Mar, 08/04/2009 - 02:55 | 
Imagen: Pina Bausch, “Nelken”
TRANSMUTANDO 2[1]: EN PRÁCTICA
Bitácora de un laboratorio sobre transversalidad
Valeria Radrigán
Durante el primer semestre de 2009,he tenido la oportunidad de diseñar e implementar un curso- laboratorio sobre transversalidad artística.[2]Con el antecedente inmediato de mi investigación en el MTPAC 07[3], consideraba fundamental la posibilidad de llevar a la práctica un problema que, desde la teoría, planteaba preguntas interesantes en relación a los procesos creativos en el arte contemporáneo.
Dicha instancia práctica puso en jaque una serie de elementos planteados en mi investigación teórica, además de traer nuevas interrogantes y desafíos en relación a la experiencia pedagógica de esta materia. Es importante decir que en Chile, muchas de las instancias de investigación artística funcionan en el marco de la academia; vale decir, la institución “enseñanza artística” genera, varias veces, en el contexto propio de una “asignatura”, espacios que se prestan a la investigación sin ser necesariamente ese el objetivo propio y primero de estos cursos. En otras palabras, uno como artista- profesor conjuga ambas actividades, exploración artística y enseñanza en una misma ocasión.
Me parece fundamental recalcar este aspecto en el sentido de que si bien el espacio que tuvo este laboratorio presentó una maravillosa oportunidad de libertad y experimentación creativa, el cariz propio de un curso- dentro- de- una- academia deja determinados sellos imborrables; como la misma relación profesor- alumno (vs. una noción más abierta de “artistas participantes”), la evaluación o la nota (y la consiguiente preocupación del alumno por el rendimiento- resultado vs. la inquietud propia por la experimentación creativa), el poco tiempo destinado al trabajo (1 hr 30 minutos semanales de “clase”), etc.
En relación a esto, entonces, paso a compartir algunos de los problemas y aciertos de este laboratorio.
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Las mil y una historias,
los mil y un poemas
de John M. Bennett
Andabruma Triste
“triste” ,denso y comp acto in
seguido nato en el por tal de
sangre inseguinte viste esto ?el
pac to imbuído tanto por el
mort al de lengua inconsciente y
tambolada tamborada pistas ilesas
y la manta impulida ,dado lo del
cortado ,ingénuo inmisciente y la
ambulante arboleda ,las islas mix
tas ,plan tas co midas ,el “lado” im
portado como la andabruma
J.M. Bennett
Desde México: César Horacio Espinosa V.
Hiperprolífico. Irremediable “hombre orquesta”; es un decir, porque desde un principio ha destacado por su sapiencia y dominio del oficio. ¿Cómo se llama el personaje?... John M. Bennett.
Desde 1974, Luna Bisonte Prods -la editorial que John creó- ha publicado una amplia variedad de trabajos literarios experimentales, de vanguardia, de audio y visuales en una vasta variedad de formatos provenientes de artistas de todo el mundo. Entre los autores y artistas se encuentran figuras reconocidas y noveles tales como Ivan Argüelles, Sheila E. Murphy, Jim Leftwich, Andrew Topel, Carlos M. Luis, Scott Helmes, Jake Berry, Susan Smith Nash, Al Ackerman, Bob Heman, Richard Kostelanetz, Charles Henri Ford, Dick Higgins, Robin Crozier y muchos otros.
Mool
toomb
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sees
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El conjunto se encuentra compilado en grandes bibliotecas e instituciones, incluyendo el Museo de Arte Modern (MOMA), el Archivo Sackner, la Universidad de Princeton, la SUNY de Buffalo, la Universidad de Wisconsin, la Universidad Brown, la Biblioteca de Nueva York, la Universidad de Washington, la de Ohio y la estatal, y muchas otras instituciones.
A través de "Luna Bisonte Prods" (incluidos los más de 30 años de la revista Lost & Found Times), junto con la producción y distribución de su propio trabajo Bennett ha publicado miles de textos poéticos de edición limitada por parte de escritores que cultivan la poesía visual y otras formas experimentales de ficción / arte / poesía.
Aghm
uh taper floadt cros ehn
toomba maet me cor nair
nadir dunk el pane nu
me no lashole .esta draenke
,foambo crink crink etten
gnees .wut floaten ere
Nacido en Chicago, recibió su BA y MA de la Universidad de Washington y su Doctorado from UCLA in 1970.de la UCLA en 1970; He taught Hispanic literature from 1969 to 1976 at Ohio State University.impartió clases de literatura hispánica en la Universidad Estatal de Ohio.
Ha escrito más de 200 libros, poemarios y grabaciones sonoras, que incluyen: Found Objects (poemas collage, 1973), Works (1973), e Image Standards (1975). Ha colaborado en numerosas antologías, como The Sensuous President, editada por C. W. Truesdale; ha realizado numerosas exposiciones de sus trabajos y participado en un sinnúmero de muestras colectivas.
POSTDATA - PRODUCTOS GRÁFICOS MEDIOS IMPRESOS Y ELECTRÓNICOS EN ARTE POR CORRESPONDENCIA - PARTE VII
POSTDATA
PROYECTO Y MUESTRA INTERNACIONAL DE MAIL ART & NET ART
CENTRO DE ARTES – UNIVERSIDAD EAFIT
MEDELLÍN – COLOMBIA
23 DE OCTUBRE A 21 DE NOVIEMBRE DE 2008
PARTE VII
PRODUCTOS GRÁFICOS: MEDIOS IMPRESOS Y ELECTRÓNICOS EN ARTE POR CORRESPONDENCIA
Productos editoriales: libros e impresos editoriales.
Productos paraeditoriales: ediciones impresas periódicas.
Real Correspondence - Infográfico por Vittore Baroni - Italia
Por Tulio Restrepo Echeverri
e-mail: tulio.restrepo@une.net.co
En Arte Postal, el intercambio de correspondencia reúne diversos productos gráficos manifestados en una gran variedad de formas, funcionalidades y contenidos comunicados actualmente a través de medios impresos y electrónicos.
Reseñaremos algunas obras enviadas a Postdata como evidencia de la anterior premisa citando el discurso que propone Daniel Tena Parera, profesor titular de Comunicación Audiovisual y Publicidad de la Universidad Autónoma de Barcelona, en su texto, Diseño Gráfico y Comunicación [1]; quién se pregunta; "¿Qué es un producto gráfico?. Un producto gráfico es el objeto físico que se obtiene de los procesos de producción gráfica en diferentes soportes con una finalidad expresiva y comunicativa"[2]
En cuestión, se vale del recurso de la entipología, como parte de la tecnología gráfica, ciencia que estudia y clasifica sistemáticamente estas obras desde diversas perspectivas: histórica, técnica, funcional y estética. Lo histórico, estudia la evolución en el tiempo del producto gráfico en contextos y épocas particulares; desde la técnica, se examina los procesos de producción y factura; desde lo funcional, se analiza los impresos articulados al rol de la comunicación; finalmente, la estética, considera el diseño como actividad proyectual que sintetiza las ideas en objetos con fines utilitarios, comunicativos y sociales.
ANA MENDIETA- RAPE SCENE: LA DETENCION DEL INSTANTE
María Luisa Portuondo
Rape Scene, de la artista cubana Ana Mendieta, fue presentada el año 1973. La performance, que poseía un carácter más teatral que las anteriores intervenciones de la artista[1], estaba basada en el caso real de una estudiante de la Universidad de Iowa que había sido violada el mismo año. Esta intervención fue presentada a un grupo de amigos muy cercanos de la artista, quienes esa misma noche habían sido invitados a comer a su departamento en el campus de Iowa. Al llegar, la puerta del departamento espera semi abierta dejando entrever, en el interior, el cuerpo de Mendieta desparramado sobre una mesa, atado de pies y manos, desnudo de la cintura hacia abajo y con las piernas manchadas con sangre.
“LO SINIESTRO EN LA OBRA CATALEPSIA DE ANTONIA CRUZ”
Paula Acuña
Algo hay que inquieta en el primer desprevenido vistazo que damos a Catalepsia. Algo hay que descoloca nuestra percepción y obliga al ojo a querer descubrir qué de estos retratos de damas almidonadas y bien compuestas configuran lo extraño. Ese algo proponemos denominarlo siniestro pues es el concepto que mejor describe las sensaciones que provoca la obra. Lo Siniestro se suscita cuando lo reconocido como familiar, íntimo y cercano se torna extraño y desconocido, provocando a quien lo experimenta sentimientos angustiosos que están próximos a lo espeluznante.
El título de la obra es elocuente. La Catalepsia es un estado en el cual la persona, aparentemente muerta y sin signos vitales, queda momentáneamente paralizada. Este trastorno biológico ha llevado a creer que la persona que lo padece ha muerto y por eso se cuentan casos en los que incluso han enterrado a personas vivas. En la obra Catalepsia, la vida y la muerte se encuentran, y con su oposición de fuerzas ambas luchan en el plano por ganar la partida, generando un cuerpo aparentemente vivo que carece de vida, o que pareciera estar en el proceso degenerativo de la muerte.
La artista chilena Antonia Cruz, con su impecable técnica de fotomontaje, nos muestra retratos reelaborados a partir de material visual preexistente que de sólo saber su procedencia erizan cualquier cabello: lleva a la sala de disección imágenes de mujeres de la pintura chilena decimonónica y cual cirujano forense ensambla las piezas con fotografías de cadáveres y maniquíes, generando un tercer cuerpo inexistente con elementos de los dos anteriores, que en rigor, tampoco existen.
LOS NUEVOS SOPORTES DEL ARTE, TODAVIA LA MAGIA
Todavía, la magia 2
Los nuevos soportes, el arte, México, los independientes.
Basado en un ensayo publicado en la Revista ARCO
Por Juan José Díaz Infante como curador y artista independiente
Septiembre 2003, México DF
Nueva edición
Julio 2009, Curador en Jefe Transitio mx3
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Pocos cocos, cocodrilos locos
Poema anónimo
recuperado por Mathías Goeritz
Introducción
La conversación
En 1987, quizá un año antes o un año despues fue cuando escuché por primera vez de un tal Fernando Flores, de un programa que se llamaba el coordinador, de lo que era un bouletin board system, un modem de 2800 baud, de lo que era un cpu 286 con un acelerador gráfico. Escuché por primera vez de una definición de lo que se llamaba una conversación. Entre los distintos ejecutivos que estábamos a cargo de generar proyectos definíamos términos y terrenos conceptuales de trabajo. Televisión vía satélite legal, alta definición, skytel, trabajabamos con gente del FBI para ver si se podían traer decodificadores a México y si HBO tenía los derechos de la Motion Picture Association para poder vender películas en territorio mexicano.
1987 era un año donde se empezaba a sembrar el futuro, trabajábamos los primeros célulares, los cuales costaban una fortuna. Hay una relación distinta entre tecnología y arte, tecnología y la manera de vida y, la tecnología y muchas cosas. El día de ayer estaba en una conversación con una arquitecta que me decía que qué hacíamos antes de Internet. Me puse a pensar antes de Internet había faxes, también BBS, antes había teléfono, el telex y el correo. Finalmente las tecnologías sirven para aquellos que las saben usar. Es decir, una revista National Geographic estaba bien impresa en 1966. Inclusive pudiese ser que sus imágenes hasta fuesen mejores. National Geographic tenía su propia maquina de revelado de Kodachrome. La tecnología no tiene que ver con calidad, tiene que ver con conveniencia y zonas de confort.
Conforme pasan los años y vivo distintas experiencias, desde la organización de la Guelaguetza, un congreso de ciencia, un equipo de futbol amateur, el Club de los Pumas, he llegado a que una construcción social de algo de tamaño mínimo, un equipo, una comunidad, una economía, se requiere del proceso de la conversación.
Estuve el otro día en el restaurante La Dominga, discutiendo sobre la creación de microeconomías en el estado de Guerrero y la mayoría de las veces una discusión es una conversación. Pero hay una diferencia entre que una discusión es solamente una discusión. El aspecto constructivo de esta dinámica responde al nivel de entendimiento de la persona, sin embargo no es correspondiente ni a su puesto, ni a sus estudio. El nivel de entendimiento (diagnóstico) de un problema es lo que permite la conversación.
El primer nivelador de la construcción de pensamiento grupal y de acción grupal es dependiente de la conversación. EL primer desnivelador es tratar de conversar con gente que no tiene el nivel, es un ejercicio inútil. La decisión 1 para atacar cualquier problema o cualquier proyecto es saber escoger en muy simple proceso de inicio de cualqioer cosa, converso o no converso. Existe la posibilidad de conversación.
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STATE OF PLAY: UN THRILLER SIN TREGUA
Fernanda Bargach-Mitre
ojoadicto@gmail.com
Kevin Macdonald, director del film de "El último rey de Escocia" (2006) basada en la dictadura de Idi Amin, interpretado magistralmente por Forest Whitaker quien se llevará el Oscar al mejor actor, vuelve a sus oficios en State of Play (2009), un thriller político y periodístico, con un elenco poderoso, una trama atrapante y excelente realización. Adaptación de una miniserie original de la BBC, este film logra con su coherencia y ritmo ser un respiro ante tanto cine prefabricado.
Kevin Macdonald ha mantenido a lo largo de su carrera un compromiso con el cine de denuncia social y política. Ganó un Óscar al mejor documental corto por One day in September (1999), documental acerca del asesinato de atletas israelíes en los Juegos Olímpicos de Múnich 1972. Volvió al tema político en El último Rey de Escocia y en esta oportunidad nos trae una historia sobre corrupción, mentira, manipulación política e investigación periodística que nos recuerda a un clásico como "Todos los hombres del Presidente" en el desarrollo de la trama.
El film nos introduce en la vida de Cal McAffrey, un experimentado periodista, que recibe la visita de un amigo de la universidad y ahora congresista que envuelto en un escándalo le pide a Cal que aclare la verdad. Stephen Collins, es uno de los políticos jóvenes más prometedores de su partido, se encuentra inmerso en la investigación de un poderoso contratista de seguridad privado. La carrera de Collins se ve comprometida cuando su principal investigadora, una chica con la que mantenía una relación extramatrimonial, muere en extrañas circunstancias. Desesperado por las consecuencias del escándalo y su repercusión en la investigación que lleva a cabo, recurre a su amigo periodista quien se embarcará en una carrera contra reloj para tratar de aclarar los hechos.
El texto que les presento este mes a los lectores de Escáner Cultural es una conferencia que fue solicitada por Pablo Rojas en el contexto del primer encuentro de artes visuales organizado por los alumnos de Arcis Valparaíso. Su tono o temperatura es un poco intempestiva y por ello para mi se organiza como un mándala critico que vuelve ha poner en circulación preocupaciones y mal-estares que rondan y acosan la praxis de lo artístico en su praxis global. En el texto lo insinuado es una pregunta por el enseñar en contextos marcados por la diferencia y asfixiados por las estrategias del mercado, la cual desemboca posteriormente, en sintéticas sugerencias de cómo vivir, pensar y sentir en espacios sin afuera. Ambos temas se organizan en torno a una reflexión sobre los posibles rendimientos críticos que pueden tener tácticas culturales que se des-agregan del sistema y forjan desde esta post alteridad un borde que regenera la imaginación social que la tecno-cultura nos esconde. Aprovecho esta ocasión para agradecer a los alumnos de Arcis Valparaíso Cultura Visual que con su actitud critica, su voluntad política y su deseo han generado temas esenciales para sobrevivir nuestro presente.
Conferencia Arcis Valparaíso
Acción escrita o primera deriva cognitiva.
1-¿Cómo vivir en espacios sin afuera?
Intentando responder esta auto-pregunta, recordé que hace un año mas o menos empecé a escribir un texto sobre el poco interés que me provoca el arte, sus espacios, sus problemas y su ensimismada institucionalidad, dicho texto quedo inconcluso y sin revisar, con palabras mal colocadas y términos desajustados, sin embargo, como un muerto viviente o un fantasma digital vuelve a parecer en mi pantalla exigiendo que le ponga fin a su corta vida o le entregue un ultimo aliento, concluyendo las ideas que componen y descomponen, al mismo tiempo, su moribundo cuerpo. Bueno, no haré ni lo uno ni lo otro, simplemente haré algunos ajustes para intentar hablar sobre indebidas cosas en un espacio consagrado al deber ser del enseñar.
Hace muchísimo tiempo que circulo por los espacios del arte, galerías, museos, conferencias, mesas redondas, universidades etc. etc. etc., han sido para mi los territorios donde año tras año e emplazado mis prejuicios, mis dudas y mis deseos, lo curioso del asunto es que dichos recorridos ya no los experimento con la emoción y vitalidad que otrora me provocaban, en la actualidad estos paseos y encuentros llenos de expectación se han tornado en meros reductos para la redundancia y la repetición de lo mismo.
No quisiera ser pesado ni menos aburrido al manifestar mi franca indiferencia respecto de colegas, obras, gestiones culturales, curadurías, discusiones y debates pero no puedo evitar el des- encuentro que tales instancias me generan. Este mal-estar, en un espacio que para mi debiera ser como un hogar o un domicilio se debe en gran medida a que el arte en su performance global mas que ingresar en la era de su mayor apertura esta entrando, contrariamente, en la época de su ineluctable cerrazón.
X BIENAL DE LA HABANA
INTEGRACIÓN Y RESISTENCIA EN LA ERA GLOBAL
Por Silvio De Gracia
Entre el 27 de marzo y el 30 de abril se desarrolló una nueva edición, la Décima, de la Bienal de La Habana. Una Bienal que cumplió 25 años de vida, y que, junto a la de San Pablo, constituye uno de los dos encuentros más relevantes del arte contemporáneo en Latinoamérica, y uno de los más prestigiosos y significativos a nivel internacional. Cualquier intento de dar completa cuenta de todo lo que implicó y mostró esta Décima Bienal de La Habana sólo puede arriesgarse al fracaso y a la imposibilidad. Es tanto lo que la Bienal ofreció, en un renovado y meritorio esfuerzo por reposicionarse en la abultada agenda de bienales de la escena mundial, que resulta sumamente difícil aportar una visión apenas cercana de lo que pudimos ver y vislumbrar quienes participamos en ella. Lo primero a considerar es que fue una perfecta contrapartida de la bienal del vacío que el pasado año sembró desconcierto en San Pablo. La Bienal de La Habana fue una bienal repleta de obras y propuestas, con toda la ciudad convertida en un laberinto de arte abierto a la exploración y al hallazgo; tratando más que nunca de viabilizar una interacción intensa con el contexto social urbano. Esto último se vio claramente reflejado en las acciones, performances e intervenciones que ganaron el espacio público, algunas de ellas con un espíritu que puede vincularse con el arte actual más activista, participativo y propositivo.
Cruz Negra, Cuadrado Nego y Círculo Negro
LA CORRIENTE MATERICISTA:
ARTE ABSTRACTO, MATÉRICO Y CONCEPTUAL
Por Mario Rodríguez Guerras
I. Movimientos
De los tres aspectos físicos que componen la forma de la obra de arte, la materia es el elemento básico. La aplicación de los principios de razón suficiente (P.R.S.) a la materia debe limitarse a tres, puesto que el cuarto, la motivación, es inaplicable. Pero los otros, los P.R.S. del ser, del devenir y del conocer, se le aplican a la materia con la literalidad con la que la expone Schopenhauer en su obra sobre esta cuestión.
FOTOS INAUGURACIÓN EXPOSICIÓN YO PINTOR de OMAR GATICA
Fotos de Isabel C. González Vera
isabelkristina@gmail.com
www.flickriver.com/photos/isabelcristina77
2 de Junio 2009
Sitio Web Yo Pintor Omar Gatica:
http://www.escaner.cl/og/yo_pintor.html
http://www.escaner.cl/og/Bellas_Artes_2009/index.html
VULNERANDO FRONTERAS, SEDE MONTEVIDEO
20 de Junio, 2009
Este encuentro internacional de arte acción y performance se enmarca dentro de las acciones realizadas en todo el mundo conmemorando el legado de la artista italiana PIPPA BACCA -Giuseppina Pasqualino di Marineo-, quien fue asesinada a finales de marzo mientras realizaba una performance sobre la confianza, la alteridad y la entrega. Y cuenta con la aprobación de Elena Manzoni di Chiosca, madre de Pippa Bacca.
Espacio: Casa Plim-plim, Tristán Narvaja 1632, Montevideo
Dirección y coordinación general:
Lemu Martínez, Lorena Avallar, Rocío Campos, Vanesa Genlote, Paola Ayala
Creación: Lemu Martínez
Asistencia de dirección: Mariana Heredia y Rocío Nattero
Coordinan en Montevideo: Sofía Martínez Frenkel/ Lulu Borde
Hacia un arte del encuentro/ Vulnerando fronteras II, Montevideo, Uruguay
Fundamentos y espíritu del encuentro
Hacia un arte del encuentro asume este nombre y esta identidad con la total convicción de que en el vínculo como acto creativo se encuentra la esencia de una posible y cercana transformación humana. Hablamos del arte de ser y hacer junto a otro, de redescubrirnos, experimentar y realizarnos juntos, abrazando nuestros límites y reconociéndonos en nuestras potencialidades.
2da. Bienal de Arte Contemporáneo de Tesalónica, Grecia
Informe Incompleto de Clemente Padín
En el marco de la 2da.Bienal de Arte Contemporáneo de Tesalónica, Grecia, tuvo lugar el Festival de Performance del 24 al 30 de Mayo, 2009 con el título general de "Praxis" que deriva de "After Theory" de Terry Eagleton. El Festival estuvo enteramente dedicado a la performance y las intervenciones urbanas y se constituyó en el punto de encuentro de artistas griegos e internacionales que practican estas formas de expresión. Los artistas participantes provienen de Grecia, Estados Unidos de Norteamérica, Portugal, Dinamarca, Nigeria, Canadá, Rumania, Polonia, Suiza, Alemania, China, Japón, Francia y Uruguay: Angelika Fojtuch, Angeliki Avgitidou, Aris Prodromidis, Beatriz Albuquerque, Boris Nieslony, César Martínez, Chengyao He, Clemente Padín, Danai Pappa, David Adamo, Demosthenes Agrafiotis, Eric Andersen, Evangelina Basdekis, Guillermo Gómez-Peña, Hector Mavridis, Jelili Atiku, Joachim Montessuis, Mary Zygouri, Matei Bejenaru, Michel Collet, Monika Günther y Ruedi Schill, Panos Tsagaris, Paul Zografakis, Seiji Shimoda, Grupo Sfina, Sylvette Babbin y Valentine Verhaeghe.
En evento fue curado por Demosthenis Agrafiotis y Eirini Papakonstantinou en tanto la organización corrió a cargo del Museo Estadual de Arte Contemporáneo, Tesalónica, Grecia.
Tesalónica es una hermosa ciudad sobre el Mar Egeo con una población de 2.300.000 habitantes. Su nombre proviene de una hermana de Alejandro el Grande, esposa del Rey Cassander, fue fundada hacia el 315 ac, como ciudad autónoma del Reino de Macedonia. A la caída del Reino en 168 ac se convirtió en una ciudad bajo el dominio de Roma y, posteriormente, con la división del Imperio Romano, pasa a formar parte del Imperio Bizantino hacia 1204 dc. Luego de diversas vicisitudes pasa a formar parte del Imperio Otomano en 1393 y, en 1881, se reintegra a Grecia. En la II Guerra Mundial es ocupada por los nazis en 1941 hasta que, en 1944, fue liberada por las fuerzas aliadas.
Veamos las expresiones de los curadores de la 2da., Bienal: Gabriela Salgado, Bisi Silva, Syrago Tsiara
"En su novela seminal Un cuento de dos ciudades (1859) sobre la vida en París y en Londres, el novelista inglés Charles Dickens escribió 'Eran los mejores tiempos, eran los peores tiempos, era la época de la sabiduría, era la época de la estupidez... lo tuvimos todo antes de nosotros, no tuvimos nada antes de nosotros', captando acertadamente el espíritu de aquellos tiempos. Casi 150 años después, el sentimiento de decepción, el fracaso de los políticos para afrontar los grandes problemas, el reciente colapso financiero, el asalto al medio ambiente y un sentido general de alienación individual y colectiva en una sociedad que no ha sido capaz de rectificar, son evidentes.
POSTDATA
PROYECTO Y MUESTRA INTERNACIONAL DE MAIL ART & NET ART
CENTRO DE ARTES – UNIVERSIDAD EAFIT
MEDELLÍN – COLOMBIA
23 DE OCTUBRE A 21 DE NOVIEMBRE DE 2008
PARTE VI
EL ARTE DE LOS SELLOS DE CAUCHO O RUBBER STAMP ART
UNA FORMA ALTERNATIVA DE GRÁFICA ARTÍSTICA
Brain Cell - Life Form # 700 - Ryosuke Cohen, Japón
Por: Tulio Restrepo Echeverri
e-mail: tulio.restrepo@une.net.co
Tradicionalmente los sellos de caucho constituyen un instrumento para garantizar la originalidad de documentos en ámbitos públicos e institucionales. Diseñado a partir de formas básicas, elipses, círculos o polígonos, el sello en arte postal es elaborado usualmente en madera, compuesto del mango o asa y una tabla para el ensamble del caucho que da soporte a la imagen grabada, comunicando una multiplicidad de aspectos relativos a la identidad del artista postal o las ideas gráficas y expresiones visuales que connotan un equilibrio e integración entre el concepto, el uso de la forma y el color través de la estampación de tinta sobre el substrato, generalmente papel o cartulina para sellar mensajes en cartas, sobres o postales. El sello de artista postal está relacionado con la gráfica artística, en cuanto a dispositivo utilizado para seriar y estampar con mínimos recursos técnicos, en un espacio reducido y de forma directa iconografías y misivas relativas al contexto del arte por correspondencia alterando el procedimiento tradicional de la firma del artista, la numeración y la data que testimonia la originalidad del ejemplar seriado a través del proceso gráfico efectuado en el taller de grabado.
Usualmente un grabado es una estampa obtenida por reporte de una plancha o superficie preparada para dibujar, cortar, corroer, aplicar e inscribir grafismos e imágenes en bajo o alto relieve, que se entinta para depositar el pigmento en aquellas partes que definirán posteriormente las formas representadas. Este procedimiento es propio de los sistemas de grabado como la xilografía (grabado en madera), la litografía (grabado en piedra), o la calcografía (grabado en planchas de metal); la serigrafía (grabado por tamizado a partir de una matriz de hilos de seda, metal o nailon, tamizando tintas y barnices especiales) que el artista grabador utiliza corrientemente para conseguir una serie limitada de reproducciones de un original múltiple.
