Escáner Cultural

REVISTA VIRTUAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO Y NUEVAS TENDENCIAS

ISSN 0719-4757
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ACCIÓN PÚBLICA, PÚBLICA


“Istruzione di Stiratura: La idea de planchar pone a temblar a cualquiera. Aunque es una de las tareas más ingratas, en cualquier momento nos surge la necesidad de tener que plancharnos alguna prenda. A partir de ahora y con estos sencillos pasos, el planchado se convertirá en algo que solo querrás hacer tú.”

 


La artista invita al público a llevar una prenda para ser planchada durante el transcurso de la inauguración de la 11BAM y Museos de Medianoche.
Acción pública, pública es una acción de arte performática, es un "acto de habla", una acción que busca dar voz al trabajo invisible. Participa de esta performance la edición de un juego de cartas cuyo mecanismo es el memorice, realizado con imágenes del trabajo de arte de la autora.
Todo lo anterior nos habla de un cambio de status de la labor del planchado y la constitución de la obra a través de una acción conocida por todos, elevada al rango de obra de arte, readymade de una labor doméstica.

Escáner Cultural nº: 
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Invitado

NOVELA: YO BIPOLAR

Capítulo I

Por Jesús I. Callejas

SOLO

Recupero el fragilizado párrafo: “Veinticinco años residiendo en el punto medio de una ciudad nauseabunda llamada Bajagracia.”, e intento relajarme mientras secuestro más café. La ventana en posición: lista. Querida Catábasis: ¿Nos autorizas a extraviar vidas ancestrales? Al final del piso, mujer joven a la que intento observar sin que se percate. Me place verla fluir hacia el elevador, dictaminando que no es ella, sino nuestro arrugado edificio el que retrocede; mucho place verla perderse en la brumosa gente rodeando jardines. Quizás, quien retrocede… pues el edificio siempre se transforma en humanoide. Malograda fábula... ¿Son o no lo mismo? Negro parteluz sobre rostro alargado con trazos de Modigliani no condenados a la guillotina, y ojos magistralmente dispersos. Cohesiva dosis nostálgica saviando de oliváceo ánimo facciones, pecho, brazos, cobijada en tejado inmejorable, piel, o sea, de suave persistencia. No hay ocasión en que no salude apocada, a lo que correspondo lacónico, anticipando la peligrosa llovizna emocional. Prudente no desinflar la burbuja. Las mujeres se han transformado para mí en fuente de sensación contemplativa, estética estática; las observo evitando recordarles rostros; mejor diluyéndolas en memoria abominable.

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Evolución de la Belleza

 

Detalle de mural “Del Porfirismo a la Revolución”. Artista David Alfaro Siqueiros. Mural en Museo Nacional de Historia Castillo de Chapultepec. Foto: Ximena Jordán.

 

EL MURALISMO MEXICANO

Arte, política y educación en un legado estético
 

Por Ximena Jordán

 

Muralismo en México: un movimiento, de arte.

Encontrándome en México, me es inevitable relacionar la pintura mural con el movimiento Muralista Mexicano, más conocido como muralismo. El Muralismo Mexicano nace en 1921, cuando en Europa continuaban su evolución movimientos artísticos post-vanguardistas.

       México fue el único país americano que no se quedó rezagado de este fenómeno europeo de la primera mitad del siglo XX: los movimientos de arte. Al igual que los países europeos, México también generó, durante estos años, alianzas artísticas que propusieran una nueva manera de hacer arte, un arte que indagara en temáticas y en necesidades que trascendían los límites de lo meramente artístico para abarcar también lo social, lo político, lo ético-moral e incluso lo económico. En el resto de nuestro continente americano sí se estaba gestando arte de eximia calidad y originalidad, no obstante sin adquirir, en esos entonces, la organización de “movimiento” que sí tuvo el Muralismo Mexicano. El desarrollo artístico de ese periodo en los demás países americanos no se constituyó en un movimiento de arte “propiamente tal” sino hasta desués de la II guerra mundial. México, en cambio, se manifiesta a la vanguardia del arte a nivel continental, gestando su propio movimiento de arte, el Muralismo Mexicano. Debido a su trascendencia nacional e internacional, este movimiento de arte se equipara en importancia e injerencia en la historia del arte del siglo XX con el Futurismo Italiano, el Constructivismo Ruso, el Expresionismo Alemán y con los demás movimientos artísticos europeos que le fueron contemporáneos.
 

“Fraternidad”. Fragmento de serie de murales del artista Diego Rivera en la Secretaría de Educación Pública, SEP. Foto: Ximena Jordán.

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Invitado

Tropixel

TROPIXEL 2013

Entre los días 21 y 25 de noviembre se realizó en Ubatuba (Sāo Paulo – Brasil) el festival Tropixel. El evento reunió a un grupo de personas con intereses comunes, para desarrollar experiencias que de distintas maneras envuelven arte, ciencia, tecnología y sociedad. Un grupo de creadores que se reunieron para exponer, discutir y compartir ideas, pensamientos, projectos y experiencias. Ubatuba fue testigo de la materialización de buenas ideas, de imaginaciones inquietas y de inspiradoras actividades.

jantar

Puedo imaginar esta experiencia como un punto de convergencia entre dos mundos, uno que agrupa a una comunidad en torno del arte, la ciencia y la tecnología y otro mundo tradicional y local de la ciudad de Ubatuba, con sus habitantes, su clima, su naturaleza y geografía.

Hubo experiencias y situaciones notables, no tuve la oportunidad de participar de todas, sin embargo creo que en las que participé se puede rescatar el espíritu que de algún modo envolvió el festival. Esto tanto en el mundo de Tropixel, como en el mundo “Ubatubil”, pero especialmente en la citada convergencia entre estos mundos.

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Realizar ...la Acción

 

realizar… la acción
Mujer, performance y cine
(serie de 14 artículos)

Alberto Caballero

Las tres variables que definen y limitan esta nueva serie de artículos tienen varias lecturas. Una, mujer: performance y cine. Otra, performance: mujer y cine. Otra, cine: mujer y performance.  El cine es el registro, entre otros como la fotografía, el video, el dvd, el libro de artista, de algún modo la poesía visual, o incluso el arte de participación o acción en la calle. Mi investigación empieza cuando hay una película, o una serie de películas, que muestran algo de la triada. La performance es el modo de la acción, es el modo en que se presenta, dejo fuera, no quiere decir menos importante (para el cine y para la mujer), el teatro, donde tiene como primacía  la palabra, el texto; y por otro lado la danza, donde tiene como primacía la coreografía y el escenario. Lo común en el teatro y la danza es el escenario, grandes nombres han intentado sacarlos del escenario a la calle, incluso podemos decir que hay festivales internaciones que tienen como nombre ‘el teatro a la calle’, pero podemos llegar a decir que teatro y escenario han nacido al mismo tiempo, que representan lo mismo. La performance es un modo de la acción más acá del texto y del escenario, cuando la acción contempla la palabra y el escenario deja de ser performance, es otra cosa: danza, teatro, circo, mimo, etc. La mujer es el objeto de esta serie, digo objeto porque no siempre es artista, quiere decir sujeto, es tomada como objeto para la performance y registrada por el cine. Pueden usar la escultura, la literatura, la música como su modo de realización, pero la condición sine ecuanom es que el cine la haya tomado como objeto. Veremos al final de la serie, ahora como artista, realizadora, toma la performance como su modo de acción (no digo como su modo de decir) y al cine como su registro, realiza el film de modo performático como hizo antes con la literatura o la escultura.

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Así en la Tierra

MÁS ALLÁ DEL SENTIDO DE LUGAR.

GEOSEMÁNTICA SOCIAL, CIENCIA DEL TERRITORIO

Por Diego Cerda Seguel

Noviembre de 2013

diego.cerda.s@gmail.com

 

 

RESUMEN

 

Este trabajo completa una especie de trilogía de la geosemántica social, iniciada hace nueve años con "El Mundo según Google: Google Earth, la creación del dispositivo Geosemántico global" (2005), y luego "Tierra, Sentido y Territorio: La Ecuación Geosemántica" (2008). Luego de más investigación, desarrollo y modelación conceptual se ha llegado a concluir con una teoría que abarca más acá de la internet, en la tradición milenaria del 'espíritu de lugar', y atraviesa los recursos digitales para devolvernos al territorio tal como se vive en lo pedestre. Una vez que se entregan los elementos para comprender la geosemántica sin referencia al mundo digital, volvemos al mundo digital para demostrar que dentro de estos entornos surgen herramientas para identificar y valorar los lugares en su potencial territorial dado por quienes habitan, transitan, visitan los lugares y llegan a conocerlos con algo más que la intelección, añadiéndole los componentes emocionales y filiativos que convierten a los territorios en terruños amados (o evitados), por los cuales las comunidades están dispuestas a todo para defender sus territorios frente a las embestidas de la planificación de infraestructuras y procesos industriales destructivos. Más allá del sentido de lugar está el poder territorial, poder local comunitario, potenciado por herramientas digitales inusitadas para defender el valor local y la identidad entre las personas con los lugares.

 

 

TIERRA + SENTIDO = TERRITORIO

 

Esta es la ecuación geosemántica propuesta en 2008 como forma de definir el territorio. A partir de esta ecuación la geosemántica social se plantea como la disciplina capaz de encarar de forma multidisciplinaria el estudio de los territorios a partir del principio de igualdad establecido en esta ecuación.

 

Con la publicación de “Tierra, Sentido y Territorio. La Ecuación Geosemántica” en 2008 en esta misma revista, se postuló esta ecuación como declaración de principio para una ciencia del territorio. Mediante la aplicación de esta ecuación, el territorio deja de ser un monopolio de geógrafos, planificadores y administradores públicos o privados y se transforma en patrimonio común de quienes dan sentido a los lugares donde viven, donde nacen, crecen, trabajan, vacacionan, estudian, transitan.

 

Esta ecuación-principio hace del territorio una construcción común de los habitantes, los interesados, los tomadores de decisiones, los accionistas, todos tienen algo que decir sobre los espacios geográficos, rurales o urbanos que son objeto de sus vidas e intereses. Entre todos ellos componen de manera más o menos consensuada, más o menos conflictiva el sentido de los lugares que dan el sustento material y espiritual a la definición del territorio.

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Invitado

 

 

 

POR QUÉ LEER A DANIÍL KHARMS
 

Editor de la colección Satura Traducciones: Tomas Browne Cruz , hace la poregunta al traductor.

Respuesta del traductor Simón Tertychniy
 

El editor del libro que en este instante usted sostiene en sus manos me preguntó por qué uno debe leer a Kharms. Por días no podía idear una respuesta definitiva. Por días deambulé pensando en las respuestas posibles. Verdaderamente, ¿por qué leer a Kharms? ¿Qué ofrece al lector, con qué lo atrae, cómo lo atrapa? Después de darle muchas vueltas al asunto, llegué a ciertas conclusiones. Una de ellas es que los textos de Kharms, de los cuales la presente traducción es una ínfima muestra, son divertidos, vibran con humor caracterizado por la crueldad e anampatía. La risa nos permite evadir el indudable horror de los hechos. A la vez, es una hilaridad incómoda provocada por un choque repentino de lo conocido y posible con lo profundamente raro, ajeno e impensable. En general, la colisión es un tema recurrente. De esa manera, se encuentran personajes cotidianos y literarios, la abstracción y lo concreto, registro formal con groserías, lo ridículo con lo trágico, lo rutinario con lo excepcional. Se podría denominar este estilo como el realismo absurdo. Además, leyendo los textos sentimos que el autor percibe la palabra como un acto mágico, un acto que invoca poderes ocultos y que produce un efecto particular sobre la realidad (véase Sucesos no. 15, 17 o 21). Confiando que el autor mismo cree que las palabras pueden afectar al mundo directamente, consideremos el efecto que nos causa la lectura de los cuentos de Kharms, esa mezcla de duda y curiosidad que uno siente dando vuelta la página. He aquí mi segunda conclusión: aparte de lo literal, lo explícito de los ‘sucesos’ propiamente tal, se siente una sugerente presencia constante de otro corazón que late justo detrás de las palabras, de otro significado místico y profundo. Los cuentos están estructurados como unos pequeños mecanismos armados con el fin de ser causas de una reconsideración completa del mundo convencional. Los escritos de Kharms nos hacen dudar de lo que, sin duda, es. Y en ese contexto, nuestra risa nerviosa es una afirmación de que lo que ocurre en el cuento forma parte de lo normal, porque en el caso contrario provocaría angustia aguda. Es lo único que podemos hacer frente al absurdo, lo que por definición no tiene sentido, que nos resiste y que en consecuencia debe provocar el temor razonable de que todo lo que vemos, escuchamos o hacemos lo entendemos mal, de una manera incorrecta. Por lo contrario, si presumimos que lo hemos entendido bien, es la realidad que esta fracturada y que desafía a la comprensión. Es la potencial ausencia de sentido que tanto descompone al lector. La individualidad con su característico intento de relacionar todo con la experiencia propia entra en un conflicto con la realidad del cuento. Reiteradamente, lo que ocurre en los textos de Kharms nos descoloca, nos hace vacilar, nos deposita a las puertas de nuestros edificios con ojos libres de las rejillas de todo patrón dejado por lo antepasado, por lo que habíamos creído entender. La lectura nos deja en la puerta, a la espera de que ocurra algo que no podemos esperar. Esta apertura a lo inexplicado y lo inexplicable me parece una razón válida para leer y releer Kharms.

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Invitado


De izquierda a derecha: Jorge Restrepo, Piukewerken Ricardo Castro Guerra e Ignacio Piderit. ¡Cuando íbamos a tomarnos la foto para la entrevista, se acercó Ignacio y posó con nosotros! Foto de Marcela Rosen.

 

PIUKEWERKEN SER MAPUCHE

(piuke: corazón werken: mensajero en mapuchezungun)

...un diálogo de Piukewerken Ricardo Castro Guerra y Jorge Restrepo

en el marco del proyecto "María de Salazar"

 

Al dialogar con Ricardo durante la visita que hice a Santiago en 2013 me sentí especialmente atraído por su decisión de vida: nacionalizarse mapuche. Cada frase que escuché de tu parte sobre los mapuches, la situación actual de los indígenas, su tradición de guerreros que no fueron vencidos por los españoles, su filosofía, el significado de las palabras, me hizo pensar que el proyecto "María de Salazar" se enriquecería registrando tu pensamiento.

Me impactó en particular el "contrasentido" de tomar la nacionalidad indígena, cuando en los países de Suramérica, en especial Argentina y Chile, donde ha habido tantas migraciones europeas, las personas toman las nacionalidades de sus abuelos y llevan con orgullo los pasaportes italianos, españoles, alemanes...Otros latinoamericanos han buscado por años cómo ingresar a Europa o Estados Unidos y quedarse allá para tener esas nacionalidades.

Parte uno: Jorge le pregunta a Piuke:

Jorge: Ricardo, has sido muy abierto a la participación y la transformación de tu obra en manos los demás. Un ejemplo de esto es el teatro, para lo cual abrías la participación del observador desprevenido. En esto has sido testimonio como artista, acuñaste la palabra "parateatro". ¿cuál fue el primer paso en esta secuencia de experiencias?

Piuke: Todo me ha sido dado, lo he buscado y ahí estaba esperándome. "Parateatro" es el devenir, tomado para despistar o sea para señalar otra pista a quienes siempre tienen la seguridad de manejar los supuestos...y el teatro era un supuesto demasiado manejado, en cambio el parateatro venía en mi ayuda y podía emplearlo “al lote” como quisiera y entregarle el lugar a otro u otra que quisiera manifestarse conmigo sin temor a represalias...de los dueños de los conceptos y acciones.

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Arte y Tecnología

02-02-01-op era4 [escaner cultural]

OP_ERA.  ©Rejane Cantoni and Daniela Kutschat. Photo © João Caldas

 

LAS EXPERIENCIAS CINEMÁTICAS Y LA IMAGEN EN MOVIMIENTO DIGITAL

Por Ricardo Rivera Berrío


El siguiente es el texto de la ponencia presentada por el colombiano Ricardo Rivera Berrío en el panel 
Transformative Cinema que tuvo lugar durante ISEA 2013 (International Symposium on Electronic Art, 
Sydney, Australia, junio 7 al 16 de 2013).

 

Este es un fragmento de OP_ERA, de las artistas brasileras Rejane Cantoni y Daniela Kutschat, una obra que ha venido evolucionando en su formato y ha sido presentada en diversos lugares del mundo. La pregunta que nos reúne en esta sala se puede evidenciar claramente allí: ¿es OP_ERA una nueva forma de cine? Cantoni, una de sus creadoras, afirma que es cine en 4 dimensiones y Jorge La Ferla en su libro Cine (y) Digital describe esta obra como “cine que apela a experiencias sensoriales que exceden la percepción audiovisual”. OP_ERA no es el único caso que nos plantea la pregunta. En su libro El lenguaje de los nuevos medios de comunicación, Lev Manovich habla de los CD-Rom interactivos, los videojuegos y las experiencias de net-art como nuevas formas de cine. La tendencia teórica pareciera ir en ese sentido. En Universidades alrededor del mundo se dictan seminarios que responden a los nombres de “El cine del futuro y los espacios inteligentes” o “Cinema interactivo” o, sin ir más lejos, “cinema transformativo”. Lo que nos interesa aquí es preguntarnos si el concepto de cine depende de su soporte y cómo la producción digital de la imagen en movimiento interviene la naturaleza misma del cine.

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Personajes

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SOMBRAS DEL SIGLO XX

Alvaro Oliva

Las guerras, ideologías, y en general, un conjunto de ideas de turno, siempre sesgan al ser humano y aflora lo peor de nosotros mismos, de acuerdo al período histórico, en el cual nos encontremos. En la actualidad, comportamientos como éstos son visibles en la violencia extrema del sur de chile o en países del medio oriente y aunque estamos lejos de las guerras mundiales que azotaron al mundo, durante el siglo XX, este germen desproporcionado sigue presente, en el digital humano de nuestros días.

Unos de los tantos receptores, de este estado dominante, fue Paul Tibbets, quien, durante la Segunda Guerra Mundial, fue el piloto del bombardero B-29 "Enola Gay", el avión que lanzó la bomba atómica sobre Hiroshima. Este oscuro período de la humanidad fue cerrado por este avión, que se transformó en un signo de violencia extrema, que no sólo fue patrimonio de Estado Unidos, sino que de todas las naciones que participaron en esa locura colectiva, que como mencionamos anteriormente, toma otras formas, en las nuevas generaciones de hoy.

Tibbets, nació el 23 de febrero de 1915, en Quincy, Illinois. Su padre, un comerciante de pastelería, educó a su hijo bajo una fuerte disciplina, mientras que su madre, más permisiva, deseaba que fuese un médico. Tras una infancia sin grandes problemas, se alistó en la Fuerza Aérea, como piloto de bombardero, en el año 1937.

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Invitado


Jorge Restrepo hace el montaje de su exposición de fotografías de los performances
el lunes 12 de junio de 2012 en horas de la tarde - Foto de Jonathan Manrique Nossa MIROKO

 

Crítica y creación: la cópula de los signos

...a propósito de una performance de Jorge Restrepo y Yecid Calderón

Por Carlos A. Lanza  

¿Quién canta en las orillas del papel?
Octavio, Paz

 

Entre el 12 y 13 de junio en Gerrero Espacio Galería, Bogotá, Colombia, se desarrolló la acción performática “Supremacía: el saber como poder”; los responsables del proyecto fueron el artista Jorge Restrepo y el crítico de arte Yecid Calderón, acompañados en la curaduría por Andrea Paasch. Introducir esta información como inicio del texto no es arbitraria, más bien obedece a la finalidad de ubicar la naturaleza de una obra performática que adquiere una dimensión particular por el tiempo en que fue realizada, aludiendo, de esta manera, a la noción de proceso, pero además por los actores que la llevaron a cabo, redefiniendo la acepción de “sujeto creador”.

Muchos han planteado si el arte contemporáneo tiene en su programa estético el interés por el cuestionamiento, valor hasta ahora atribuido a las vanguardias históricas; lo cierto es que desde el título de la obra, ya se construye uno de los paradigmas estéticos que caracterizó a las vanguardias, me refiero a la ironía. El título está sugiriendo algo en contradicción con el discurso performático, habla de la crítica de arte como un ejercicio subyugante, donde el argumento reflexivo asfixia al acto creador; en cambio, la acción performática apunta en dirección opuesta: termina por disolver los límites del pensamiento crítico y el acto creador; la razón crítica sede a la pasión, a la imaginación creadora.

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Desde Rusia

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"Beaubour" (se lee como bobur)

DE PINTURA A LAND ART

Yúfereva Marina


El artista Nicolay Polissky es una personalidad famosa en el mundo del arte en Rusia y en otros países. Desde los años 90 tienen lugar sus exposiciones personales. Y siempre están acompañadas con el éxito y el la resonancia social, porque nada parecido había existido en el arte ruso. Sus obras (sean las filas de monigotes de nieve, el acueducto de nieve el cual crea la sensación como si hubiera hecho de veras por los esclavos de Roma, la torre de televisión tejida de mimbre o el arco hecho de los troncos de madera) no son solamente la repetición de las formas clásicas arquitectónicas en el material natural.


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"Beaubour" (se lee como bobur)

Nicolay Polissky está creando sus trabajos en la pequeña aldea Nicola-Lenívets en la región de Kaluga, en la distancia de 200 km de Moscú (la capital de Rusia), en la orilla alta del río Ugrá. El mismo artista dice que antes él era solamente un pintor. Buscaba los lugares pintorescos para pintar y para que su familia pudiera descansar allí. De tal manera Nicolay Polissky encontró esta aldea.

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Al Documentar


 

MANCHA PALABRA SONIDO GESTO PENSAMIENTO
Jorge Restrepo en Santiago de Chile

 

Columna Al Documentar de Marcela Rosen
marcelarosen@gmail.com

 

 


Texto de Ricardo Castro Piukewerken leído en el segundo taller de manchas en el sofa.

Mancha, le llamaron al jefe de los chicos malos en una revista de ilustraciones, y vestía una especie de túnica negra confeccionada con genero de raso o algo así. Chamán es el medico, el sanador de la tribu. Al hacer un enroque de silabas, chamán, vuelve a ser mancha. Cha-man suena en lengüa argentina la palabra “llaman”. El chamán chama a una imagen mancha.

Mancha, La palabra y es el acto de manchar, de decir y es la escritura de la imagen. Mancha es una imagen de seis letras.

Don Quijote fue el primero en ostentar la mancha como segundo nombre, y no eran molinos; gigantes o carceleros los que creía ver, eran manchas que se le aparecían como en sueños al entrecerrar los ojos y que al descifrarlas en su cerebro, lo volvían loco.


El cielo manchado de negras nubes / Está a punto de explotar....


-¿Qué es aquesto Sancho?

-Manchas solares, mi señor...

-Borradlas mi querido Sancho.


La noche es una gran mancha luminosa. / Nupciales sabanas de blanco tálamo presentan coloridas manchas, simples al descifrar.


-¡Oye niño, eh tú niña! Deja de manchar las paredes, mira cómo? Estás dejando la puerta...

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Evolución de la belleza

 

Fragmento de mural de Diego Rivera en arco y puerta de Secretaria de Educación Pública - SEP. Ciudad de México, Foto: Ximena Jordán.

Arte Mural

Una alianza con la Arquitectura

 

 

Por: Ximena Jordánximejordan@gmail.com

 

De muros y murales

Pintura mural es aquella que se lleva a cabo sobre un muro o pared. Como técnica pictórica, la pintura mural ejecutada de manera íntegra y acabada, da origen a obras de arte que llamamos murales. Este tipo de pieza artística suelen ser compleja en colorido, procurando contar en su variedad cromática con colores que atraigan la vista del espectador. Asimismo, los murales poseen, en la mayoría de los casos, grandes dimensiones. Y es que solo podemos hablar de obras de arte mural cuando la extensión pictórica abarca la totalidad de la pared, o al menos gran parte de ella. Los murales pictóricos, de esta manera, se integran a las demás características estético-arquitectónicas de su soporte y dependen, en parte, de las dimensiones, ubicación y durabilidad del mismo.     

Los Prisioneros. Mural en Museo a Cielo Abierto de San Miguel. Santiago de Chile. Foto: Marco Gonzáles Valdéz, gentileza de Víctor Bravari.

        A diferencia del grafiti y del esténcil, la pintura mural, no solo expresa su contenido “por sí misma” a través de los motivos que representa, como lo hace toda pieza de arte visual. El mural extiende su artisticidad fuera de sus límites pictóricos; produciendo que el mismo inmueble donde se plasma se constituya en ente comunicador de los contenidos representados a través de sus imágenes. En otras palabras, la pintura mural, hace que el inmueble que le da soporte también “hable” a través de sus motivos. Mientras el grafiti y el esténcil no logran alterar la calidad arquitectónica de su soporte, el mural sí lo logra, proporcionándole al espacio arquitectónico donde se inserta una voz y una función complementaria a la que ya posee.

          Las temáticas de un mural pueden variar ampliamente entre lo religioso, lo meramente decorativo, lo político y lo educativo, entre otras muchas posibilidades, las que son elegidas dependiendo del propósito del artista y de la calidad pre-existente de la arquitectura que será soporte del mural. De esta manera, la creación de las obras pictóricas murales se decide en concordancia con el espacio arquitectónico donde el mural se inserta. Así, se logra armonizar la arquitectura con la obra de arte mural, logrando a través de esta pieza de arte, la creación de ambientes arquitectónicos que sean coherentes con la funcionalidad del inmueble.

         Así, por ejemplo, y debido a la relación con la arquitectura que busca conquistar el arte mural, un mural de tema religioso no se pinta, por lo general, en un espacio arquitectónico secular, pues inevitablemente ese espacio asumiría una atmósfera estética religiosa que no estaría en concordancia con su uso. En cambio, lo que sí se realiza, es crear murales en espacios arquitectónicos a los cuales se les quiere enfatizar su función con la ayuda del mural, logrando resultados indudablemente eficientes en torno a este propósito.

          Conocidas obras murales que ejemplifican esta relación entre arte y arquitectura son los murales de Diego Rivera pintados en la Secretaría de Educación Pública, creados justamente para educar a los observadores con respecto a los acontecimientos e ideales propios de la Revolución Mexicana, el Museo a Cielo Abierto de San Miguel, cuyas pinturas murales comunican al transeúnte los tópicos propios de dicho sector de la capital chilena, y las pinturas murales de la Cueva de Lacaux, que exponen escenas de casa en un sitio ceremonial ancestral en el cual, de acuerdo a la teoría más aceptada, se efectuaban rituales rogatorios para la prosperidad de la temporada de caza venidera.

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Little Chilean Thoughts

"Movimiento Suspendido", de Isabel Santibañez, 2013. Fotografía de Nebs Pereira.

Isabel Santibáñez, "Movimiento Suspendido", MAC, 2013.
Fotografía de Nebs Pereira.

 

La marcha social en “Movimiento suspendido”, de Isabel Santibáñez (2013)

 

por Carolina Benavente Morales
www.therealcarolin.cl

 

En “Movimiento suspendido”, exhibición abierta hasta el domingo 24 de noviembre de 2013 en el Museo de Arte Contemporáneo del Parque Forestal, Isabel Santibáñez nos entrega el resultado provisorio de una interesante investigación. La artista busca, en efecto, que el espectador participe de una obra que él mismo protagoniza, ya que en ella se tratan y retratan diferentes marchas sociales que han tenido lugar en Santiago en el último tiempo. Debido a la importancia que han adquirido, el arte chileno las está convirtiendo en una de sus instancias privilegiadas de elaboración, llegando incluso a titularse En marcha una reciente compilación de textos teóricos realizada por Carol Illanes (Santiago: Adrede, 2013). Dentro del corpus de obras relativas a este tópico, sin embargo, la propuesta de Isabel Santibáñez se destaca por articular un conjunto ampliado de problemáticas relevantes a la producción artística contemporánea; conjunto dentro del cual sobresale una complejización de la relación con el espectador que vuelve esta obra muy atractiva para el público asistente a la exhibición.

Es posible hablar, a lo menos, de dos grandes entradas al fenómeno de las marchas en la reciente producción artística chilena. Una de ellas, de carácter resueltamente contingente y activista, se suma a las marchas mediante diferentes obras con carácter de intervención objetual o performativa. En este vasto e inestable conjunto, es posible reagrupar todos los letreros, las consignas, las botargas, los cuerpos pintados, objetos alegóricos, comparsas, flashmobs, maratones, etc. que, desprendiéndose del mismo movimiento social, son de factura más bien anónima, colectiva y popular. Ello pese a que algunas de estas producciones sean el fruto de actores insertos en el campo artístico docto, especialmente por medio de las escuelas de artes visuales universitarias. Es el caso, por ejemplo, de la silla escolar gigante hecha en Santiago o del gran lienzo de “Valís one dollar” realizado en Valdivia el año 2011, entre muchos otros.

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