Vie, 10/09/2009 - 01:36 | 
IMPERDIBLES DE LOS 90 (5TA PARTE)
Fernanda Bargach-Mitre
ojoadicto@gmail.com
En esta oportunidad he elegido de manera ecléctica los films a reseñar, que solo coinciden en haber dejado huella en la cinematografía de la década de los noventa. Empezaré con "Dead Man" de Jim Jarmusch, film de 1995 que es una obra de arte en blanco y negro. En segundo lugar tomaré "Short Cuts" (1993) una genial creación de Robert Altman que maneja magistralmente historias entrecruzadas. Como tercero de la lista un film político y ácido: "Wag the Dog" (1997) de Barry Levinson, que jugando con la ficción logra un apabullante paralelismo con la realidad. En cuarto puesto la inolvidable "The Fisher King" (1991) una historia muy humana y llena de dulce locura dirigida por Terry Gilliam. Por último, reseñaremos "Boyz n´the Hood" opera prima de John Singleton, que se ha convertido en un referente cultural de la vida en los suburbios de los jóvenes afroamericanos.
DEAD MAN (1995)
Dirigida y escrita por Jim Jarmusch, realizador norteamericano independiente por excelencia, este western en blanco y negro posee una belleza visual impactante, sus contrastados escenarios, y la exquisita fotografía a cargo de Robby Müller junto al tinte surrealista de la historia, generan un film filosófico y espiritual. Poseedora de un encanto particular, se trata de una cinta lenta pero que atrapa en su cadencia narrativa. Esta sexta entrega del talentoso director, posee un tinte fatalista, de inevitabilidad del destino que se acentúa en la ausencia de color. Posee elementos del western como personajes entre el bien y el mal, desaliñados y toscos en ambiente áridos, y de extrema errancia combinado con una propuesta existencialista y lírica. Dead man es la historia del viaje de un ser, William Blake, tanto físico como espiritual, que después de matar a un hombre en defensa propia, tiene que embarcarse en escapar porque su cabeza tiene un alto precio, en su camino entablará amistad con un indio llamado Nobody ( Nadie), quien confunde al fugitivo con un poeta ya fallecido, y será quien lo ayude a encontrar la profundidad de su alma. Estamos frente a una obra de arte evocadora, con una actuación impresionante de Johnny Depp, quizás la mejor de su carrera y una dirección impecable por parte de Jarmusch.
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Jim Jarmusch es un realizador que ha sabido imponer, cinta tras cinta, un estilo narrativo distinto, que se aleja de las formulas conocidas e invita al espectador a realizar viajes en un presente constante que pocas veces da respiro. Sin recurrir al típico formato de inicio, nudo y final, este director nos ofrece conflictos que se disparan a lo largo del metraje, sorprendiéndonos, al atraernos a remontar vuelo junto a sus personajes peculiares, reflejo de una sociedad en plena crisis de identidad. Seres sin afecto, con vidas vacías son retratados magistralmente dentro del contexto hedonista y egocéntrico que los rodea. Así lo demostró en su primera película, alabada por la crítica pero poco comercial: "Permanent Vacation" (1982)
Este director, surgió de la misma explosión que alimentó los films contemporáneos de Spike Lee en el East Village de la Universidad de Nueva York. Con su segundo film "Stranger than paradise" sorprendió a la critica y la audiencia con su tono fresco y cómico, ganando la Palma de Oro en Cannes y el premio al mejor film concedido por la Sociedad Nacional de Críticos de Cine (USA). Un film hecho de los más exquisitos planos-secuencia (escenas de una sola toma) que se recuerden, sin duda un propuesta arriesgada que demostró el carácter innovador de su director. De hecho el carácter discontinuo de su relato impresiona: una película dividida en tres partes separadas por el rótulo del título señalado. Cada capítulo, a su vez, se compone de planos secuencia, con una duración que fluctúa entre unos pocos segundos y varios minutos, separados entre sí por cuadros en negro. El filme se conforma como la suma de 67 planos secuencia, todos ellos planos generales y casi todos filmados desde cámara fija. Una propuesta que lo marcó como un ícono del cine independiente norteamericano.
¿ES LA MODA UN LENGUAJE SUPERFICIAL?
Por: Ricardo Pizarro
ricardo.pizarro.c@gmail.com
Con esta pregunta abrí el 2do semestre las clases de dibujo, que imparto en la escuela de diseño de vestuario del instituto profesional AIEP, proponiendo un pequeño debate en la sala de clases o taller que, para mi sorpresa generó bastantes controversias y en algunos casos muy marcadas posiciones respecto del tema.
Lemon Pie
EL TATIO
Jessica Parra
Sin una cabeza visible y reconocible por todos los del pueblo, las voces más conocidas que están a favor de la conservación del Tatio y la paralización definitiva de las obras de la geotérmica se han reunido en varias ocasiones para manifestar su negativa a los avances de las prospecciones. Ana María Barón (arqueóloga y ex alcaldesa de San Pedro), Amelia Mamani Charcas (Presidenta de la Comunidad Indígena Sumaj Llajta) y Sonia Ramos (Presidenta de la Sociedad de Cultores de Medicina Indígena Lickanantay) son las mujeres que mueven los hilos para evitar la construcción de la central en los Geysers del Tatio, a ellas se suma Tatio.org encabezado por Haroldo Horta.
Han pasado dos semanas de manifestaciones en que las buenas intenciones son lo prioritario. Movilizando muy poca gente, con pocos recursos y una voz poco experta en la materia que resta credibilidad para los que conocen un poco mas del tema de energías sustentables, manejando el tema con una campaña del terror (no se ve a Barón o Mamani a la cabeza de las manifestaciones en la calle, si podemos encontrar a Haroldo que posee una visión muy romántica del asunto y jóvenes ligados que van por la vía violenta). Como si fuera una película de humor absurdo, la falta de información sobre el tema medioambiental, de energía y ciencia, se contrapone con la enorme cantidad de investigación científica que se realiza en la zona, con proyectos como ALMA a pocos kilómetros de San Pedro.
San Pedro ha reaccionado como pueblo de cuento, pataleando, pegando carteles con papeles tamaño carta que dicen Muere el Tatio con lápiz tinta y delineado ondulado, insultando por micrófono a los personeros de gobierno que se encuentran dentro de una oficina de la alcandía, provocando que la alcaldesa salga a quitar el micrófono y regañe a la gritona. O el señor del agua embotellada que cambia sus toneles arriba de su triciclo por un féretro que es seguido por una veintena de personas con banderas blancas y wiphalas (bandera de los pueblos indígenas). También hay de los que han ido a romper instrumentación de la empresa encargada de la central y que dicen que van a empezar a quemar cosas, siendo que acá las cosas se queman solas y hace menos de 5 días se quemo una hostal completa.
Se puede escuchar en las calles la gente reclamando porque no podrán visitar el Tatio, cuando la verdadera tragedia es la falta de cultura y desinformación. Son muy pocos los que reclaman por como se esta usando el agua de esa zona, el uso que se le daría a esa energía eléctrica o los malos tratados que se han realizado a cambio de la utilización de esas tierras. Todos acá se quejan de la falta de agua y luz, de la no pavimentación de los accesos a lugares como Talabre y muy poco se hace para generar vida más allá de las vías turísticas. Es sabido que el Tatio es emblema y principal atracción turista de la región y del país, que si lo destruyen es un daño patrimonial significativo, que el turismo se iria a pique y que la tierra ancestral será profanada. Pero, cómo sostendrán estos pueblos sus necesidades, de dónde sacaran energía. Todo esta parafernalia de geotérmica ha sido planteada para la necesidad global de país, de alimentar mineras, mineras que finalmente alimentan más que una región pero que a la vez alimentan el PIB mal repartido y por sobre todo a privados. Indudablemente el manejo de imagen de Geotérmica del Norte ha sido mala, dejando una emanación de agua y gases de un tamaño descomunal, no preocupándose de realizar un trabajo de aceptación de la comunidad, no entregando energía a la zona, desperdiciando el agua prístina de las cámaras subterráneas o no prometiendo un trazado del tendido eléctrico que no perjudique la vida turística y por ultimo prometiendo cero daño ambiental, al turismo y a los Geyser.
LaMe.9BVAM- Nicolás Gravel & Nicolás Spencer /// Video: Yto Aranda
LaMe.9BVAM
Nicolás Gravel & Nicolás Spencer
Por Yto Aranda
LaMe.9BVAM (La máquina Infernal) fue creada por Nicolás Gravel y Nicolás Spencer dentro del contexto de la 9º Bienal de Video y Artes Mediales Chile 2009.
Ahora LaMe se mudó a Matucana 100 realizando la obra LaMe.M100 en el cual participarán junto (por ahora) con Manuel Orellana e Ignacio Nieto formando parte de LaMe.proyectos.
Información completa en: http://www.lame.cl/proyectos
LA REPRESENTACIÓN COMO REPRESENTACIÓN:
II. EL OBJETO VISTO POR LAS VANGUARDIAS
Por Mario Rodríguez Guerras
direccionroja@gmail.com
La obra de arte se ha construido siempre con las mismas leyes, pero hasta el siglo XIX el objeto del artista era mostrar una idea y no tenía sentido analizar los dos aspectos de la creación de la obra, la material, sujeta a leyes naturales, y la representación, sujeta a leyes de la percepción.
Las vanguardias entendieron que el arte era una falsificación pero que así todo la representación era un objeto y analizaron los elementos con los que se compone la falsa imagen pues, como decimos, la mera acumulación de materia no produciría ningún arte. Las vanguardias deseaban aclarar la diferencia entre acumulación de elementos y la representación artística.
¿Ser?
David Fernández Rivera
Seguro que al lector de este artículo se le ocurrirían una infinidad de ideas y abstracciones cuando decida mencionarles “La evolución de las especies”, o simplemente a Charles Darwin. Estoy seguro de que términos como la selección natural o la supervivencia del más fuerte están en sus mentes.
Me pregunto pues, ¿qué le pasaría a un lobo salvaje si decidimos arrebatarle su libertad? ¿Qué pasaría a lo largo de los años con una familia de lobos criados y desarrollados en cautividad? Con el paso de los años, estos animales perderían muchas de sus primigenias capacidades relacionadas con la orientación, el instinto cazador, el trabajo en equipo, etc... Habilidades que serían sustituidas por otras que les harían más sencilla su vida en cautividad, que pasaría a considerarse la “normal”.
No confío en lo que se considera vida, donde la mayoría ve vida, yo veo seres desarrollándose de un modo reduccionista en función de sus capacidades, veo individuos que tienen poco que ver con su origen natural, veo muerte, autodestrucción, veo personas que se relacionan de forma sentimental y sexual de un modo que se le podría llamar mecánico, obviando por supuesto la enorme potencialidad de comunicación humana y libre. Veo locura.
POSTDATA
PROYECTO Y MUESTRA INTERNACIONAL DE MAIL ART & NET ART
CENTRO DE ARTES – UNIVERSIDAD EAFIT
MEDELLÍN – COLOMBIA
23 DE OCTUBRE A 21 DE NOVIEMBRE DE 2008
PARTE IX
PRODUCTOS GRÁFICOS MEDIOS IMPRESOS Y ELECTRÓNICOS EN ARTE POR CORRESPONDENCIA
Productos extraeditoriales o extralibreros
Estampilla de Artista Postal - Artistamps. Ligths works by Anna Banana, Canadá. 11/30/06
Estampilla de Artista Postal - Artistamps by Anna Banana, Canadá. Italy goes banana. 1998-1999
Por Tulio Restrepo Echeverri
e-mail: tulio.restrepo@une.net.co
Como continuación del anterior artículo en escáner cultural, número 119 - septiembre 2009, http://revista.escaner.cl/node/1465; presentaremos las Estampillas de Correo o Sellos de Correo denominadas así por la filatelia, arte, estudio y colección de los sellos postales y documentos de valor postal; catalogados por la entipología [1] (estudio y clasificación de los impresos) dentro del grupo de ediciones extraeditoriales o extralibreros, conocidos a su vez, como papeles de valor.
¿Qué es un Sello de Correos o Estampilla de Correos?
Desde el diccionario enciclopédico, Chile Collector, Aguirre - Vergara, encontramos una definición de sello de correos como: “SELLO: (Estampilla) Pequeño trozo de papel impreso por autoridad administrativa estatal, con alguna imagen oficial y valor facial específico, y que es comprobante del pago previo para el servicio de correos o del pago de impuestos fiscales o particulares. Se llamará “pieza postal” en el caso de uso o destino de correos, “fiscal” en el caso de uso y destino para el pago de impuestos y “Cinderela” en el caso de fabricación y uso por particulares no constituyendo franqueo o impuesto fiscal.” [2]
RECUPERACIÓN DE LA MEMORIA (ii)
Propongo que nos unamos para crear un
Banco de Info sobre archivos privados
de artistas: Felipe Ehrenberg
Habrá que hacer de tripas corazón y aceptar que no hay institución pública en MX con la capacidad (y tal vez ni la voluntad) para procesar lo que con tanto celo hemos guardado al menos tres generaciones de creador@s y pensador@s ¡¡en todo el país!!!... F.E.
Desde México: César Horacio Espinosa V.
Para recordar… Ayuda memoria, pie de página… Las historias y los documentos… Bien, en mi colaboración del número anterior de Escáner Cultural, el 119, con el título RECUPERACIÓN DE LA MEMORIA: LOS ARCHIVOS DE ARTE. Exposición en México de Arte ≠ Vida.Acciones por artistas de las Américas, 1960–2000, abordé un ciclo de mesas redondas en el Museo de Arte Carrillo Gil que versaron sobre el tema de “Archivos del arte acción en México y sus vínculos en América Latina”.
Incluí en esa edición la mayoría de las intervenciones, pero faltó uno de los panelistas que participó por vía de teleconferencia: Felipe Ehrenberg. El propio Felipe, sin embargo, se encargó de subsanar esa ausencia e incluyó un comentario en la parte final de la primera parte del artículo. Dada la relevancia de este artista y la amistad que nos une desde los años 70, me di a buscarlo para publicar con amplitud su ponencia. Incluyo aquí los resultados de tal gestión:
Felipe (desde Sao Paulo): Te respondo con un pie en el estribo ya que mañana salgo para Puebla, Xico y luego la capital (de México).
César, podría yo resumirte en unas palabras mi actual actitud ante este interés archivofílico que parece estar surgiendo en la Ciudad de México, que no necesariamente en el país.
Diría que del dicho al hecho hay mucho trecho: antes de teorizar, cada quien tendrá que organizarse como dios le dé a entender. Habrá que hacer de tripas corazón y aceptar que no hay institución pública en MX con la capacidad (y tal vez ni la voluntad) para procesar lo que con tanto celo hemos guardado al menos tres generaciones de creador@s y pensador@s ¡¡en todo el país!!!... No sólo en la capital.
Así, empecemos por reconocer que al asumir por nuestras pistolas la responsabilidad de almacenar, necesariamente asumimos también la responsabilidad de darle forma y sustancia a todo lo que almacenamos. El hecho es que durante toda mi vida destiné una parte de mis azarosos ingresos para pagarle a asistentes que cuidaran de mis papeles. Mayer y Lerma y Bustamante y Hellión han hecho lo mismo... y por ahí hay much@s más que lo hacen así.
Eso sí, NO podemos darnos el lujo de hablar de lo que guardamos y de criticar a las instituciones que no crearon archivos, si no empezamos a organizar nosotros mismos nuestras memorias y constancias. Ordenar y clasificar no cuesta más que tiempo... eso no puede ser postergado... Simultáneamente, también tenemos que salir en pos de fondos para hacerlo nosotros mismo, pues ya no llueve café del cielo. No falta a quien acercarse.
¿Qué hacer en adelante? Propongo que todos los presentes en aquella reunión en el MACG interesados en el asunto, nos unamos para crear un Banco de Info sobre archivos privados de artistas existentes en el país. Hoy día, esto no es nada complicado.
se me quemó la iglesia
Gabriela Alonso
Quilmes, Buenos Aires, Argentina
Creadora de Zonadearte, Un Espacio para la reflexión, proyección, formación, pensamiento, Intercambio e investigación. Un Espacio polivalente, en continua evolución.
http://gazona.blogspot.com
www.gazonadearte.com.ar
info@gazonadearte.com.ar
videos en yotube - buscador: zonadearte
se me quemó la iglesia
Provengo de la pintura y el grabado, más tarde la fotografía y el video. Comienzo a intervenir en los espacios urbanos en un principio por situaciones políticas muy agitadas en mi país, este nuevo soporte obviamente me invita a incorporar la acción y aunque el cuerpo y el gesto desde mis primeras incursiones dentro del arte fueron columna vertebral en mi obra debí atravesar por muchos periodos de experimentación previa hasta reconocerme dentro del arte de acción o de performance, hoy me doy cuenta que mis pensamientos siempre fueron performaticos, no podría por el momento apartarme de este formato.
Las instalaciones, los colores, la fotografía, la huella, el objeto, el video forman parte esencial en mis acciones. No desecho nada, todo me es posible. El arte de acción o la performance me brindan la posibilidad de construir de manera más completa y solida mis ideas, no me siento sujeta a ningún tema específico, respondo a infelicidades o felicidades diarias siendo estas el eje de mi obra que pueden ser de carácter intimista así como universales. Intento abrir siempre una ruta distinta en contra de lo predecible a través de la experiencia directa, Para mí el cuerpo es el principio y es el fin en cada proceso. Creo que en el arte de acción no existe el límite más que el sujeto al del propio cuerpo.
ARTES ELECTRONICAS EN IXTLAN, desde mi teléfono
Por Juan José Díaz Infante
Jdiazinfante@altamiracave.com
Transitiomx03, comienzan bytes, electricas razones y todo tendrá sentido al final del día. El festival de artes electrónicas más importante en México se da cita para inaugurarse el día de hoy 1 oct 2010. Y he decidido que en esta ocasión iré haciendo está columna progresivamente como un diario de actividades, inauguraciones, eventos, quizá pequeñísimas entrevistas con un par de participantes los siguientes 5 días. Favor de poner atención...
Pregunta frecuente en todas las entrevistas: "¿Cómo le entiende el público al arte electrónico?"
Respuesta: El referente de cualquier público contemporáneo es más cercano a una televisión o un video juego que a un óleo, es decir, yo fui criado por la televisión de mi casa, me entretuve con los video juegos, prendía y apagaba la licuadora, jodí varias veces el estéreo y la vatidora, volé una bocina. Ahora en Transitiomx tenemos los aparatos de todos los días, laptops, internet, anuncio luminoso, al servicio de la poesía y la estética, al servicio de la calidad del lenguaje. ¿dónde está la distancia?
El festival se divide en Concurso, Simposium, Talleres y Muestra Internacional.
Muestra Internacional
En México DF se han dado cita varios curadores a proponer una serie de piezas, exposiciones y diálogos basados en el tema "Autonomías del Desacuerdo". El tema tiene que ver con que las prácticas con referencia a la tecnología varían de pendiendo de situaciones locales, debido a factores geopolíticos, sociales, artísticos, etc.
Duplas de Curadores, armadas de tal manera que se genere un diálogo en cada exposición:
Gunalan y Eduardo de Jesús, Local Dense
Eduardo Navas y Machiko Kusahara, Devices y non places
Rodrigo Sigal y Arcángel Constantini, Bifurcaciones Sonoras
Arlindo Machado y Araceli Zúñiga, Del Insilio al Exhilio, programa de video
Hoy se ha inaugurado el festival con una ceremonia política de inauguración seguida por un concierto.
Se abrió al público la muestra del concurso, en la cual se recibieron más de 800 entradas y estuvieron en display la documentación de los mejores trabajos. Una de las piezas más relevantes es la pieza de Iván Puig, la cual es un noticiero de noticias ficticias, donde en el primer cuarto se puede ver el noticiero en una televisión y en el cuarto de atrás hay una serie de maquetas que transmiten por circuito cerrado tomas de maquetas que son las verdaderas tomas de las supuestas noticias.
OASIS PROJECT & SQUARTIST UNION
Ellos están en todas partes!!!
Un nuevo tipo de arte y estilo de vida contra la globalización y el capitalismo
Por Silvio De Gracia
OASIS Project es el nombre de un grupo de arte y activismo que iniciaron los artistas surcoreanos KIM Kang y KIM Youn Hoan a principios de 2004, y que ha evolucionado hasta convertirse en una organización internacional rebautizada como Squartist Union. Squartist fue el término creado por KIM Kang para dar identidad a las prácticas artísticas realizadas a partir del OASIS Project. Es un término que surge de la fusión de dos conceptos esenciales que definen la naturaleza del grupo: Squat + Artist= Squartist. En la base filosófica del grupo se encuentra el squat o squaterismo, el movimiento mundial de activistas que ocupan ilegalmente los espacios o edificios abandonados en los grandes centros urbanos y que sostienen una lucha ideológicamente bien definida contra la sociedad capitalista. Aquello que, desde sus inicios, diferenció a OASIS Project de sus compañeros del Squatt es que, además de valerse de las metodologías específicas del movimiento, sus integrantes son artistas que unen de modo indisoluble arte y activismo en todas sus manifestaciones. Para OASIS Project no sólo se trata de ocupar edificios y rechazar todos los valores emergentes del sistema capitalista; sino fundamentalmente de recubrir todo acto activista de una intencionalidad artística que lo potencie y lo re-dimensione. Para OASIS Project la toma y ocupación ilegal de un edificio es también un hecho artístico en sí mismo, un acto irruptivo y disruptivo dotado de una estética de resistencia y rebeldía. OASIS Project ha convertido la resistencia al neo-capitalismo y a la globalización en una apuesta estética que subvierte las funciones convencionales del arte y que pone en discusión todos los valores del sistema social coreano, estrechamente ligado a los intereses de la política internacional imperialista de los Estados Unidos y su cultura del consumo.
Oasis Workshop 2004
Una de las acciones más importantes de OASIS Project se desarrolló desde diciembre de 2004 a marzo de 2005. A lo largo de tres meses, los integrantes del grupo realizaron cada mes una semana entera de manifestaciones de protesta frente al Ministerio de Cultura y Turismo de Corea, en Seúl. Estas manifestaciones, básicamente performances individuales y colectivas, apuntaban a denunciar la corrupción del Ministerio que había prometido entregar un espacio abandonado a los artistas, pero que finalmente acabó lucrando a través de un plan de alquileres y excluyendo toda finalidad artística. Este ciclo de manifestaciones fue, sin duda, el paso más concreto y visible de OASIS Project, un paso que se continuaría con acciones planeadas de manera sistemática, llevándolos a la consolidación de sus principios ideológicos y artísticos.
Oasis Protest Performance 2005
En 2004, OASIS Project se dedicó intensamente a la ocupación de edificios urbanos y a la creación de una red de activistas-squaters que resultaba inédita en Corea del Sur. Ocuparon edificios, algunos de grandes dimensiones, y trataron de crear oasis, es decir, espacios re-significados a través de la intervención artística y creativa, centros de irradiación de una nueva forma de vida y de arte que pusiera en cuestionamiento los paradigmas tradicionales de un estilo de vida y de una concepción academicista en torno a la producción de arte. Las apropiaciones, incluso aquellas efímeras que duraron unas pocas horas, dejaron su huella y convirtieron a OASIS Project en un punto de referencia para el arte activista en Corea. Las acciones y las ocupaciones fueron tan potentes que lograron una enorme repercusión a través de la prensa, los organismos oficiales y los ejércitos de policías que solían intervenir para desalojar a los artistas. Pero siempre, en la base de toda manifestación del grupo, estuvo nutriendo sus tácticas y prácticas una vocación no sólo política, sino eminentemente poética; y es sabido que la poesía es la forma más poderosa de subversión. Así, por ejemplo, cuando los miembros de OASIS Project han querido reflejar su rechazo a la globalización, han realizado algunas de sus acciones más bellas y poéticas. KIM Youn Hoan, uno de los fundadores del grupo, ha hecho ya célebre una acción donde empuña una bandera formada por todas las banderas del mundo y acaba quemándola. Porque para OASIS Project resistir a la globalización no es sólo oponerse al avance del neo-capitalismo. Es ante todo querer borrar las fronteras entre las culturas y los pueblos, y crear redes de solidaridad y entendimiento más allá de las naciones y las limitaciones geográficas.
ODA AL AIRE: UN VUELO ESCULTÓRICO
Por: Ximena Jordán
Email: ximejordan@gmail.com
"Un aire, un aire, un aire nuevo, no para respirarlo sino para vivirlo"
(Gonzalo Rojas, poeta chileno)
Oda al Aire: su lugar y su elevación
Santiago es una ciudad con encantos “no evidentes”. Pero con muchos de estos encantos. Entre ellos, el Parque de las Esculturas de Providencia. Este estratégico espacio público fue creado en 1982 por la Municipalidad de Providencia con el fin de crear un espacio público urbano que acogiera la creación escultórica nacional, a la vez que servir de escenario para artes teatrales, cinematográficas y musicales en ocasiones especiales y normales.
LA VIEJA Y LA NUEVA FE: I. EL RANGO
Por Mario Rodríguez Guerras
I. Introducción
¿Es “el rango o la fuerza” lo que determina el valor de una teoría? El hombre, a pesar de creamos lo contrario, posee un carácter de la especie innato más fuerte que el individual y nos encontramos siempre ante las mismas circunstancias con las mismas reacciones. Cada nuevo hombre expresa ese carácter genérico sin posibilidad de aprender de la experiencia pasada de otros hombres. Por eso, toda nueva teoría se encuentra en desventaja con su pequeña verdad como en su día lo estuvo Galileo ante la fuerza con la que los Papas podían defender su interés. Así que bien sabemos que la razón nunca podrá reclamar justicia y que si quiere imponerse al error deberá hacerlo como éste, por la fuerza.
CLEMENTE PADÍN: “LA VERBALIDAD PASA A ESTAR AL SERVICIO DE LA VISUALIDAD Y LA SONORIDAD”
Entrevista de Franklin Fernández, Barcelona, Anzoátegui, Venezuela, Junio, 2009
La presente entrevista se realizó en el marco del “VI Festival Mundial de Poesía” celebrado en Caracas, Venezuela, durante los meses de junio y julio del presente año (2009). El poeta homenajeado fue Juan Calzadilla. Reconocido dibujante, calígrafo, crítico de arte y literario de destacada trayectoria. El evento fue propicio para mostrar (en todo el territorio nacional), los avances formales que, en materia de poesía visual y experimental, son celebrados en nuestro país y en buena parte del mundo. Y eso es mucho decir tomando en cuenta que los anteriores festivales de poesía, han estado casi totalmente al servicio de la poesía verbal. Pero no así este.
Como preámbulo del festival celebrado en el oriente venezolano (Barcelona, Estado Anzoátegui), se realizó en el Auditórium “Rita Valdivia”; ubicado en la Escuela de Artes Plásticas Armando Reverón, una exposición experimental, una lectura performática y un recital de poesía. Se inauguró la muestra: “La palabra dibujada / Dibujos desde la palabra” ¹, lo que sería la “Primera Exposición Internacional de Poesía Visual y Experimental en Venezuela”. Evento dedicado al maestro Juan Calzadilla, pero también en homenaje al inagotable, fecundo y prolífico trabajo desempeñado a lo largo de su carrera (unos 40 años), por el poeta visual uruguayo Clemente Padín.
