Escáner Cultural

REVISTA VIRTUAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO Y NUEVAS TENDENCIAS

ISSN 0719-4757
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Así en la Tierra

MÁS ALLÁ DEL SENTIDO DE LUGAR.

GEOSEMÁNTICA SOCIAL, CIENCIA DEL TERRITORIO

Por Diego Cerda Seguel

Noviembre de 2013

diego.cerda.s@gmail.com

 

 

RESUMEN

 

Este trabajo completa una especie de trilogía de la geosemántica social, iniciada hace nueve años con "El Mundo según Google: Google Earth, la creación del dispositivo Geosemántico global" (2005), y luego "Tierra, Sentido y Territorio: La Ecuación Geosemántica" (2008). Luego de más investigación, desarrollo y modelación conceptual se ha llegado a concluir con una teoría que abarca más acá de la internet, en la tradición milenaria del 'espíritu de lugar', y atraviesa los recursos digitales para devolvernos al territorio tal como se vive en lo pedestre. Una vez que se entregan los elementos para comprender la geosemántica sin referencia al mundo digital, volvemos al mundo digital para demostrar que dentro de estos entornos surgen herramientas para identificar y valorar los lugares en su potencial territorial dado por quienes habitan, transitan, visitan los lugares y llegan a conocerlos con algo más que la intelección, añadiéndole los componentes emocionales y filiativos que convierten a los territorios en terruños amados (o evitados), por los cuales las comunidades están dispuestas a todo para defender sus territorios frente a las embestidas de la planificación de infraestructuras y procesos industriales destructivos. Más allá del sentido de lugar está el poder territorial, poder local comunitario, potenciado por herramientas digitales inusitadas para defender el valor local y la identidad entre las personas con los lugares.

 

 

TIERRA + SENTIDO = TERRITORIO

 

Esta es la ecuación geosemántica propuesta en 2008 como forma de definir el territorio. A partir de esta ecuación la geosemántica social se plantea como la disciplina capaz de encarar de forma multidisciplinaria el estudio de los territorios a partir del principio de igualdad establecido en esta ecuación.

 

Con la publicación de “Tierra, Sentido y Territorio. La Ecuación Geosemántica” en 2008 en esta misma revista, se postuló esta ecuación como declaración de principio para una ciencia del territorio. Mediante la aplicación de esta ecuación, el territorio deja de ser un monopolio de geógrafos, planificadores y administradores públicos o privados y se transforma en patrimonio común de quienes dan sentido a los lugares donde viven, donde nacen, crecen, trabajan, vacacionan, estudian, transitan.

 

Esta ecuación-principio hace del territorio una construcción común de los habitantes, los interesados, los tomadores de decisiones, los accionistas, todos tienen algo que decir sobre los espacios geográficos, rurales o urbanos que son objeto de sus vidas e intereses. Entre todos ellos componen de manera más o menos consensuada, más o menos conflictiva el sentido de los lugares que dan el sustento material y espiritual a la definición del territorio.

Escáner Cultural nº: 
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Invitado

 

 

 

POR QUÉ LEER A DANIÍL KHARMS
 

Editor de la colección Satura Traducciones: Tomas Browne Cruz , hace la poregunta al traductor.

Respuesta del traductor Simón Tertychniy
 

El editor del libro que en este instante usted sostiene en sus manos me preguntó por qué uno debe leer a Kharms. Por días no podía idear una respuesta definitiva. Por días deambulé pensando en las respuestas posibles. Verdaderamente, ¿por qué leer a Kharms? ¿Qué ofrece al lector, con qué lo atrae, cómo lo atrapa? Después de darle muchas vueltas al asunto, llegué a ciertas conclusiones. Una de ellas es que los textos de Kharms, de los cuales la presente traducción es una ínfima muestra, son divertidos, vibran con humor caracterizado por la crueldad e anampatía. La risa nos permite evadir el indudable horror de los hechos. A la vez, es una hilaridad incómoda provocada por un choque repentino de lo conocido y posible con lo profundamente raro, ajeno e impensable. En general, la colisión es un tema recurrente. De esa manera, se encuentran personajes cotidianos y literarios, la abstracción y lo concreto, registro formal con groserías, lo ridículo con lo trágico, lo rutinario con lo excepcional. Se podría denominar este estilo como el realismo absurdo. Además, leyendo los textos sentimos que el autor percibe la palabra como un acto mágico, un acto que invoca poderes ocultos y que produce un efecto particular sobre la realidad (véase Sucesos no. 15, 17 o 21). Confiando que el autor mismo cree que las palabras pueden afectar al mundo directamente, consideremos el efecto que nos causa la lectura de los cuentos de Kharms, esa mezcla de duda y curiosidad que uno siente dando vuelta la página. He aquí mi segunda conclusión: aparte de lo literal, lo explícito de los ‘sucesos’ propiamente tal, se siente una sugerente presencia constante de otro corazón que late justo detrás de las palabras, de otro significado místico y profundo. Los cuentos están estructurados como unos pequeños mecanismos armados con el fin de ser causas de una reconsideración completa del mundo convencional. Los escritos de Kharms nos hacen dudar de lo que, sin duda, es. Y en ese contexto, nuestra risa nerviosa es una afirmación de que lo que ocurre en el cuento forma parte de lo normal, porque en el caso contrario provocaría angustia aguda. Es lo único que podemos hacer frente al absurdo, lo que por definición no tiene sentido, que nos resiste y que en consecuencia debe provocar el temor razonable de que todo lo que vemos, escuchamos o hacemos lo entendemos mal, de una manera incorrecta. Por lo contrario, si presumimos que lo hemos entendido bien, es la realidad que esta fracturada y que desafía a la comprensión. Es la potencial ausencia de sentido que tanto descompone al lector. La individualidad con su característico intento de relacionar todo con la experiencia propia entra en un conflicto con la realidad del cuento. Reiteradamente, lo que ocurre en los textos de Kharms nos descoloca, nos hace vacilar, nos deposita a las puertas de nuestros edificios con ojos libres de las rejillas de todo patrón dejado por lo antepasado, por lo que habíamos creído entender. La lectura nos deja en la puerta, a la espera de que ocurra algo que no podemos esperar. Esta apertura a lo inexplicado y lo inexplicable me parece una razón válida para leer y releer Kharms.

Escáner Cultural nº: 
163
Invitado


De izquierda a derecha: Jorge Restrepo, Piukewerken Ricardo Castro Guerra e Ignacio Piderit. ¡Cuando íbamos a tomarnos la foto para la entrevista, se acercó Ignacio y posó con nosotros! Foto de Marcela Rosen.

 

PIUKEWERKEN SER MAPUCHE

(piuke: corazón werken: mensajero en mapuchezungun)

...un diálogo de Piukewerken Ricardo Castro Guerra y Jorge Restrepo

en el marco del proyecto "María de Salazar"

 

Al dialogar con Ricardo durante la visita que hice a Santiago en 2013 me sentí especialmente atraído por su decisión de vida: nacionalizarse mapuche. Cada frase que escuché de tu parte sobre los mapuches, la situación actual de los indígenas, su tradición de guerreros que no fueron vencidos por los españoles, su filosofía, el significado de las palabras, me hizo pensar que el proyecto "María de Salazar" se enriquecería registrando tu pensamiento.

Me impactó en particular el "contrasentido" de tomar la nacionalidad indígena, cuando en los países de Suramérica, en especial Argentina y Chile, donde ha habido tantas migraciones europeas, las personas toman las nacionalidades de sus abuelos y llevan con orgullo los pasaportes italianos, españoles, alemanes...Otros latinoamericanos han buscado por años cómo ingresar a Europa o Estados Unidos y quedarse allá para tener esas nacionalidades.

Parte uno: Jorge le pregunta a Piuke:

Jorge: Ricardo, has sido muy abierto a la participación y la transformación de tu obra en manos los demás. Un ejemplo de esto es el teatro, para lo cual abrías la participación del observador desprevenido. En esto has sido testimonio como artista, acuñaste la palabra "parateatro". ¿cuál fue el primer paso en esta secuencia de experiencias?

Piuke: Todo me ha sido dado, lo he buscado y ahí estaba esperándome. "Parateatro" es el devenir, tomado para despistar o sea para señalar otra pista a quienes siempre tienen la seguridad de manejar los supuestos...y el teatro era un supuesto demasiado manejado, en cambio el parateatro venía en mi ayuda y podía emplearlo “al lote” como quisiera y entregarle el lugar a otro u otra que quisiera manifestarse conmigo sin temor a represalias...de los dueños de los conceptos y acciones.

Escáner Cultural nº: 
163
Arte y Tecnología

02-02-01-op era4 [escaner cultural]

OP_ERA.  ©Rejane Cantoni and Daniela Kutschat. Photo © João Caldas

 

LAS EXPERIENCIAS CINEMÁTICAS Y LA IMAGEN EN MOVIMIENTO DIGITAL

Por Ricardo Rivera Berrío


El siguiente es el texto de la ponencia presentada por el colombiano Ricardo Rivera Berrío en el panel 
Transformative Cinema que tuvo lugar durante ISEA 2013 (International Symposium on Electronic Art, 
Sydney, Australia, junio 7 al 16 de 2013).

 

Este es un fragmento de OP_ERA, de las artistas brasileras Rejane Cantoni y Daniela Kutschat, una obra que ha venido evolucionando en su formato y ha sido presentada en diversos lugares del mundo. La pregunta que nos reúne en esta sala se puede evidenciar claramente allí: ¿es OP_ERA una nueva forma de cine? Cantoni, una de sus creadoras, afirma que es cine en 4 dimensiones y Jorge La Ferla en su libro Cine (y) Digital describe esta obra como “cine que apela a experiencias sensoriales que exceden la percepción audiovisual”. OP_ERA no es el único caso que nos plantea la pregunta. En su libro El lenguaje de los nuevos medios de comunicación, Lev Manovich habla de los CD-Rom interactivos, los videojuegos y las experiencias de net-art como nuevas formas de cine. La tendencia teórica pareciera ir en ese sentido. En Universidades alrededor del mundo se dictan seminarios que responden a los nombres de “El cine del futuro y los espacios inteligentes” o “Cinema interactivo” o, sin ir más lejos, “cinema transformativo”. Lo que nos interesa aquí es preguntarnos si el concepto de cine depende de su soporte y cómo la producción digital de la imagen en movimiento interviene la naturaleza misma del cine.

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Personajes

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SOMBRAS DEL SIGLO XX

Alvaro Oliva

Las guerras, ideologías, y en general, un conjunto de ideas de turno, siempre sesgan al ser humano y aflora lo peor de nosotros mismos, de acuerdo al período histórico, en el cual nos encontremos. En la actualidad, comportamientos como éstos son visibles en la violencia extrema del sur de chile o en países del medio oriente y aunque estamos lejos de las guerras mundiales que azotaron al mundo, durante el siglo XX, este germen desproporcionado sigue presente, en el digital humano de nuestros días.

Unos de los tantos receptores, de este estado dominante, fue Paul Tibbets, quien, durante la Segunda Guerra Mundial, fue el piloto del bombardero B-29 "Enola Gay", el avión que lanzó la bomba atómica sobre Hiroshima. Este oscuro período de la humanidad fue cerrado por este avión, que se transformó en un signo de violencia extrema, que no sólo fue patrimonio de Estado Unidos, sino que de todas las naciones que participaron en esa locura colectiva, que como mencionamos anteriormente, toma otras formas, en las nuevas generaciones de hoy.

Tibbets, nació el 23 de febrero de 1915, en Quincy, Illinois. Su padre, un comerciante de pastelería, educó a su hijo bajo una fuerte disciplina, mientras que su madre, más permisiva, deseaba que fuese un médico. Tras una infancia sin grandes problemas, se alistó en la Fuerza Aérea, como piloto de bombardero, en el año 1937.

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Invitado


Jorge Restrepo hace el montaje de su exposición de fotografías de los performances
el lunes 12 de junio de 2012 en horas de la tarde - Foto de Jonathan Manrique Nossa MIROKO

 

Crítica y creación: la cópula de los signos

...a propósito de una performance de Jorge Restrepo y Yecid Calderón

Por Carlos A. Lanza  

¿Quién canta en las orillas del papel?
Octavio, Paz

 

Entre el 12 y 13 de junio en Gerrero Espacio Galería, Bogotá, Colombia, se desarrolló la acción performática “Supremacía: el saber como poder”; los responsables del proyecto fueron el artista Jorge Restrepo y el crítico de arte Yecid Calderón, acompañados en la curaduría por Andrea Paasch. Introducir esta información como inicio del texto no es arbitraria, más bien obedece a la finalidad de ubicar la naturaleza de una obra performática que adquiere una dimensión particular por el tiempo en que fue realizada, aludiendo, de esta manera, a la noción de proceso, pero además por los actores que la llevaron a cabo, redefiniendo la acepción de “sujeto creador”.

Muchos han planteado si el arte contemporáneo tiene en su programa estético el interés por el cuestionamiento, valor hasta ahora atribuido a las vanguardias históricas; lo cierto es que desde el título de la obra, ya se construye uno de los paradigmas estéticos que caracterizó a las vanguardias, me refiero a la ironía. El título está sugiriendo algo en contradicción con el discurso performático, habla de la crítica de arte como un ejercicio subyugante, donde el argumento reflexivo asfixia al acto creador; en cambio, la acción performática apunta en dirección opuesta: termina por disolver los límites del pensamiento crítico y el acto creador; la razón crítica sede a la pasión, a la imaginación creadora.

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Desde Rusia

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"Beaubour" (se lee como bobur)

DE PINTURA A LAND ART

Yúfereva Marina


El artista Nicolay Polissky es una personalidad famosa en el mundo del arte en Rusia y en otros países. Desde los años 90 tienen lugar sus exposiciones personales. Y siempre están acompañadas con el éxito y el la resonancia social, porque nada parecido había existido en el arte ruso. Sus obras (sean las filas de monigotes de nieve, el acueducto de nieve el cual crea la sensación como si hubiera hecho de veras por los esclavos de Roma, la torre de televisión tejida de mimbre o el arco hecho de los troncos de madera) no son solamente la repetición de las formas clásicas arquitectónicas en el material natural.


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"Beaubour" (se lee como bobur)

Nicolay Polissky está creando sus trabajos en la pequeña aldea Nicola-Lenívets en la región de Kaluga, en la distancia de 200 km de Moscú (la capital de Rusia), en la orilla alta del río Ugrá. El mismo artista dice que antes él era solamente un pintor. Buscaba los lugares pintorescos para pintar y para que su familia pudiera descansar allí. De tal manera Nicolay Polissky encontró esta aldea.

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Al Documentar


 

MANCHA PALABRA SONIDO GESTO PENSAMIENTO
Jorge Restrepo en Santiago de Chile

 

Columna Al Documentar de Marcela Rosen
marcelarosen@gmail.com

 

 


Texto de Ricardo Castro Piukewerken leído en el segundo taller de manchas en el sofa.

Mancha, le llamaron al jefe de los chicos malos en una revista de ilustraciones, y vestía una especie de túnica negra confeccionada con genero de raso o algo así. Chamán es el medico, el sanador de la tribu. Al hacer un enroque de silabas, chamán, vuelve a ser mancha. Cha-man suena en lengüa argentina la palabra “llaman”. El chamán chama a una imagen mancha.

Mancha, La palabra y es el acto de manchar, de decir y es la escritura de la imagen. Mancha es una imagen de seis letras.

Don Quijote fue el primero en ostentar la mancha como segundo nombre, y no eran molinos; gigantes o carceleros los que creía ver, eran manchas que se le aparecían como en sueños al entrecerrar los ojos y que al descifrarlas en su cerebro, lo volvían loco.


El cielo manchado de negras nubes / Está a punto de explotar....


-¿Qué es aquesto Sancho?

-Manchas solares, mi señor...

-Borradlas mi querido Sancho.


La noche es una gran mancha luminosa. / Nupciales sabanas de blanco tálamo presentan coloridas manchas, simples al descifrar.


-¡Oye niño, eh tú niña! Deja de manchar las paredes, mira cómo? Estás dejando la puerta...

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Evolución de la belleza

 

Fragmento de mural de Diego Rivera en arco y puerta de Secretaria de Educación Pública - SEP. Ciudad de México, Foto: Ximena Jordán.

Arte Mural

Una alianza con la Arquitectura

 

 

Por: Ximena Jordánximejordan@gmail.com

 

De muros y murales

Pintura mural es aquella que se lleva a cabo sobre un muro o pared. Como técnica pictórica, la pintura mural ejecutada de manera íntegra y acabada, da origen a obras de arte que llamamos murales. Este tipo de pieza artística suelen ser compleja en colorido, procurando contar en su variedad cromática con colores que atraigan la vista del espectador. Asimismo, los murales poseen, en la mayoría de los casos, grandes dimensiones. Y es que solo podemos hablar de obras de arte mural cuando la extensión pictórica abarca la totalidad de la pared, o al menos gran parte de ella. Los murales pictóricos, de esta manera, se integran a las demás características estético-arquitectónicas de su soporte y dependen, en parte, de las dimensiones, ubicación y durabilidad del mismo.     

Los Prisioneros. Mural en Museo a Cielo Abierto de San Miguel. Santiago de Chile. Foto: Marco Gonzáles Valdéz, gentileza de Víctor Bravari.

        A diferencia del grafiti y del esténcil, la pintura mural, no solo expresa su contenido “por sí misma” a través de los motivos que representa, como lo hace toda pieza de arte visual. El mural extiende su artisticidad fuera de sus límites pictóricos; produciendo que el mismo inmueble donde se plasma se constituya en ente comunicador de los contenidos representados a través de sus imágenes. En otras palabras, la pintura mural, hace que el inmueble que le da soporte también “hable” a través de sus motivos. Mientras el grafiti y el esténcil no logran alterar la calidad arquitectónica de su soporte, el mural sí lo logra, proporcionándole al espacio arquitectónico donde se inserta una voz y una función complementaria a la que ya posee.

          Las temáticas de un mural pueden variar ampliamente entre lo religioso, lo meramente decorativo, lo político y lo educativo, entre otras muchas posibilidades, las que son elegidas dependiendo del propósito del artista y de la calidad pre-existente de la arquitectura que será soporte del mural. De esta manera, la creación de las obras pictóricas murales se decide en concordancia con el espacio arquitectónico donde el mural se inserta. Así, se logra armonizar la arquitectura con la obra de arte mural, logrando a través de esta pieza de arte, la creación de ambientes arquitectónicos que sean coherentes con la funcionalidad del inmueble.

         Así, por ejemplo, y debido a la relación con la arquitectura que busca conquistar el arte mural, un mural de tema religioso no se pinta, por lo general, en un espacio arquitectónico secular, pues inevitablemente ese espacio asumiría una atmósfera estética religiosa que no estaría en concordancia con su uso. En cambio, lo que sí se realiza, es crear murales en espacios arquitectónicos a los cuales se les quiere enfatizar su función con la ayuda del mural, logrando resultados indudablemente eficientes en torno a este propósito.

          Conocidas obras murales que ejemplifican esta relación entre arte y arquitectura son los murales de Diego Rivera pintados en la Secretaría de Educación Pública, creados justamente para educar a los observadores con respecto a los acontecimientos e ideales propios de la Revolución Mexicana, el Museo a Cielo Abierto de San Miguel, cuyas pinturas murales comunican al transeúnte los tópicos propios de dicho sector de la capital chilena, y las pinturas murales de la Cueva de Lacaux, que exponen escenas de casa en un sitio ceremonial ancestral en el cual, de acuerdo a la teoría más aceptada, se efectuaban rituales rogatorios para la prosperidad de la temporada de caza venidera.

Escáner Cultural nº: 
163
Little Chilean Thoughts

"Movimiento Suspendido", de Isabel Santibañez, 2013. Fotografía de Nebs Pereira.

Isabel Santibáñez, "Movimiento Suspendido", MAC, 2013.
Fotografía de Nebs Pereira.

 

La marcha social en “Movimiento suspendido”, de Isabel Santibáñez (2013)

 

por Carolina Benavente Morales
www.therealcarolin.cl

 

En “Movimiento suspendido”, exhibición abierta hasta el domingo 24 de noviembre de 2013 en el Museo de Arte Contemporáneo del Parque Forestal, Isabel Santibáñez nos entrega el resultado provisorio de una interesante investigación. La artista busca, en efecto, que el espectador participe de una obra que él mismo protagoniza, ya que en ella se tratan y retratan diferentes marchas sociales que han tenido lugar en Santiago en el último tiempo. Debido a la importancia que han adquirido, el arte chileno las está convirtiendo en una de sus instancias privilegiadas de elaboración, llegando incluso a titularse En marcha una reciente compilación de textos teóricos realizada por Carol Illanes (Santiago: Adrede, 2013). Dentro del corpus de obras relativas a este tópico, sin embargo, la propuesta de Isabel Santibáñez se destaca por articular un conjunto ampliado de problemáticas relevantes a la producción artística contemporánea; conjunto dentro del cual sobresale una complejización de la relación con el espectador que vuelve esta obra muy atractiva para el público asistente a la exhibición.

Es posible hablar, a lo menos, de dos grandes entradas al fenómeno de las marchas en la reciente producción artística chilena. Una de ellas, de carácter resueltamente contingente y activista, se suma a las marchas mediante diferentes obras con carácter de intervención objetual o performativa. En este vasto e inestable conjunto, es posible reagrupar todos los letreros, las consignas, las botargas, los cuerpos pintados, objetos alegóricos, comparsas, flashmobs, maratones, etc. que, desprendiéndose del mismo movimiento social, son de factura más bien anónima, colectiva y popular. Ello pese a que algunas de estas producciones sean el fruto de actores insertos en el campo artístico docto, especialmente por medio de las escuelas de artes visuales universitarias. Es el caso, por ejemplo, de la silla escolar gigante hecha en Santiago o del gran lienzo de “Valís one dollar” realizado en Valdivia el año 2011, entre muchos otros.

Escáner Cultural nº: 
163
Realizar la Acción

realizar… la acción
Mujer, performance y cine
(serie de 14 artículos)

Las tres variables que definen y limitan esta nueva serie de artículos tienen varias lecturas. Una, mujer: performance y cine. Otra, performance: mujer y cine. Otra, cine: mujer y performance.  El cine es el registro, entre otros como la fotografía, el video, el dvd, el libro de artista, de algún modo la poesía visual, o incluso el arte de participación o acción en la calle. Mi investigación empieza cuando hay una película, o una serie de películas, que muestran algo de la triada. La performance es el modo de la acción, es el modo en que se presenta, dejo fuera, no quiere decir menos importante (para el cine y para la mujer), el teatro, donde tiene como primacía  la palabra, el texto; y por otro lado la danza, donde tiene como primacía la coreografía y el escenario. Lo común en el teatro y la danza es el escenario, grandes nombres han intentado sacarlos del escenario a la calle, incluso podemos decir que hay festivales internaciones que tienen como nombre ‘el teatro a la calle’, pero podemos llegar a decir que teatro y escenario han nacido al mismo tiempo, que representan lo mismo. La performance es un modo de la acción más acá del texto y del escenario, cuando la acción contempla la palabra y el escenario deja de ser performance, es otra cosa: danza, teatro, circo, mimo, etc. La mujer es el objeto de esta serie, digo objeto porque no siempre es artista, quiere decir sujeto, es tomada como objeto para la performance y registrada por el cine. Pueden usar la escultura, la literatura, la música como su modo de realización, pero la condición sine ecuanom es que el cine la haya tomado como objeto. Veremos al final de la serie, ahora como artista, realizadora, toma la performance como su modo de acción (no digo como su modo de decir) y al cine como su registro, realiza el film de modo performático como hizo antes con la literatura o la escultura. 

Pienso que la pregunta que se mantiene relevante es si la performance es inherente a la mujer, a la condición femenina, como lo ha sido la palabra, en la historia de la cultura, para los hombres, o como la representación, el hombre está representado  (todo) por el  Phalo, y la mujer (el cuerpo) esta  + o – representada por el Phalo, que es lo mismo que decir no-toda representada. La condición toda o no-toda muestra un resto, algo que no ha pasado a la palabra, algo que no ha pasado a la imagen: la acción. La acción no es un resto de operaciones que se han realizado, la acción es algo que queda de operaciones  realizadas, o algo de las operaciones que no han podido realizarse.

O sea, estamos diciendo que la mujer, como construcción  está  constituida por operaciones no-todas realizadas, está en permanente realización, o mejor aún no se realiza totalmente. Así como el hombre está constituido por su nombre (en tanto propio) por su obra (en tanto realización propia) como padre (en tanto trasmisión), la mujer  debe revisar esto permanentemente,  no hay nombre que la nombre plenamente (hija, madre, señora, abuela, amante, etc.) no hay realización toda (Einstein), la madre es la encarnación de ese resto de operaciones no realizadas, que aunque insista no se realizan,  y si en algo se realizan se realizan como goce, la tendencia no es a la ley, en tanto normalización, la tendencia a un goce que insiste una y otra vez.

Esto lo veremos cada vez en las películas, las artistas donde muestran una parte en tanto realización normalizada, dentro de la norma, y como por otra parte esa resistencia a entrar en la norma las lleva a la realización de una obra singular, que no concluye en si misma, que siempre queda algo por hacer, el ejemplo más claro es  Camille Claudel entre su hermano el escritor Paul Claudel y su amante Rodin.  De allí nos permite pensar que grandes del arte como Leonardo, Bacon o Artaud en esta predisposición a una obra no-acabada no implica en algún modo una posición femenina ante la obra. Pero ello implicaría otro trabajo y otro tiempo.

Escáner Cultural nº: 
163
Signos Corrosivos

HERIBERTO YÉPEZ (SIC):                                                              

POESÍA ES LA CAPACIDAD HISTRIÓNICA DEL LENGUAJE

 [...] invento una lengua que debe brotar necesariamente

de una poética muy nueva.                      

 Mallarmé

El verso es la forma óptica del pensamiento.

Víctor Hugo, Prólogo a Cromwell (1827)

 

La esencia del poetizar es continuar el habla, el canto

y el cuento a expensas de la verdad.                          

Heriberto Yépez (H.Y.)

Desde México: César Horacio Espinosa V.
 

(((Pero este libro
pertenece
Al sufrimiento
del canto ido,
al gorgoritmo del canto roto.
El canto inmediato destruido, melifluo.
Este es el libro de lo post-poético))).

Heriberto Yépez, El libro de lo post-poético,2012

 

En mis dos colaboraciones anteriores (Escáner Cultural #158 y 159), dedicadas al editor y postpoeta –por mencionarlo de algún modo–Ulises Carrión, me permití hacer amplias citas a partir de uno de los editores y traductor del libro El nuevo arte de hacer libros, el escritor, poeta y crítico fronterizo (radica en la frontera de México con EE.UU.) Heriberto Yépez(Tijuana, 1974).

Heriberto Yépez (H.Y.)

Catedrático de la Universidad Autónoma de Baja California (UABC, Facultad de Artes), psicoterapeuta y estudioso de la filosofía,que cursó con el legendario Horst Matthai, un discípulo de Gaos –el único filósofo alemán formado en nuestro país–, H.Y. es uno de los más prolíficos jóvenes escritores de la actualidad. Entre los años 2000 a 2012 ha publicado más de una veintena de libros de distintos géneros. Se define a sí mismo como un escritor post-nacional.

Ha sido acreedor de más de una docena de distinciones. Entre las que se cuentan el Premio Nacional de Ensayo "Abigael Bojórquez" con Luna creciente. Contrapoéticas norteamericanas del siglo XX (2001); el Premio Nacional de Poesía Experimental “ Raúl Renán” con la obra El órgano de la risa (2007); el Premio Nacional de Ensayo “Carlos Echánove Trujillo” con El Imperio de la Neomemoria (2007) y el Premio Nacional Malcolm Lowry de Ensayo con su estudio (inédito) sobre Jerome Rothenberg en México (2009).

 

De modo habitual colabora en español y en inglés, además de dar lecturas en San Diego y Tijuana. Sustenta pláticas, talleres o conferencias en instituciones como la Universidad de Naropa, Universidad de California en Los Angeles (UCLA) y Berkeley, la Universidad de Arizona o Harvard University, entre otras. En el 2011 fue profesor visitante del programa de maestría en escritura de la Universidad de California en San Diego (UCSD).

Entre sus libros están: La increíble hazaña de ser mexicano, 2010;  Al otro lado, 2008; Contra la Tele-Visión, 2008; El órgano de la risa, 2008; El imperio de la Neomemoria, 2007; Sobre la impura esencia de la crítica, 2007; A.B.U.R.T.O., 2005; El matasellos (novela), 2004, por mencionar algunos. También están el libro visual bilingüe Here Is Tijuana / Aquí es Tijuana y su primer libro en inglés: Wars. Threesomes. Drafts. & Mothers.

Lástima que la mayoría de tales libros han sido editados en el noroeste de México (Tijuana), y por lo mismo son difícilmente conseguibles en el centro del país; y no se diga en los demás países de habla hispana e incluso del inglés.

Escáner Cultural nº: 
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Autorretrato recordando

Lucidez en el abismo: Perspectivas en torno a Mi Madre de Georges Bataille

Capítulo III

 

Por Ana Karina Lucero
altazor_2004@yahoo.es

(El Capítulo I se puede leer aquí)

(El Capítulo II se puede leer aquí)

 

Mi madre: Una Digresión

 

Siguiendo con las aseveraciones expresadas por Freud en “Tres en ensayos para una teoría sexual”, encontramos nuevos agentes que contribuyen a revitalizar nuestra lectura.

 

El giro argumentativo que acabamos de instalar tiene conexión con una profundización de la idea de perversión1 y a su vez, con la intratextualidad que existe entre la novela “Mi madre” y el estudio/ensayo titulado “El erotismo”.

 

En primer lugar, debemos señalar que la perversión no es un concepto psicoanalítico, sino más bien médico-legal que aparece como tal en la literatura jurídica y psiquiátrica a partir del código napoleónico2.

 

Posteriormente, el problema es recogido en el terreno de la psiquiatría, en el siglo pasado bajo la forma de “Delirios parciales”, “Monomanías”, “Hipergenitalidad”, “furor genital”, etc.; lo que implica un tránsito que va desde la víctima hacia el victimario, del castigo jurídico del delito y las consecuencias sobre el sujeto dañado, hacia el estudio médico del causante del daño penado por la ley.

 

La ley no puede englobar todo lo que constituye la vida sexual. Evidentemente, siempre habrá elementos que se le escapan. A pesar de esto, toda la vida sexual a lo largo de la historia humana es y ha sido regulada, a lo menos, por un cierto número de prohibiciones y tabúes donde los parámetros de lo lícito y lo ilícito son sumamente variables de una cultura a otra.

 

La propuesta freudiana trabaja fuertemente el problema de las perversiones; no con el afán de elaborar listados o catálogos, sino como un campo teórico-clínico a interpretar. En sus primeras obras aparecen vinculadas al abuso sexual, que en calidad de trauma erigía una etiología de las neurosis.


Escáner Cultural nº: 
162
Invitado

LA VANGUARDIA NI SE VE NI SE OYE”

Entrevista a Sebastián Bianchi

 

Augusto Munaro

 

El escritor y poeta avant-garde Sebastián Bianchi nació en Buenos Aires hace 47 años. Algunos de sus experimentos escriturarios, que oscilan entre una ingeniosa y siempre audaz cruza híbrida de géneros, son: Segunda Interpretación al Médano de Arena (1998), El trazado Luro-Matanza (2000), Atlético para discernir funciones (1999) y El resorte de novia y otros cuentos (2002). Manual Arandela, su último y esperado libro, cristaliza gran parte de sus inquietudes formales. Asimismo, este muestrario teórico de invención desfasado, revela una posible nueva cartografía para la literatura del mañana.
 

-Una parte considerable de su obra opera a partir del cruce entre artes visuales y medios masivos de comunicación.

-Hay un cuento que se llama “Dubuffet arrugó a Mondrian” donde el título apunta a lo que usted señala. Se trata de un faquir que se emborracha. Los medios masivos empiezan a aparecer en obritas de títeres, que a su vez requerían de ciertos artefactos mecánicos, de la escenografía movible para que circularan por dentro los rollos de papeles escritos entre bambalinas. Había pensado usar proyecciones y un powerpoint: cohetes y signos que aparecen y corren para la página blanca, algo que cae: el ojo se abre, el vuelo de un águila en cuatro momentos, donde parte del juego comunicacional consiste en imaginar el libro como un cuadernillo cosido.
 

-La cualidad “gestáltica”, de Poemas Inc. vertebra el libro. A lo que me refiero es que su estructura es, en sí misma, su verdadero contenido.

-La explicación clásica del significante, un punto de electricidad acelerando entre postes torcidos, por la montaña, templando como dicen el alambre. El molde tibio de la letra en el cerebro que busca la idea. Respeto por los vacíos, por los espacios en blanco, por esa ventralidad de peluche que tiene el silencio en la noche azulada. Es, en definitiva, la forma que tienen de aplanarse y quedar callados los signos mientras ocurre el fenómeno autodenominado “poema”. Aparecen unas zonas (incompletas) liberadas para las combinaciones. Buscaba desesperadamente que todo se moviera, buscaba tener la perilla del “clik!” en el renglón de una hoja del cuadernito soñador. A todo esto los signos trataban de arreglarse con poco. Pasaba que durante el armado, si uno ponía mal, el conjunto se acumulaba para segregar su antídoto contra la estabilidad del mensaje y el poema se me iba de las manos. En otros casos, como los sellos, el fenómeno autonominado ocurría de manera rudimentaria y constante. En los calados de la goma, por esa ranura vacía, quedaba el camino abierto para la tinta, el recorrido de un mapa invertido y de reclamo.

Escáner Cultural nº: 
162
EntreVistArtista (EVA)


“Dádiva”, imagen de Rosa Matilde Jiménez Cortés.
Estudio para proyecto EntreVistArtista (EVA) © 2009 – 2013


 

Uno no son todos”

 

ROSA MATILDE JIMÉNEZ CORTÉS
 

(Texto introductorio a El arte de la reflectancia: Una foto especular

por César Nicolás Rubio)

No tengo por costumbre desnudar o poner de manifiesto circunstancias en mi vida respecto al quehacer que desempeño o la forma lo he llevado a cabo pero, haré una excepción porque el caso lo amerita. Experiencias propias del oficio, en el pasado me formé una opinión que hoy, el gesto generoso de alguien me lleva a reconsiderar.

En 1996 expuse por primera vez mi obra al público, realizando hasta 6 exhibiciones al año. Trabajé incansable enfrentándome a una serie de retos, dificultades e impedimentos. El eterno problema de lo que es y no es en cuanto al ámbito cultural refiere y sus métodos de exclusión e inclusión en torno al artista. Algunos críticos de arte y galeristas, rechazaron varias de mis propuestas aduciendo falta de trayectoria y prestigio en mi haber, en vez de valorar mi arte y talento como primer paso. Estando así las cosas, desencantada del sistema y de quienes lo hacen e integran, aquella joven aguerrida que ninguna circunstancia parecía detener, poco a poco fue quedándose muy lejos de mi vida…

El panorama no es menos incierto ahora que antes, exceptuando algunas cuestiones. Cuando emprendí la Cruzada MaJiCor en el año 2007, enfrenté la dura realidad reflejada en mi mirada tras verme en el espejo, cuestionando qué era lo que yo quería y cómo obtenerlo sin empañarla. Finalmente, las acciones ajenas y el resultado de ellas, la manera en que funciona el mundo, sus esquemas y estructuras sociales no debe ser un parámetro en mis decisiones.

“Rosa Niña Guerrera” ofreció una manzana a la deriva y César Nicolás la recibió. Causalidad y efecto; el fruto ha sido cosechado. Cuando tú, el Otro, invitas a los demás a participar del tablero de juego dispuesto en la mesa de la vida, se propicia la energía creativa que “Entre Tú y Yo” habremos de dar al que esté abierto a recibirla.

(He expresado un pasaje en mi vida con el fin de reconocer mi error al suponer que "Uno son Todos").

Escáner Cultural nº: 
162

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