Dom, 05/03/2009 - 04:43 | 
CALIXTO SAUCEDO
7 veces 7
Informe de Clemente Padín
Durante PLAY V, MAN IN TRANSIT, INTERNATIONAL VIDEO & PERFORMANCE FESTIVAL, el evento de arte de la acción y videoperformances organizado por HOTEL DADA y sus promotores Graciela Cianfagna y Silvio de Gracia en las ciudades de Junín y Pergamino de la Provincia de Buenos Aires, Argentina, del 12 al 15 de Noviembre de 2008, tuvimos la oportunidad de asistir a la presentación pública del libro: 7 veces 7 arte conurbano argentina siglo XXI, a cargo de su autor, el pintor y accionista Calixto Saucedo.
El libro, definido por su autor como “… un objeto-reversible, lúdico, de 100 páginas, incluye un dvd de 3 hs y 4 plegables a todo color / rotunda puesta al día de los paradigmas y mandatos culturales del arte bonaerense” es, casi, un “libro de artista” genuino en el sentido de que es el fruto de dos instancias. Primero la apropiación del soporte “libro” de extensísima tradición cultural, de difusión y divulgación de textos, sobre todo escritos y, luego, por la intervención del artista que vulnera e irrumpe en la serena índole del soporte, convirtiéndolo en una obra de arte. Lo que define ese carácter de obra en sí misma lo determinan las intervenciones en la edición a cargo del autor en el marco general del proyecto “libro”.
El libro cobra un carácter de “punto y aparte” en el sentido de ofrecernos un completísimo registro de su obra en todas las direcciones que ha asumido, la pintura, la poesía, la fotografía, el arte de la acción, los murales, el arte correo conjuntamente con su especialísima inserción en el medio social y cultural en donde corre su vida, Florencio Varela, al margen del centro en dos instancias, local y global. Eso no le ha impedido destacarse como uno de los artistas más universales en esta zona del continente americano. Sin pretender caer en el lugar común, a lo global desde lo local, imponiendo nuestras improntas culturales, nuestros ritos, nuestros modos, nuestra visualidad y nuestras costumbres, sin degradarse en el exotismo ni en la enajenación nacionalista.
Numerosos textos acompañan esta exhibición ágil y bien diagramada de cuadros, fotos, acciones y poemas destacándose las entrevistas y textos de Mario Lettiere, Patricia Bulla, Fernando San Martín, Carlos Patricio González, Alejandro Mayol, Alfonso García Vallano, Alexander del Re, Patricia Contreras Fuentes, Jorge Pena y Dafne Tejada.
Sin duda, no hay nada mejor para conocer a un artista que escuchar sus opiniones. Por ello pretendemos cerrar este breve informe con algunos textos en los cuales Calixto Saucedo habla sobre sí mismo, su medio y sus obras:
EL TRAVESTISMO TRANSPARENTOSO DE GUSTAVO BARRERA:
POESÍA Y PERFORMANCE EN CREATUR (2009)
Por Carolina Benavente Morales
cbenavem@gmail.com
Vi por primera vez a Gustavo Barrera en la performance que hicieron con Antonio Silva y Héctor Hernández en barrio Brasil el año 2000. Era en una casa-restaurant en la que aparecieron disfrazados de mujer, gesticulando tipo bailaoras de flamenco con mucho fru-fru. La verdad es que no recuerdo muy bien lo que hicieron, pero quedó en mí la impresión de un show extravagante que pretendía épater les bourgeois, aunque en lo personal no logró provocarme y hasta lo encontré un poquito out, como un simpático trío de yeguas locas que me dejaban la sensación de un cliché. Mirándola en retrospectiva, esa intervención seguramente es importante para una generación literaria que salió del clóset después de una década de poesía noventera que ocultó la diferencia homosexual y, de hecho, hoy día mi amigo Antonio Silva es reconocido como un precursor de ese movimiento. Sin embargo, a mí no sé porqué las cuestiones de género nunca me han llamado demasiado la atención o al menos no más que otras. Por eso, después de leer un testimonio de Gustavo en Creatur, su libro recién publicado por Ril en este otoño 2009, vuelvo a ese evento intrigada por algo sorprendente: Gustavo Barrera comenzaba a desaparecer. El tumulto de las apariencias impidió que le diera importancia en ese momento, pero este artista intentaba fascinarnos con “una gesticulación excesiva de doblaje mudo” (Creatur, p.103) que estaba aplicando a su propia voz. Por eso, al presentar Creatur quiero explorar el travestismo espectral de Gustavo Barrera, un travestismo made in Chile, un carnaval invertido, travestido o al revés.
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Tags: Arte Experimental, Escritor, Libro, Literatura, Performance, Reflexión
Escaner Cultural, Año 11, Número 115 - Mayo 2009
LA POESÍA MATEMÁTICO-COMPOSITIVISTA…
Desde la numerología hasta el Teorema de Gödel.
ENTREVISTA CON FABIO DOCTOROVICH
Desde México: César Horacio Espinosa V.
Dentro de la encuesta-consulta sobre los alcances y opciones de la poesía visual-experimental que abrimos con motivo de la X (La última) Bienal Internacional de Poesía Visual-Experimental, el poeta digital Fabio Doctorovich hizo una exposición sobre la poesía matemático-compositivista y su desarrollo en la región del Río de la Plata, donde tiene una tradición de más de un siglo.
El tema lo presentó con amplitud en su artículo “La tradición poética matemático compositivista en Argentina, y su influencia en la poesía digital”, publicado en la Revista Canadiense de Estudios Hispánicos 31.1, de otoño de 2006.
Fabio Doctorovich
Considero que este enfoque constituye uno de los caminos que, necesariamente, deberá tomar el artista del siglo XXI para incorporarse de lleno a los nuevos horizontes de los lenguajes electrónicos y la vinculación del arte y la ciencia.
Antes de dar la palabra a Doctorovich, quisiera recordar que la más remota contribución a la lógica matemática de nuestro siglo provino de un poeta. En el siglo VI a.C., Epiménides, poeta cretense, manifestó que “Todos los cretenses son mentirosos”; entonces, si todos mienten, ¿cómo podría ser verdadera la afirmación de Epiménides? Algo similar estableció Pessoa, que escribe en su "Autopsicografía": El poeta es un fingidor.
Dos poetas, uno cretense y portugués el otro (o, más bien, los otros), han prefigurado así uno de los más notables logros de la lógica moderna: el Teorema de Incompletitud de Gödel.
EL CURIOSO CASO DE BEJAMIN BUTTON DEL FASCINANTE FINCHER
Fernanda Bargach-Mitre
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David Fincher, director de películas emblemáticas como Seven, El Club de la Pelea o Zodíaco, abandona su cine oscuro para traernos una historia que ahonda en el significado de la vida y la muerte, a través de la extraña existencia de Benjamin Button: un hombre que nace en cuerpo de anciano y en vez de envejecer rejuvenece con el paso del tiempo. Sin duda un premisa interesante, que parte del cuento de Scott Fitzgerald, en el cual se basó el guión del film y que con una realización deslumbrante, y un reparto sólido, se convierte en una película de cita obligada para los hambrientos de propuestas diferentes.
Fincher, nacido en Denver (Usa), comenzó a hacer películas a la temprana edad de ocho años con su cámara de 8 mm. Se salto la escuela de cine y empezó a trabajar cargando cámaras y haciendo trabajos manuales para una compañía importante y participo de films como ‘El Retorno del Jedi’ o ‘Indiana Jones y el templo maldito’. En 1985 comenzó su carrera en los video clips con el documental musical ‘The Beat of the Live Drum’ (1985) sobre el músico Rick Springfield. El reconocimiento le llegó rápido y dirigió videos para bandas como Rollings Stones, Aeromith, Madonna, entre otros.
En 1986 fundó la productora Propaganda films que también incursionó en publicidad haciendo comerciales para Revlon. Nike, Pepsi, etc. En el año 1992 empezó su carrera en el cine con una cinta por encargo ’Alien 3’, que figura como una de las películas con más alto presupuesto para un director debutante, aunque fue un fracaso de taquilla y tuvo mala crítica. En 1995 sorprendió a todos con ‘Seven’, un ejemplo del mejor cine negro, un thriller psicológico que marco una pauta tal que le siguieron innumerables films sobre asesinos metódicos que nunca alcanzaron la calidad de la película original: con una narrativa potente y visualmente fascinante.
CREATIVIDAD EN EL MIT, LOS LIMITES DEL SISTEMA
Abril 26, 2009
Por Juan José Díaz Infante
jdiazinfante@altamiracave.com
El fin del mundo se parece a lo que ha estado sucediéndo aquí en México los últimos tres días. Crisis económica, las escuelas cerradas, prohibido ir a discotheques, restaurantes y bares cerrados, museos y conciertos suspendidos, parques públicos cercados por el ejercito para que nadie entre...
México DF, la Ciudad más grande del mundo, más contaminada, 30% más insegura cada año, con decapitados, secuestrados y asesinados, con riesgo de grandes terrremotos, ahora es el foco de una epidemia global de un nuevo virus de influenza. Misma que esta siendo comparada a la gripe española, la más terrible epidemia. Creo que es el momento tardío de darnos cuenta de que nuestro estilo de vida ha llegado a su límite. Qué necesita pasar para entender simples principios de lógica como causa y efecto. Hay una filosofía que se aplica a la vida de un disco duro, esta filosofía es el saber que un disco duro es finito, ergo hay que preveer el final, no es un accidente de quizá fallará. Esto es finito. Es más que obvio que el problema no se puede resolver de la misma manera que se creo y, por supuesto, hay que resolver el problema de raíz, es inútil resolver solamente los síntomas del problema, es como tratar de curar una pneumonía con pañuelos desechables Kleenex.
La imagen del presidente Calderón y sus asociados, el cual todavía discute si tiene o no gobernabilidad del país, si está controlando al narcotráfico, si hay una campaña de desprestigio orquestada por Forbes y Southpark entre otras muchas disicusiones, es evidente que nuestros dirigentes no están preparados para el presente, menos para el futuro.
En un esquema global, en un sistema interdependiente, una pieza de dominó que cae tira a todas las demás, no importa si es la mula de seises o el doble cuatro, si es del principio o del final. Es evidente la fragilidad del sistema y la erosión constante que ya permite definir un límite visible del futuro.
Paseo frente al parque Bustamante
(óleo sobre tela, mención honrosa Concurso "Boca de Ratón" Museo Mavi)
CAROLA RAMÍREZ
EMERGENTE Y VANGUARDISTA EXPONENTE DEL ARTE FIGURATIVO
Por Pierina Cavallo
Son las siete de la tarde y el sol comienza a ocultarse en Santiago. En pleno Parque Bustamante, cerca del centro de la ciudad de Santiago, la diseñadora gráfica y artista visual chilena, Carola Ramírez Iturra, aprovecha hasta el último vestigio de luz para tomar sus fotos, las cuáles se convertirán en cuadros y pinturas que aportarán un aire refrescante al arte y vanguardia en Chile.
La artista ya cuenta con una vasta experiencia que no se puede pasar por alto. Aunque ha pintado y dibujado desde siempre, comenzó su carrera de manera más formal tomando un curso de Dibujo en el Centro de Extensión de la Universidad Católica. Posteriormente, se tituló de Diseño Gráfico de la Universidad Diego Portales, y dos años más tarde, estudió pintura en la Escola Massana de Barcelona. En nuestro país, la artista también ha logrado reconocimiento, pues obtuvo una Mención Honrosa en el II Concurso Mavi Bicentenario de Arte Joven 2007 “Boca de Ratón”, en el cual fue una de las siete finalistas entre ¡Mil participantes!
En entrevista con Escanner Cultural, Carola Ramírez se explaya sobre su particular estilo y lo que la motiva en sus creaciones.
-¿Cómo describirías tu estilo?
Pienso que mi pintura es el fiel reflejo del mundo que me rodea. Mis conocimientos y experiencia en el área del diseño gráfico, el arte, y mi admiración por la arquitectura han aportado su gran cuota, así como también ha sido fundamental mi observación hacia las personas en su hábitat cotidiano.
“Amo salir a recorrer mi barrio en las tardes de sol, pues para mi es fuente de inspiración todo el recorrido, los niños en las piletas publicas, la señora que compra el pan, la pareja de enamorados, la persona solitaria sumida en sus más profundos pensamientos, las amigas en el café, el perro callejero que se acerca amigablemente, como también la soledad de ciertos espacios, lo que se deja al paso, lo que alguna vez estuvo allí, el testimonio de la vida, la presencia y no presencia del ser humano en su entorno.
Mi pintura se nutre sobre todo de la riqueza interior y exterior de ese mundo”, recalcó.
-¿Cómo ha evolucionado tu obra a través de los años?
Partí en la pintura y la ilustración experimentando con el surrealismo, incluso con la abstracción, pero ahora mi pintura es figurativa con ciertos toques gráficos, lo cual me hace muy feliz. Es el estilo que más se adapta a mi visión actual del mundo y a lo que yo quisiera mostrar de él; por otro lado, tal vez me he vuelto más contemplativa y enfocada en ver que pasa alrededor, no quiero perderme ningún detalle, sin embargo, incluso cuando experimente con otros estilos pictóricos, siempre mi atención estuvo centrada en el ser humano y sus espacios públicos y privados, en la cotidianeidad de su existencia.
Con los años ha habido cambios en el tratamiento estético, pero la esencia y el alma siguen siendo la misma.
BIENAL DE POESÍA EXPERIMENTAL DE EUSKADI 2008
EUSKAL HERRIKO POESIA ESPERIMENTALAREN BIURTEKOA
Informe: Clemente Padín
La propuesta que aquí presentamos bajo el epígrafe Bienal de Poesía
Experimental de Euskadi, punto de encuentro de la poesía del resto del mundo, centra su atención a una vertiente de la creación poética llamada experimental: visual, visiva, concreta, objetual, verbofónica, fonética, cibernética, espacial, performática, de acción. Con la organización de esta bienal pretendemos abrir una nueva puerta a poetas y creadores, poner en valor la expresión poética, facilitar el acceso de los ciudadanos a la
expresión artística, la creación o, lo que es lo mismo, la poesía.
Entendemos que la poesía está en la raíz de todas las artes y que existen
procesos creativos que, hasta la fecha, han rehuido toda sistematización exhibiendo así su difícil encaje en los grandes bloques, tanto de las Bellas Artes como de las Bellas Letras. Lo cual nos ha llevado a rastrear ejemplos de estas formas de creación raras, incómodas y complejas en un gran número de autores, en publicaciones especializadas y en ediciones muy minoritarias, por el hecho de ser limitadas, que en la mayoría de los casos deben su existencia al empeño de los propios creadores. En consecuencia, queremos propiciar este encuentro de corrientes, tendencias y "operadores" con el público, así como el debate y el análisis sobre nuestra realidad cultural y artística; una realidad mucho más rica y compleja de lo que muchas veces se está dispuesto a admitir. Pensamos que en algunos casos revelará la diversidad y pluralidad de recursos estéticos y, en otros, simplemente servirá para darle nombre a emociones que subyacen en el inconsciente colectivo.
SEVEN POUNDS: LA BUSQUEDA DE REDENCION
Fernanda Bargach-Mitre
ojoadicto@gmail.com
El director italiano, Gabriele Muccino, cuya primera incursión e Hollywood fue The Pursuit of Happyness, repite con Will Smith en el papel principal en Seven Pounds, un film de gran potencia dramática, con una historia sobrecogedora muy difícil de olvidar. Realizado con pericia, su fotografía es maravillosa, con el acento puesto en dar prioridad a los personajes a través de primeros planos y cámara en mano. Se trata de un film resaltante, de gran contundencia emotiva, con una trama compleja y actuaciones fenomenales. Sin duda, una propuesta interesante.
ROCKNROLLA: RITCHIE VUELVE A SUS RAÍCES
Fernanda Bargach-Mitre
ojoadicto@gmail.com
Guy Ritchie, fue muy prometedor en sus inicios con el éxito "Lock, Stock and Two Smoking Barrels" en 1998, a la que le siguió una cinta aún mejor, Snatch (2000) esta vez respaldada por una compañía cinematográfica importante y contando con actores reconocidos como Brad Pitt, Benicio del Toro y Dennis Farina, entre otros. Experto en retratar el Londres actual y el submundo criminal que yace bajo el mismo, que este director sabe explotar con magníficos personajes, un ritmo narrativo frenético, y un sello visual particular. En RocknRolla, el realizador vuelve a sus raíces, después de varios fracasos, vivificando un género que maneja a cabalidad.
La película es un viaje arrollador de acción y crimen, ambientado en la Londres actual, que desde su mero inicio nos revela su fuerza visual, cuya trama versa alrededor de un mafioso ruso que organiza un acuerdo de compraventa ilegal de terrenos, hay millones de dólares en juego, y todo el mundo de la delincuencia londinense quiere participar. Todos, desde un peligroso señor del crimen hasta una sexy contable, un político corrupto y unos ladrones de poca monta que están pasando una mala racha conspiran, se alían y se enfrentan entre ellos con la intención de hacerse ricos rápidamente. Realizada con un fuerte contenido expresivo y una característica estilización visual, robos, asesinatos, chantaje, tortura, venganza son los elementos que aderezan la cinta.
Antología Apropiacionista
de la Poesía Visual Española
por César Reglero
Ediciones Corona del Sur
PRESENTACION DE MANUEL CALVARRO
Por si alguien no lo tenía claro César Reglero demostrará con esta Antología que la Poesía Visual es un movimiento para el cual el apropiacionismo no solo no es un delito, sino que por el contrario, se convierte en un ingrediente enriquecedor de los acervos culturales de los que la practican y de los que la contemplan.
Si pensamos que muchos poetas visuales han salido de las filas del Mail Art, tal vez el movimiento artístico más libre y desinteresado que existe; alejado de las autopistas que conducen a cualquier destino crematístico, para el que vale todo lo que pueda conducir a la realización de la obra, (incluida la manipulación de imágenes ajenas) que una vez terminada será enviada a una dirección de correo, con el único interés del intercambio; podremos entender muchísimo mejor que el apropiacionismo hecho sin motivos económicos, sea una parte necesaria a la que pueda recurrir el artista poético visual, que por otro lado y como ser vivo racional, está obligado a compartir la información que recibe por sus sentidos.
PARTICIPACIÓN ACTIVA DEL ARTE EN LA COMUNIDAD
Autores:
Dra. Lic. Silvia Leonor Agüero
Arq. María Elna Cappelli
Cuando el arte amplia su ámbito tradicional de representación, surgen acontecimientos como este, donde se pone de manifiesto una vez más la capacidad de la imagen para impactar en el espectador, en este caso ciudadanos comunes, de diversos niveles y formaciones, que al recorrer cotidianamente las calles de su lugar, de repente descubren una nueva imagen, un mensaje cifrado que los motiva a continuar lo cotidiano con una nueva visión del artistas.
Y es que artistas de esta pequeña ciudad de Aguilares, en la provincia de Tucumán, Argentina, motivados por el acuciante problema del alcoholismo en la juventud, convinieron en participar en la ejecución de murales entro del contexto urbano que fueran un llamado de atención a todos los ciudadanos sobre lo perjudicial del alcohol sobre su vidas y por extensión, la sociedad toda.
El proyecto se llevó a cabo por la gestión conjunta del proyecto de investigación del CIUNT (Ciencia y Técnica de la Universidad Nacional de Tucumán): “PRODICO” (“La producción, distribución y consumo del Arte de Tucumán y su relación con las políticas culturales. Innovación y renovación de lenguajes”) y el IPLA (Instituto Provincial de lucha contra el alcoholismo)
Los proyectos pertenecen a alumnos del Departamento de Artes Plásticas de Aguilares, dependiente de la Universidad Nacional de Tucumán, y se pudieron ejecutar gracias al apoyo brindado por las autoridades de la Municipalidad de la ciudad de Aguilares.
Notas muy personales sobre el tercer encuentro
inclusiva-net
2 al 5 de marzo 2009 – Buenos Aires
El tercer encuentro inclusiva-net tuvo una sostenida calidad en las presentaciones de sus ponentes, así como diversidad de enfoques y cruces epocales, entre teorías, producciones y autores.
Desde el punto de vista de la reunión de personas, para los autores latinoamericanos fue una instancia más bien excepcional en la reunión de artistas de la primera época (Brian Mackern, Gustavo Romano, Arcangel Constantini, Marina Zerbarini) y una notable ausencia de invitados de la segunda época, quienes estuvieron sólo en las referencias de algunos trabajos presentados, y en algún caso, como público asistente (Inés Martino, Ciro Museres, Leonardo Solaas, Emiliano Causa, entre otros).
Lo que sigue son breves comentarios de notas muy personales tomadas durante las ponencias y la sesión del grupo de discusión, que espero les sirvan de punto de partida para seguir leyendo y como adelanto sui generis de lo que será la publicación de medialab prado.
Pido disculpas a algunos de los notables ausentes en estas notas rápidas, originalmente tomadas en con una intención personal y “escolar” (Gustavo Romano y Brian Mackern en la mesa redonda de artistas latinoamericanos, la presentación de e-latina de Daniel García Andujar o Patricia Gouveia y su disertación sobre juegos) por que en algunos momentos las condiciones técnicas no me permitieron tomar notas. (nota para organizadores de eventos de arte y tecnología: necesitamos enchufes para notebooks distribuidos en todo el auditorio).
Muchos de los enlaces referidos en estas notas están almacenados en http://delicious.com/lila/ entre las fechas 2 a 6 de marzo 2009. Adelanto mis disculpas por las omisiones y los errores de interpretación que las notas puedan tener, especialmente los de las conferencias en inglés.
Sobre la sesión del grupo de discusión:
Estaban previstas 3 sesiones del grupo de discusión, pero se realizaron 2, con mucha participación de los asistentes y ponentes. La dinámica y el poco tiempo disponible permitió presentar a cada participante muy brevemente sus actividades e intereses, y significó la reducción del tiempo de discusión de ideas, lo cual es un punto a revisar en lo organizativo, especialmente desde el punto de vista de las dinámicas locales en donde no es fácil lograr el nivel de interacción entre los participantes, de ambos lados del auditorio, que vimos darse en las charlas y sus preguntas posteriores en este encuentro.
POSTDATA
PROYECTO Y MUESTRA INTERNACIONAL DE MAIL ART & NET ART
CENTRO DE ARTES – UNIVERSIDAD EAFIT
MEDELLÍN – COLOMBIA
23 DE OCTUBRE A 21 DE NOVIEMBRE DE 2008
PARTE III
EL COPY ART O ARTE DE LA COPIA
UN MODELO ACTIVO EN LA RELACIÓN ARTE - TECNOLOGÍA EN EL MAIL ART
One One Two Editions / Reed Altemus / P.O.Box 52 / Portland / Maine / 04112-0052 / Edition:100
Por Tulio Restrepo Echeverri
e-mail: tulio.restrepo@une.net.co
El Copy Art, también denominado como Electrostatic Art, Xerox Art, Xerografía, Electrografía o Arte de la Copia, aparece en la escena artística en los años 60 como medio precursor en el uso de tecnologías aplicadas al arte, gracias a Ray Johnson fundador del movimiento del Mail Art y a sus seguidores en la Escuela de Arte por Correspondencia de Nueva York.
Este grupo puede considerarse como la primera generación pionera en la utilización de la fotocopia como medio alternativo de reproducción serial de imágenes y documentos al usar el procedimiento electrofotográfico inventado por el estadounidense Chester Floyd Carlson (1906 - 1968) quién junto a Otto Kornei, en 1938, experimenta con cargas electrostáticas en seco y materiales fotoconductores modificando sus propiedades eléctricas al ser expuestos a la luz con el fin de obtener una imagen por transferencia en blanco y negro.
Nueve años más tarde, en 1947, la empresa denominada inicialmente "The Haloid Company", antecedente comercial de la Xerox Corporation fundada en Rochester, New York, en 1906, productora y comercializadora de papel fotográfico, obtuvo del Battelle Development Corp., la licencia para desarrollar una máquina copiadora basada en la tecnología del inventor Chester Carlson. En 1949, Haloid Company comercializa el proceso en la copiadora Modelo "A", y posteriormente produce y patenta la primera fotocopiadora automática de oficina en 1959, la Xerox 914, denominada así por el formato máximo de papel que admitía, 9 x 14 pulgadas.
Ray Johnson incluye oficialmente en 1962, año de la fundación de la Escuela de Arte por Correspondencia de Nueva York, uno de estos modelos reprográficos para reproducir y multiplicar los registros de cartas, sellos postales y composiciones originales posteriormente circulados en la naciente red de arte postal originada desde su base.
LA POESÍA, CADA VEZ MÁS PLURIFORME
BAJO LAS MANIFESTACIONES DE LO POÉTICO
Entrevista: Antonio Orihuela
WAY OUT
La poesía dejará de ser una cosa triste cuando empiece a tener que ver con la vida de la gente, cuando la gente vuelva a ser la que decida qué hacer con sus vidas y con las palabras, mientras tanto, todo esto que hacemos seguirá siendo literatura.
Antonio Orihuela.
Desde México: César Horacio Espinosa Vera
En noviembre de 2008, el poeta Antonio Orihuela, de España, visitó México. Hizo la presentación de algunos de sus libros, varios de los cuales también hizo llegar a nuestra X (la última) Bienal Internacional de Poesía Visual-Experimental, dentro del llamado para hacer de ésta un foro orientado a debatir y poner en revisión el estatuto del texto sonorovisualgestual y redimensionarlo ante y mediante los recursos que ofrecen el conocimiento y la tecnología de nuestros días.
Intervención en Saltillo, México
Un importante libro recibido es ARCHIVO DE POESÍA EXPERIMENTAL. CRONOLOGÍA 1964-2006, que recoge y ordena los principales acontecimientos acaecidos desde el surgimiento de la poesía visual en España hasta la actualidad. Ofrece un vigoroso enfoque analítico y crítico para situar los alcances y las perspectivas de ese movimiento en el país ibérico.
Dibujo inédito de Antonio Vitale para Marcela Saldaño, 2007.
Versión en alto contraste.
DE SOLES, HOYOS NEGROS Y CUERPOS PENSANTES: UNA LECTURA CRIOLLISTA DE UN OJO LLAMADO CACERÍA (2008), POEMARIO DE MARCELA SALDAÑO
Por: Carolina Benavente Morales
Vengan los lobos que pastan en los orificios salvajes del cuerpo
a la hora en que en el albergue eclíptico
se encuentran mi luna y tu sol
Aimé Césaire, 1939
La primera vez que conversamos con Marcela Saldaño (Santiago, 1981), ganadora del Concurso Nacional de Poesía Eduardo Anguita 2008, ella me dice: “mi poeta favorito es Aimé Césaire”.
