos?

 

 

 

Este 23 y 24 de julio se llevará a cabo la segunda mesa de Convite, Segundo Encuentro de Agentes en Artes visuales, en Galvez Inc, espacio independiente y residencia artística ubicada en Cerro Alegre, Valparaíso. A propósito de esta fecha, Juvenal Barría –moderador de la mesa centro- y Carolina Lara -moderadora de la mesa sur-, se reunieron a conversar en torno a las diferentes aristas y reflexiones que el proyecto plantea. Aquí las miradas de ambos en los días previos a la reunión de agentes que trabajan en la región central del país y un avance de lo que será la siguiente mesa en Concepción.

 

Carola Lara CL: Juvenal, tú que participaste en Convite I y ahora, como moderador, ya presenciaste la primera sesión de Convite II que fue en el norte, ¿cuál crees que es la importancia de este encuentro?

Juvenal Barría/JB: Así es, participé en Convite I, invitado a la mesa de difusión, como  representante de la V región. De la mesa logre percibir ciertos aspectos que en Convite II se han superado, con esto me refiero a que en la primera instancia existía cierto centralismo marcado en la discusión que se fue atenuando pero que dejaba en evidencia que la realidad capitalina dista bastante de lo que pasa en regiones. En cambio en convite 2 en la mesa norte -donde me toco viajar a Antofagasta-, observé y fui parte de la discusión de la realidad de la macro zona norte junto a agentes de artes visuales de Arica, Iquique, Antofagasta y Copiapó. Dejaron en claro y afirmaron mi idea de que Santiago no es Chile, acá pudimos ver y hacernos conscientes de que en las regiones las artes visuales sobreviven, nos dimos cuenta que cada región tiene problemáticas diferentes, ya sea por su ubicación territorial, así como por las influencias culturales propias del lugar.

 

CL:¿Qué te pareció la experiencia en Antofagasta?

JB: La experiencia en Antofagasta fue muy agradable, el ambiente cercano y doméstico dio un carácter diferente al encuentro, a diferencia del año pasado en GAM. Es una experiencia enriquecedora tener la posibilidad de conocer agentes de la zona norte y, a su vez, generar vínculos que se ven materializados en proyectos comunes. La forma de trabajo en Antofagasta fue muy amena y cercana, una atmósfera en la que se dan grandes posibilidades de colectivización, pues las problemáticas que nos persiguen son muy similares.  Quede muy contento con el plan de trabajo que surgió en la zona macro norte, donde cada agente se comprometió a generar un trabajo de colaboración y complicidad.

 

CL: ¿Qué proyectaste para la mesa en Valparaíso? ¿Por qué la planteas desde el título “Extractivismo y dimensión cultural” y de la pregunta acerca de cómo enfrentarnos? ¿Qué procesos fundamentales ha vivido el último tiempo el arte en Valparaíso  (o más bien la zona que abarcas) y que te interesa especialmente abordar?

JB: Lo que pude proyectar en Valparaíso es la posibilidad de hacer visible ciertas prácticas monopólicas de agentes económicos, tener la posibilidad de generar crítica por medio de un encuentro me parece muy valioso, dejar testimonio de lo que está pasando en un sector. En este caso, Valparaíso, donde ya se han generado  históricamente relaciones de asociatividad y colaboración, por las desgracias y catástrofes, hoy se da de forma importante entre diferentes actores del arte, que en su mayoría trabajan fuera del alero de la institucionalidad. Valparaíso es una ciudad donde  existe una escena artística fuerte, pero que a su vez sigue siendo ignorada e invisibilizada  por la institución, ya sea porque no hay compatibilidad en los modelos de gestión o por temas ideológicos también. Cuando hablo de extractivismo en su dimensión cultural, hablo de como los agentes económicos, la gran mayoría vinculadas al área de turismo, se incertan en la ciudad y  se apropian de ideas  e incluso reciben apoyo estatal por generar algo que ya se está haciendo en los espacios autónomos o independientes hace mucho tiempo. Ahí viene la pregunta de por qué esta negación a nuestra existencia? Porque se subvalora el trabajo hecho por los espacios independientes? Porque la institución prefiere apoyar entidades privadas con fines de lucro? Podemos continuar supliendo un rol importante del consejo de la cultura, que va ligado al tema de actividades culturales y generación de audiencias sin ningún tipo de valoración simbólica ni material. ¿Tenemos que seguir el modelo de “Industria Cultural” que exige el estado para ser financiados? ¿es el único camino para tener un pasar digno? Mi idea es ojalá resolver estas inquietudes, y por lo menos, generar cierta estrategias de funcionamiento y dejar en evidencia las precariedades.

Escáner Cultural nº: 
193


Guillermo Núñez - Haikus del maestro.

LA DUDA PICTÓRICA

-panorama psicopatriotico de los 80-90-

Felipe Vilches Rubio

Cuando en el decenio 80-90 registré distintos fenómenos del arte joven en Santiago, a finales de los 80 me había otorgado el mundo artístico, el premio Under de la crítica de arte joven (1988) por PERFORMANCE BALLET ZARATHUSTRA y por la naciente crítica de pintura que realizaba en Taller LA BROCHA, en el Barrio Bellavista.

Fue una reacción natural ser, ante la distinción, más responsable y me enfoqué a la crítica de la pintura en presentaciones y textos para catálogos e ideas, también guiones, y actuaciones, Festival de Teatro y otras performances mientras veía el oficio de vender y a su lado el desconcertante desarrollo de las ventas de obras artísticas con los proyectos que financiaban fundaciones que sorpresivamente destacaban en sus fines altruistas. Se intuía que el único camino posible a las masas de artistas, si no fueran elegidos por el mercado, era vivir en talleres en mínima pieza y soñar en el éxito de proyectos enviados al ministerio de educación y fundaciones de arte.

El excesivo crecimiento del arte parecía exigir el centralizar pronto los lugares de ventas por la marea tremenda que significaba en Chile, la multitud de artistas que salían de institutos y universidades. Alguien previó el cambio al mundo neoliberal.

Escrito original de Salvador Elizondo; ideograma chino para "coito". Foto: Alfredo Ríos

 

Salvador Elizondo, 

o la paradójica imposibilidad existente en la repetición de los instantes

 

En una de tantas noches de insomnio y después de varios intentos, encendí el televisor. Nunca he sido un espectador frecuente y me parece un gasto innecesario contratar televisión de paga. Suponía, erróneamente en aquella ocasión que, dada la calidad de los contenidos en tele abierta, terminaría sucumbiendo ante algún infomercial o cualquier otra cosa transmitida a las 3 de la madrugada. No tuve siquiera que cambiar de canal. Al aparecer en pantalla la inconfundible mirada perdida y el acento porteño de Borges, comprendí que no conversaría con Morfeo en un buen rato.

El audio mono estéreo y las imágenes distorsionadas evidenciaban un programa antiguo, probablemente recuperado de alguna polvorienta bodega. Se trataba de una tertulia entre titanes: Jorge Luís Borges, Germán Bleiberg, el autor de “El guardagujas” Juan José Arreola y el hasta entonces desconocido para mi Salvador Elizondo.

Transmutando

 

PROYECTO EN CURSO:  “EXTREMOS DEL VOLUMEN:  ANOREXIA Y OBESIDAD EN LOS NUEVOS MEDIOS”

 

Hugo Castillo

Ayudante de investigación

www.extremosdelvolumen.cl

 

 

El cuerpo, como concepto y materialidad, ha estado presente en múltiples discursos disciplinares y propuestas teóricas, filosóficas, artísticas, biológicas y de género desde mediados del siglo XX hasta la actualidad, instalándose como problema y objeto de estudio transversal a distintos ámbitos de la cultura. El desarrollo tecnológico de los últimos 60 años ha complejizado dicho escenario, teniendo un papel fundamental en los cambios culturales relacionados con la forma de entender, relacionarnos y auto-definirnos a través del cuerpo.


 

En los últimos 15 años, se ha producido una aceleración de estos procesos, generado inéditas dinámicas de auto-gestión, escenificación y exhibición de la corporalidad a través de los nuevos medios, provocando quiebres y distintas configuraciones en la triada: cuerpo físico / imagen-cuerpo / identidad. Así, nos enfrentamos a cuerpos ‘ideales’, instalados en y a través de los medios, que alcanzarán, en el contexto de una cultura pantalla, altos niveles de espectacularización. La preeminencia, a pesar de la variabilidad de referentes, de un cánon corporal estilizado y la consecuente significación social y moral de las corporalidades extremas: ultra delgadas/obesas, genera no solo referentes estéticos, sino que instala modelos normativos asociados a formas de comportamiento. En este contexto, tendrán un papel fundamental los discursos que desde distintos campos y disciplinas (medicina, dietética, deporte, industria de la belleza) promueven un estereotipo corporal unido a la noción de bienestar y a una condición de cuerpo saludable, lo que estará estrechamente ligado a la armonía y estilización de las formas. Luego, los extremos del volumen corporal no sólo definen los márgenes de una normalidad anatómica (funcional y estética) sino que pueden, como categorias, ser objeto de una patologización.

Escáner Cultural nº: 
192
Evolución de la Belleza

 

Imagen del libro "De humani corporis fabrica" (1543), página 372. Fuente: Wikipedia.

Medicina y arte; saberes complementarios

 

Por: Ximena Jordán - ximena@iod.com.mx

El arte visual y la medicina presentan más similitudes de las que pensaríamos inicialmente. Ambas disciplinas demandan de su artífice una aguda observación de la anatomía y comportamiento humanos, así como de su entorno natural. Sin una atención constante a los fenómenos del cuerpo y de la naturaleza, el arte no podría ser creado con los sensibles resultados que apreciamos en las obras de arte que tenemos oportunidad de confrontar. El médico, por su parte, no podría devolver a su paciente el tranquilizador estado de la salud, sin antes centrar su mirada en las manifestaciones evidentes y ocultas de su enfermedad.

       Ambos, artista y médico, concentran su atención en un fenómeno externo para dominarlo visual e intelectualmente y así poder solucionar un problema; el artista resuelve cómo expresar lo observado desde la creación visual y el médico investiga cómo reestablecer la armonía física o mental a quien lo requiere.

Micelio

Componente teórico del taller de creatividad e innovación, RCN Televisión, Colombia, 2015

 

Activación y desarrollo de la creatividad

Un planteamiento desde el lenguaje de competencias y la neuropsicología

Texto editado para Escáner Cultural, a partir del trabajo de:

Jorge Restrepo, MPA, MA

Jaime A. Cardozo, MS

Jorge E. Restrepo, PhD

 

En un taller ofrecido por nosotros a una empresa colombiana de telecomunicaciones, una libretista nos planteó lo siguiente: ¿Qué debo hacer para recuperar la capacidad de escribir? Esta pregunta nos hace reflexionar y concluir que el supuesto de que hay suficiente creatividad y pocos nichos para que ésta florezca es una verdad incompleta. Es incompleta porque cuando llegamos al origen de la idea creativa, hay allí un reto grande, determinar cómo se puede estimular y mantener la capacidad de crear, para que los “chispazos”, generación de ideas permanente, logren alimentar, de manera fluida y suficiente, la producción del creador.  Considerando lo anterior, es importante tener en cuenta y trabajar en desarrollar nuestros procesos creativos, los cuales se dan en tres funciones de la mente humana: corporal, relacional y extendida.

Escáner Cultural nº: 
190
Invitado


With Energy Beyond These Walls - A System of Two Sculptures 1971
Imagen extraída de: VVAA, El ojo pensante, Catálogo Fundación Telefónica, 2009.p.34

 

El presente texto representa un extracto del segundo capítulo del ensayo Juan Downey y la energía invisible del Arte Sonoro chileno (título provisorio), que se encuentra desarrollando Ana María Estrada Zúñiga[i] durante este año 2015, gracias a una Beca de Creación del Fondo del Libro.

 

EL SONIDO COMO ENERGÍA INVISIBLE EN LAS ESCULTURAS DE JUAN DOWNEY
 

Por Ana María Estrada Zúñiga

El mundo cambia en función del sitio donde fijamos nuestra atención.

Este proceso es aditivo y energético.

                                                                 John Cage “Para los pájaros”

 

          Entre las décadas de 1960 y 1970, el artista chileno Juan Downey decidió llevar a cabo un gran número de esculturas que problematizan la relación de la obra con el espectador, principalmente aludiendo al feedback que se produciría entre estos. Las esculturas electrónicas y/o audiocinéticas son parte de dichas obras, a las que daré revisión a continuación utilizando las descripciones que el propio artista nos proporciona para poder analizarlas.

          Considerando el evidente desarrollo e inclusión de la tecnología que implicaban estas obras, lo que me parece interesante en ellas es que proponen una dinámica de interacción en donde el sonido aparece como un elemento relevante, y en las que el proceso de trabajo se desenvolvió en lo que hoy en día llamamos una práctica transdisciplinar, aunque esto tiene su origen en el concepto de Intermedia,[1] el que incorpora también áreas que no son propias de las artes, como la ingeniería para el caso particular de las obras de Juan Downey que se revisarán en este texto.  Por esto mismo es que me parece que en estas obras el artista se hace cargo del proyecto de relación Arte-Vida heredado de las vanguardias, y logra extrapolarlo al estado intermedio en que en ese momento y aún hoy en día se encuentra el arte contemporáneo, ya que no le interesa producir “objetos bellos” ni plantear una reflexión sobre la vida de las personas, sino producir objetos/máquinas que generen un modo de interacción y apelen a la conciencia. Como señalaba el propio artista:

 

Si me dieran a elegir, escogería la total inacción para mi vida entera. No obstante, persisto en la actividad de construir esculturas electrónicas, porque:

Su existencia o destrucción es irrelevante a la vida que hay en ellas.

Provocan que la gente juegue.

Hacen a la gente consciente de la enorme cantidad de distintos tipos de energía en el universo.

Son efímeras.

Esto forma parte de un nuevo desarrollo en la historia del arte: crear obras de arte que no deben durar mucho tiempo.

Plantean un problema para los coleccionistas de objetos artísticos.

Crean la ilusión de que el público puede participar en la obra de arte. De hecho seguimos siendo espectadores perplejos por el orden que hace crecer y moverse al mundo, aunque hacemos ver que determinamos lo que nos ocurre.

Es divertido hablar de ello con los amigos.

Imitan aspectos del movimiento en la vida.

El arte tiene más interés en pensar sobre las experiencias de la gente que en producir objetos.

Hacen a la gente consciente de las animadas relaciones entre  distintas clases de cosas.

Gustan a los niños.

A veces producen una inversión de los fenómenos naturales […].[2]    

 

            Al leer estas palabras resulta claro el vínculo entre Downey y artistas de vanguardia como John Cage o el grupo Fluxus, y es en su propuesta escultórica-tecnológica donde esa herencia Arte-Vida anteriormente mencionada se expresará de manera más explícita.

          Por otra parte, Downey buscaría repensar y reflexionar también respecto al rol del artista y la relación de la obra con el público, cuestión que será importante al momento de examinar obras de arte sonoro que de forma implícita provocan una relación diferente con el espectador o receptor de la obra, sobre todo si consideramos que el sonido corresponde a una energía invisible[3].

Escáner Cultural nº: 
187
Tirar del hilo

 

© Guerrilla Girls www.guerrillagirls.com

(¿Las mujeres tienen que estar desnudas para entrar en el Museo Metropolitan? Menos del 5% de las artistas expuestas en el museo de arte moderno son mujeres, pero un 85% de los desnudos son femeninos)

 

(De)construir la tradición. Acerca de las (otras) historias del arte

(Primera parte)

 

La Historia del arte es la disciplina académica que se ocupa del estudio de la producción artística del pasado; por esta razón, los análisis que realiza y las conclusiones que plantea están fuertemente legitimados y, en consecuencia, crean y transmiten los patrones del “buen gusto”. La consagración, la garantía absoluta de pertenecer a la categoría “artista”, no es definitiva hasta  que quien aspira a ello no aparece en los libros de Historia del arte. (1)

 

Existen un buen número de estatutos que hacen que se considere a algunos/as artistas más importantes que otros. Ello en buena medida depende de la capacidad de generar valor de cambio y por supuesto,  de quien está detrás legitimando las obras. Pero más allá de las categorías de artistas, si revisamos el tipo de obras que han entrado a los museos o al ámbito institucional, veremos que sus autores han sido considerados, la mayoría de las ocasiones, como genios o maestros.

La historiadora del arte Linda Nochlin, fue una de las primeras autoras que cuestionó esta historia canónica del arte en su artículo: ¿Por qué no han habido grandes mujeres artistas? (2), publicado en la revista Art Newsen 1971. Allí, expone  que el motivo estaba dado por el marco institucional y que se continuaba con la idea del artista romántico. En este artículo, Nochlin señala que la crítica feminista tiene el poder de desvelar juicios y errores, empezando por cuestionar la noción de genio. Aunque hacerlo, significa también poner en duda los cánones con que se miden las obras de arte, así como la institución detrás del mismo. De paso, Nochlin pone en duda las nociones consideradas como válidas a la hora de emitir juicios estéticos. El siguiente paso, según ella misma señala, es recordar que han existido grandes mujeres artistas, aún cuando es evidente la ausencia de una tradición propia y de modelos a los cuales referirse para poder identificarlas. Es decir, hablar de un genealogías.

Escáner Cultural nº: 
186
SURREAL

 

Por Enrique de Santiago

artedeenrique@yahoo.es

El surrealismo, es un movimiento que va más allá de una determinada demarcación formal o histórica- en la que insistentemente la academia trata de situarlo- y por esto mismo se mantiene en un nivel constante de verificación y cambios –sin perder su esencialidad que proviene de la otredad- de esta forma va demostrando una inacabada actualidad, aún cuando una numerosa parte de la crítica en general lo asimile solo en términos de un ismo más entre muchos otros ismos, o que reitere una fecha de vencimiento que nunca fue tal, ya sea porque resulta incomprensible para las leyes de la estética o el historicismo clásico – que por lo general acota ciertas dinámicas como resultante a uno u otro momento histórico, sin entender que tales efectos pueden mantenerse sostenibles cuando cambian las condiciones del entorno que los creo -  con todo lo anterior se puede deducir que este movimiento lisa y llanamente no es asimilable canónicamente. Hoy con la cercana apertura de una nueva exposición internacional del surrealismo, se comprueba esta tesis, y con la nueva exposición surrealista en Costa Rica se abre un nuevo capítulo en esta larga historia de hitos y sucesos bajos las constelaciones que alumbran el camino de lo maravilloso.

 

Escáner Cultural nº: 
186
Evolución de la Belleza

  

Momia del periodo Negro. Cultura Chinchorro. Foto: Rodrigo Orchard.

Mejor momificado que muerto

Tradiciones funerarias de la cultura Chinchorro

 

 

No me da miedo morirme, solo prefiero no estar ahí cuando esto ocurra.

Woody Allen

 

La muerte: un misterio vigente

A propósito del acercamiento de Día de Muertos – mi fiesta mexicana favorita, la cual gozo del comienzo hasta el final – les comparto la siguiente reflexión, que va enlazada con un toque de historia cultural.

¿Qué ocurre después de nuestra muerte? Esto es algo acerca de lo cual probablemente todos hemos indagado más de una vez. Quienes no son religiosos o incluso aquellos valientes que se dicen ser terminantemente ateos, no están libres de este cuestionamiento. Es interesante darnos cuenta que pasamos horas, días, semanas y años meditando acerca de los posibles destinos posteriores a nuestro último respiro. Ciertamente, cavilaremos acerca de esto en el momento mismo de nuestra partida.

Tirar del Hilo

 

Cinema Sites, Mark Lorch. Creative Commons 2.0

 

 

Reflexiones en torno a los roles de género: Fêmina Domus

 

Por: Marla Freire-Smith

 

“Es el rol social institucionalizado  el que establece los límites entre lo aceptado, lo prohibido, lo condenable y reprobable en torno a un rol. Al desempeñarlos, los individuos participan en el mundo social”[1].

 

 

Escáner Cultural nº: 
185
Tirar del hilo

Tony Squance, "Avoiding eye contact", detalle.

 

 

Memoria y hallazgo: acerca de la obra de Tony Squance en Ch.ACO 2015

 

Por Marla Freire-Smith

 

       Durante los días 25, 26 y 27 de Septiembre, se celebra la séptima edición de la Feria de Arte Contemporáneo Ch.ACO 2015. El lugar escogido nuevamente es el Centro Cultural Estación Mapocho, en Santiago, que acoge a treinta  galerías de arte que vienen desde Latinoamérica, Europa y Estados Unidos: AFA (Chile), Aldo de Sousa (Argentina), Alicia Rey Gallery (España), Artespacio (Chile), Buenos Aires Fine Art (Argentina), Cecilia Brunson Project (Inglaterra), Co Galería (Chile), Collage Habana (Cuba), Die Ecke (Chile), Espora (Chile), Factoría Santa Rosa (Chile), Henrique Faría (Estados Unidos/Argentina), Isabel Aninat (Chile), Isabel Croxatto (Chile), LA SALA (Chile), Local Arte Contemporáneo (Chile), Mite (Argentina), Mutt (Chile), Patricia Ready (Chile), Prima (Chile), Revólver (Perú), Rolf Art (Argentina), Ruth Benzacar (Argentina), Tegenboshvanvreden (Holanda), VALA (Chile), Vermelho (Brasil), XS (Chile) y Yael Rosenblut (Chile). Además de ellas, hay diez espacios Pop_Up, más de veinticinco editoriales y cuatro colecciones de arte: Colección Vodka Finlandia, Colección Nacional,  Colección TransparentArte y Colección FAVA.

      Para este texto, me centraré en la obra del artista Tony Squance, quien es presentado en Ch.ACO por la Galería Alicia Rey de Madrid, junto a otros artistas como Julieta Triangular, Martin Bruce y Carolina Dominguez Ratto Aparicio.

      Quiero destacar que es para mí un verdadero goce escribir acerca de la obra de Squance, quien posee un excelente dominio plástico y una gran calidad en su trabajo. Así también, quiero comentar que le conozco a él y a su obra hace varios años y que esta es una nueva oportunidad en la que escribo un texto de presentación de su obra, que estará disponible en Ch.ACO 2015.

 

Escáner Cultural nº: 
184
Tirar del Hilo

"Cucos" de Virginia Huneeus, Fotografía: Davixo Berimbá, 2015.

 

Fuerza y poética de la rebeldía en la obra de Virginia Huneeus

 

Por: Marla Freire-Smith

 

       A comienzos del mes de julio, se inauguraba en el Cultural Las Condes la exposición Lo germinal, pintura, grabado e instalación de la artista chilena Virginia Huneeus, curada por el académico en estética, Dr. Gonzalo Leiva. Días antes de la inauguración, había recibido la invitación por parte de Gonzalo, por lo que me documenté un poco más acerca de la artista y su obra, pero aún así, mi sorpresa fue grande. Al entrar, una serie de grabados recibían a los espectadores/as,  mientras el recorrido se tornaba cada vez más laberíntico, en parte gracias a la arquitectura del espacio pero también al impecable trabajo curatorial que había detrás, lo cual facilitaba sumergirse en la fuerza y al mismo tiempo, en la poesía y rebeldía que propone la obra de Virginia Huneeus. Todo estaba dispuesto y pensado para dejarse llevar y sorprenderse por la propuesta en su conjunto.

Escáner Cultural nº: 
183