MR. NOBODY: LA RELATIVIDAD DEL TIEMPO

 Fernanda Bargach-Mitre

@bargachmitre

Dirigida y escrita  por el Belga Jaco Van Dormael , la película es tan fascinante como provocadora de pensamientos. Una historia de ciencia ficción y amor de una originalidad pocas veces vista, que nos plantea desde viajes en el tiempo, realidades alternativas y como cada decisión podría ser fundamental en el futuro.

No fue tarea fácil para el director conseguir el presupuesto para realizar este film, de hecho es una coproducción entre entre Europa y Canadá, financiamiento que fue cuesta arriba conseguir, lo que es normal para una película intrincada, que es un reto para el espectador y que no parece presentar atractivos comerciales. Fue un fracaso de taquilla, y de criticas mixtas. Aun se espera su estreno en Estados Unidos como esperanza de que recupere su inversión.

No se trata de una cinta fácil de analizar ya que representa un desafío a la inteligencia de la audiencia porque no todo queda claro, llevándonos a una libre interpretación de lo que vemos.

PERO ¿QUÉ HACE ESA VACA EN UN MUSEO? (4ª PARTE)

Por Mario Rodríguez Guerras

direccionroja@gmail.com

El interés del sabio

La cuarta definición que hacen los sabios, que el arte es corrosivo, también la desmentimos y, como la  abordamos en otros lugares, nos limitaremos a indicar que la corrosión es una cualidad de la obra pero no una condición del arte como nos quieren hacer creer quienes dicen que saben.

Pero hacemos notar que esa traslación de la cualidad a la esencia se ha venido produciendo con demasiada frecuencia. Los sabios defienden su interés. Defender el interés particular es legítimo. Planteemos la legitimidad de su interés.

J-L. Parant “Las bolas-los ojos”
y la visión de Nicole Everaert-Desmedt

(2ª parte, concluye)

Y si el cuerpo fuera redondo como el sol y si el sol tuviera la forma del cuerpo sería el cuerpo entero el que volaría en el infinito                                                                                              J-L. PARANT (le mot boules)

César Horacio Espinosa V.

El estado de las Cosas

Por Mane Adaro

Rosario Montero es una artista visual que trabaja con el medio fotográfico. Constantemente a través de su obra, ha indagando  en los límites de la subjetividad y la representación de la realidad  (como posibilidad de dislocación).

Su cuerpo de trabajo se reconoce por privilegiar  tonalidades frías, exentas de altos contrastes, una temática investigativa hacia la contingencia política y social -donde aborda en forma  documental y tipológica- distintos aspectos que aluden a conceptos de territorialidad e identidad.

Una de sus series, Ciudad Ideal, fue incluida en la última edición del libro C PHOTO NUEVA MIRADA LATINA, con curaduría del fotógrafo inglés Martin Parr, compartiendo méritos junto a catorce  fotógrafos latinoamericanos como la mexicana Ana Casas, el venezolano Alexander Apóstol o el argentino  Alejandro Chaskielberg.

ECOS DE “IMAGES IN VOGUE”

Por Alvaro Oliva

alvaro_oliva@hotmail.com

El video de la canción “Save It” del grupo “Images in Vogue”, nos muestra a todos los miembros de esta banda tocando en una vieja bodega subterránea de los 80, mientras su vocalista desciende, sigilosamente, por una escalera otorgándonos su grave voz similar, como muchos dicen, a la de Peter Murphy o Bowie.

David Lynch
De la metáfora delirante a la fragmentación

Alberto Caballero

No me queda muy claro porqué emprendo la escritura de esta serie de artículos sobre la obra –magistral- de David Lynch. Quizás por haber dedicado tantos años a la investigación sobre la obra de Michel Haneke, en las antípodas de Lynch, compilada en mi libro: ‘La realidad ordinaria y la obra de Michel Haneke’. Quizás porque el año 2011 se lo he dedicado a la obra de John Cage, todo un descubrimiento para mí, que me ha llevado a poder pensar sobre el valor de ‘el silencio’ no solo para el arte sino para el sujeto moderno (serie de artículos publicados en Escáner Cultural). Quizás porque esto me ha llevado a leer con más detenimiento el trabajo fundante que hace Jacques Lacan sobre la obra de James Joyce, ‘la estructura como una escritura’. Si en Cage me quedó claro que la música es ‘a la letra’, ni para el instrumento ni para la voz, como objeto, demostrar cómo Lynch pasa de sus primeras películas, fundadoras de su obra, construidas como una metáfora delirante,  a sus últimas donde poco a poco se va perdiendo toda narración, si alguna quedaba, para ir construyéndolas ‘a la letra’, fragmento a fragmento, será todo un reto.  Quizás por el prestigio incuestionable que su obra ha adquirido no sólo a nivel académico y artístico, más allá del cine, tal que se ha hecho imprescindible para poder leer el derrotero que la imagen ha producido en el siglo XX: de Hitchcock a Lynch, es decir demasiado. Quizás por la densidad visual y de comprensión de su obra, tantas veces su visionado se hace insoportable, atravesar lo insoportable, poder decir algo sobre lo insoportable será parte de este trabajo, espero poder cumplir con cada una de las etapas señaladas y ofrecerles el recorrido prometido.

He dividido mi trabajo en etapas, quizás para poder seguir un programa marcado previamente, quizás para poder hacer etapas en el camino, etapas que no había podido realizar con anterioridad:

De lo efímero y lo sagrado

Estética y simbolismo de la flor de Loto

Por: Ximena Jordán - ximejordan@gmail.com

Una flor con un transcultural simbolismo

        Antes de asesorar al fotógrafo mexicano Julio Hernán en la curaduría de esta exposición, no imaginé que la flor de Loto tuviera un valor y un simbolismo de semejante multi-culturalidad. Debido a mi sorpresa, decidí compartir en el presente artículo un análisis del simbolismo de la flor de Loto y una visión acerca del proyecto fotográfico y de la obra del artista mexicano.

          Hace trece años comenzó la gestación de estas fotografías, cuando Julio Hernán decidió cultivar flores de Loto en una finca ecológica en el Bosque de Niebla, estado de Veracruz, México. En el origen, no hay intención artística. Solo existe la inquietud por parte de este artista pintor, escultor y fotógrafo, de cultivar una relación personal con la Flor de Loto.  Junto con su flotante belleza, despierta la atención del artista que estas flores posean atributos ancestralmente sagrados para la cultura Egipcia, la cultura India y la cultura China. Por causa de su transcultural simbolismo, hasta la actualidad lotos muy estilizados suelen aparecer representados en diversos objetos del arte de China, India, Egipto y Japón. Además, la Flor de Loto está presente en narraciones mitológicas pertenecientes a otras culturas, una de ellas relacionada con nuestra cultura occidental: la cultura Griega.

Arte de acción de Marcela Rosen e Yto Aranda “huerto jardín” intervención urbana para el día de la Tierra,
para SOS Tierra, 2005, fotografía de Ricardo Castro

Reflexiones sobre el arte de accionar

Texto preparado para el Seminario "Performance en Chile: 30 años." de junio de 2009, en el Auditorio de la Facultad de Artes Sede Las Encinas. (Las Encinas 3370, Ñuñoa, Santiago) y para el libro editado en 2011. La misión era escribir sobre: “Performance: disciplina o desplazamiento.”

Por Marcela Rosen Murúa

Una obra de arte jamás es bella, por decreto, objetivamente, para todos.
La crítica es por lo tanto inútil, no existe más que subjetivamente, para cada uno, y sin el menor carácter de generalidad. ¿O acaso se ha hallado la base psíquica común a toda la humanidad?
del manifiesto Dada de Tristan Tzara (1)

Ante la cuestión que motiva este escrito, ser parte de la mesa Nº4 que tiene la misión de escribir sobre: “Performance: disciplina o desplazamiento.” Comienzo por buscar las definiciones de estos conceptos, en el momento de hacer definiciones podemos re-pensar todas las definiciones en las que nos basamos y ver que ya están caducas o que ya no son tan efectivas porque el hacer humano es cambiante y las definiciones permanecen, creo que es el momento de cambios en estos aspectos y para eso debemos pensar y repensar nuestras propias definiciones de los conceptos que usamos, como arte, disciplina del arte o desplazamiento que son los términos que me invitan a comentar en esta ponencia, yo siempre me cuestiono las definiciones, es decir reviso los significados de las palabras como una costumbre que tengo desde mi infancia, y generalmente encuentro que se usan palabras en forma poco acertada con su definición, entonces ahí hay que ver quien y de donde viene esa definición porque también hay un trasfondo político o religioso o económico, es decir, tendencioso en los diccionarios o en las fuentes de información, afortunadamente el internet en su amplitud nos puede dar las diferentes acepciones de una palabra, desde diferentes orígenes de pensamiento. Para que podamos usar las palabras precisas, que tengan el sentido que queremos darle al texto.

Disciplina: viene de “discere”, que significa aprender, implica a un discípulo y por lo tanto a un profesor, entonces es lo que se enseña y como se enseña. Y disciplina artística será una expresión de arte con límites definidos y claros, conceptos por todos conocidos, encasillados y empaquetados.
El arte de acción y de performance al ser disciplina se enmarcaría en su definición y es preferible que no tenga los límites marcados, que no sea disciplina para que sea libre y pueda redefinirse eternamente.
Las disciplinas del arte son la música, las poesía, el teatro, la danza, la pintura, la escultura y otras, el arte de acción podría estar en esta lista como una disciplina artística, pero mejor sería una transdisciplina, como una posibilidad de estudio para muchos alumnos de cualquier carrera de toda la universidad, porque es una forma de expresión posible a todas las disciplinas universitarias. El arte de acción cruza transversalmente las diferentes ramas del conocimiento, podemos encontrar que artistas de variadas disciplinas y no artistas se expresan a través del arte de acción y de performance. Los artistas de acción chilenos que conozco vienen de la poesía, del periodismo, de la danza, de las artes visuales, de la antropología y del teatro.
El problema que hay en nuestro país en el ámbito educativo es que este arte no se estudia, no se piensa, ni se enseña. Este seminario es un comienzo valioso, su valor está en que reune a muy diferentes exponentes en una misma publicación.

LA DIOSA O LA ESCLAVA, SIEMPRE IMPORTANTE

Por Marina Yufereva | Марина Юферева

Las reglas existen para que uno las rompa un día. Y eso se siente muy agudamente en la esfera del arte. Ya hace tiempo los antepasados descubrieron las normas de perspectiva lineal y volumen, la proporción del cuerpo humano en el cuadro, pero no obstante se encuentran los arrojados los cuales a pesar de la opinión pública hacen lo que quieran y crean de su propia manera.

Una pintora rusa Anna Tarasenko es una de los arrojados. Ella nació en 1985 en la ciudad Novocherkassk de la región de Rostov-del-Don en la Federación de Rusia. Se graduó del instituto de arquitectura y artes. Y aunque es seguro que la pintora joven sepa reflejar la realidad de modo muy similar a la realidad y de modo correcto según las leyes del arte clásico, ella prefiere expresarse de manera extravagante. Anna confiesa su gran amor a “la escuela de Paris”, destacando en particular el arte de Amedeo Modigliani, un pintor italiano, y Marc Chagall, el pintor bieloruso y francés de origen hebreo.

A partir del 4 de Mayo hasta el 27 de Mayo tuvo lugar la exposición “Los zapatos rojos” de Anna Tarasenko en el Museo del Arte Moderno en Dmítrovskaya en la ciudad Rostov-del-Don en el Sur de la Federación de Rusia.

Muchos admiradores de su arte llegaron en rojo, teniendo las botas o las sandalias o los zapatos rojos. La exposición está dedicada a la mujer y a su alma enigmática.

La particularidad característica de sus lienzos es que todas las mujeres tienen los ojos extremadamente grandes, la nariz prolongada, la cara triangular y el aire misterioso y refinado. No hay volumen y sombras. Los cuadros parecen estar pintadas por la niña traviesa la cual no sabe ningunas leyes adultas y presenta el ser femenino como se le antoja.

Vamos a un Recital

Por Patricio Muñoz
inter.guit@gmail.com

Vamos a un Recital es una crónica que pretende dejar registro de diversas actividades donde se ejecute música en vivo sin frontera de gustos, ni clasificación de estilos musicales. En esta ocasión viajaremos a la región de Los Lagos siguiendo a un grupo de amantes del sonido de las seis cuerdas en un entorno sencillamente espectacular.

VII JORNADAS DE GUITARRA CLÁSICA 2012. Frutillar-Chile.

Por siete años el Teatro del Lago en Frutillar se llena de Guitarra durante una semana, esta idea surgió de la inquietud del destacado guitarrista nacional Carlos Pérez quien es el director y creador de este evento que cuenta con la colaboración del Teatro del Lago, Casa Amarilla, Universidad de Chile y Guitarra Viva. La idea es compartir cinco días dedicados a la guitarra donde concertistas internacionales, guitarristas profesionales, alumnos avanzados, principiantes y seguidores de este instrumento pueden asistir a conciertos, clases magistrales y conferencias.

J-L. Parant “Las bolas-los ojos”
y la visión de Nicole Everaert-Desmedt
(1ª de dos partes)

(como si) yo escribiera sobre los ojos porque deseaba ser el sol y yo hiciera las bolas porque yo deseaba ser la tierra (les boules les yeux, p. 13).

Escribí e hice las bolas para sorprenderme reinventando el mundo todo sólo con nada más que mis ojos y mis manos (les boules les yeux, p. 15).
                
Jean-Luc Parant

César Horacio Espinosa Vera
poexperimental@gmail.com

Nicole Everaert-Desmedt

Conocimos a la maestra Nicole en la ciudad de Monterrey (en el noroeste de México) durante el 2º Congreso Mundial de Semiótica, en 2005 (1). Desde entonces, ella viaja cada año al menos dos veces a México para participar en conferencias y encuentros sobre la semiótica peirciana; y en uno de sus viajes nos dejó, a Araceli Zúñiga y a mí, su libro Interpréter l’art contemporain, donde analiza la obra de una serie de importantes artistas contemporáneos.

PERO ¿QUÉ HACE ESA VACA EN UN MUSEO? (3ª PARTE)

Por Mario Rodríguez Guerras
direccionroja@gmail.com

1. Arte y vida

Otra relación que establecen los sabios acerca del arte es la de identificar el arte con la vida. Esta idea es bastante propia de los dadaístas aunque, como otras muchas ideas que se generaron a principios del siglo XX, estaba bastante extendida entre todas las vanguardias. De hecho, es lógico que fuera así ya que, como venimos afirmando, y puesto que cada uno de los estilos era una forma particular de interpretación racional de la obra, los diversos estilos se influían mutuamente. Si el arte de vanguardia fue ciencia, el artista obró, como todo científico que analiza una realidad, diseccionado el objeto de su estudio, lo que implica, en el caso de un ser vivo, privarle de su vida. El científico analiza la parte material de los objetos, un estudio que no negaremos necesario, pero insuficiente y, por eso, el artista-científico intuye que hay algo de la existencia que ha quedado fuera del arte, entonces coge toda la existencia y la agrega a la obra como diciendo, coged lo que preciséis, aquello que falta y que no podemos definir mediante la racionalidad de los estilos de nuestro tiempo.

La lógica busca cómo justificar racionalmente un hecho para darle valor ya que de por sí carece de él. De esa forma se llega a afirmar que se pretende igualar el arte con la vida pero resulta que, en lugar de ensalzar el arte, acabarán por desmerecer la filosofía.

No es posible dar razón de algo que no la tiene y con el tiempo el resultado será el opuesto al deseado. Si con ese esfuerzo se pretendía ensalzar el arte, el resultado efectivo será el de desmerecer la filosofía pues no es cierto lo que se afirma y mantener durante tanto tiempo un error de esa naturaleza lo que acaba por demostrar es la incapacidad de los pensadores que se revelan como superficiales e interesados.

Decimos que relacionar el arte con la vida es una afirmación que solo puede provenir de una falta de reflexión porque la vida es una manifestación empírica, a saber, el fenómeno en que se muestra una voluntad universal. En cambio, el arte tiene por objeto expresar los sentimientos y conocimientos (todo conocimiento es un sentir) sobre la existencia que alcanza el hombre mediante su consciencia.

Jorge Cabieses, “La Miniatura”, 2009.

CHILE: EL TRABAJO CON EL ESPACIO (PARTE I).

Por Maria Pia Cordero
mpiacordero@gmail.com

Este ensayo pretende ser un puente de conocimiento y acercamiento entre el antiguo y nuevo trabajo con el espacio, que tanto escultores como artistas visuales efectúan dentro de nuestra frontera. En octubre del año 2011, Pablo Rivera (1961), destacado artista visual chileno, es el encargado dio forma a la muestra “Objetos que hacen ruido” en el Centro de Arte Contemporáneo de la Municipalidad de las Condes. En esta muestra Rivera ha elegido a los artistas: Jorge Cabiezes, Carlos Costa, Sofía de Grenade, Javier González Pesce, Alejandro Leonhardt, Adolfo Martínez, Aymara Zegers y Nicolás Miranda, los que mediante diversas formas de manifestación: video, instalación, fotografía, escultura, etc., conjugan su obrar en el trabajo y producción de espacio. Esta muestra en general presenta a los objetos cotidianos del habitar humano, cuestionando su estatus quo de objeto la mayoría de las veces “al servicio de”, posibilitando una búsqueda más allá de los límites de lo que cotidianamente denominamos obra. Es el caso del trabajo de Jorge Cabieses, que con su obra Miniatura (2009), juega a dotar de sentido nuevo a elementos de uso doméstico: una mesa de madera rectangular, una tostadora de pan eléctrica, una plancha, un foco, una extensión eléctrica, figuras de porcelana y unas correas caninas. Cabieses siguiendo la ruta de la instalación se otorga el derecho de descontextualizar de su campo de acción a estos objetos, para despojarlos de cualquier tipo de inofensividad e inocencia. Bajo un designio casi macabro los dota de un sentido nocivo, abriéndolos al mundo posible de la tortura: la mesa sirve para recibir el cuerpo, cuyas extremidades pueden ser fijadas y adosadas a ésta por correas caninas, por lo cual las ubica justamente en sus extremos, siguiendo el orden de las extremidades humanas; dos planchas eléctricas sirven para recibir cálidamente a los brazos; mientras que un tostador eléctrico es ubicado en el costado de la mesa, que media entre ambas planchas, para recibir a la cabeza; finalmente, ubica un foco de luz, aquel que usamos habitualmente en el escritorio o velador, para alumbrar la acción de tortura. Así, Cabieses nos propone una doble descontextualización, otorgándoles a instrumentos de uso doméstico el estatus de objeto artístico, y, al mismo tiempo de tortura, en el límite entre lo inocente y lo siniestro.

HÉCTOR ROBLES ACUÑA: EL LEGADO PICTÓRICO DE LA FRONTERA. 

Por Alvaro Oliva

alvaro_oliva@hotmail.com

El pintor Héctor Robles Acuña nació, el 6 de julio de 1919, en Temuco, en medio de los trigales y de las variadas culturas que existen en la región de la Araucanía. La diversidad de colores y paisajes, que mutan durante todo el año, se convirtieron en parte del material que se plasmó en sus acuarelas.

Las creaciones de Robles, quien además fue copista del Museo del Prado en España, se materializaron en variados muros del país. Sin embargo, a pesar de su reconocimiento internacional nunca tuvo la oportunidad de realizar un mural en su ciudad natal, y hoy en día, sólo podemos apreciar un cuadro que representa la fundación de Temuco, ubicado en el casino del monumento natural Cerro Ñielol, a pocas cuadras del centro, en la mencionada comuna.

Héctor Robles se destacó, durante su trayectoria, como un figurativista (realista), con dotes de retratista, autor de murales que representan momentos históricos del país. Para el centenario de la ciudad de Temuco, una de sus obras fue impresa en un sello postal.

Falleció, a los 88 años,  el 6 de marzo de 2007, en Concepción, ciudad donde recibió el Premio Municipal de Artes.

David Lynch
De la metáfora delirante a la fragmentación a la letra

No me queda muy claro porqué emprendo la escritura de esta serie de artículos sobre la obra –magistral- de David Lynch. Quizás por haber dedicado tantos años a la investigación sobre la obra de Michel Haneke, en las antípodas de Lynch, compilada en mi libro: ‘La realidad ordinaria y la obra de Michel Haneke’. Quizás porque el año 2011 se lo he dedicado a la obra de John Cage, todo un descubrimiento para mí, que me ha llevado a poder pensar sobre el valor de ‘el silencio’ no solo para el arte sino para el sujeto moderno (serie de artículos publicados en Escáner Cultural). Quizás porque esto me ha llevado a leer con más detenimiento el trabajo fundante que hace Jacques Lacan sobre la obra de James Joyce, ‘la estructura como una escritura’. Si en Cage me quedó claro que la música es ‘a la letra’, ni para el instrumento ni para la voz, como objeto, demostrar cómo Lynch pasa de sus primeras películas, fundadoras de su obra, construidas como una metáfora delirante,  a sus últimas donde poco a poco se va perdiendo toda narración, si alguna quedaba, para ir construyéndolas ‘a la letra’, fragmento a fragmento, será todo un reto.  Quizás por el prestigio incuestionable que su obra ha adquirido no sólo a nivel académico y artístico, más allá del cine, tal que se ha hecho imprescindible para poder leer el derrotero que la imagen ha producido en el siglo XX: de Hitchcock a Lynch, es decir demasiado. Quizás por la densidad visual y de comprensión de su obra, tantas veces su visionado se hace insoportable, atravesar lo insoportable, poder decir algo sobre lo insoportable será parte de este trabajo, espero poder cumplir con cada una de las etapas señaladas y ofrecerles el recorrido prometido.