Escáner Cultural

REVISTA VIRTUAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO Y NUEVAS TENDENCIAS

ISSN 0719-4757
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EN EL CASO DE UNA MOSCA

doodle 322

Por Juan José Díaz Infante

Jdiazinfante@altamiracave.com

Dedicado a la memoria de Ángel Cósmos, Daizuke y Eduardo Vélez.

Hace unas semanas en el Centro Cultural Español en México DF (28 enero), se presentó el libro "Video Arte en Latinoamérica, una visión crítica" por Laura Baigorri en el Centro Cultural Español. Fui invitado a una mesa redonda, junto con Elías Levín y Alfredo Simón, De alguna manera los tres coincidimos en hacer una revisión de aspectos y de puntos de interés propio, pero que en realidad no eran una forma lineal de ver las cosas, sino que en realidad estabamos comentando efectos espaciales del ambiente del video en México.

Hablando de video y museos

En mi caso fue el redifinir los puntos que creo que son importantes son dos  sentidos:

La manera de creación y la manera de observación: Son dos caminos distintos.

Si nos ocupamos  de la creación de obra de arte, la creación de arte utilizando el video como herramienta, Nuevamente las diferencias entre las artes electrónicas, entre el Silicio y el Video, la aplicación de criterios en un punto geográfico como México y luego Latinoamérica, errores y vicios de Latinoamerica en la evaluación de su propia identidad,  las influencias del Eurocentrismo, Neo Eurocolonialismo (México como lugar de saqueo),  Hector Falcón hizo una intervención al final de la mesa en referencia al panel de discusión diciendo que todos habíamos en algún momento cooperado con el gobierno en sus productos culturales y que si eso era un doble discurso. Laura comentó que a final del día todos nos prostituímos, unos con causa y otros sin ella.

 

ENTREVISTA SOBRE ARTE CORREO
Contexto Latinoamérica

 

de TULIO RESTREPO a CLEMENTE PADIN


 

TR.- ¿Cuándo inició su trabajo como Artista Correo?

 

CP.- Mis tempranas experiencias en arte correo datan de 1967 cuando con mis amigos y colegas latinoamericanos Edgardo Antonio Vigo, Guillermo Deisler y Dámaso Ogaz comenzamos a intercambiar nuestras revistas y obras: Diagonal Cero, Hexágono 70, Ediciones Mimbre, La Pata de Palo, OVUM 10 y Los Huevos del Plata. En 2009 se cumplirán los 40 años de la edición de mis 5 Poemas Visuales a cargo de la revista uruguaya OVUM 10, nro. 10, Setiembre 1969, dando inicio, oficialmente, a mis actividades en esta rama del arte. También aparecía en una de las primeras listas de artistas correo, el International Image Exchange Directory (Acon  Books, Vancouver, 1972) y participé en la mítica exposición Omaha Flow Systems, Omaha, Nebraska, USA, también en 1972. En 1974, en plena la dictadura militar, organicé la primer exposición documentada de arte correo en Latinoamérica, el Festival de la Postal Creativa en la Galería U de Montevideo y editaba la segunda época de OVUM.

MILK DEL INDOMABLE GUS VAN SANT

Fernanda Bargach-Mitre

ojoadicto@gmail.com

Milk la última película del polémico y versátil director Gus Van Sant, es sin duda una cinta digna de ser vista, no solo por su excelente realización y cuidados detalles sino por la trascendencia de su mensaje. Harvey Milk fue un idealista y perseverante defensor de los derechos civiles de la comunidad homosexual, que pagó con su propia vida, la osadía de su lucha y los logros obtenidos. Van Sant no solo nos relata un fragmento de la vida de Milk, sino que hace un retrato de una sociedad donde los visionarios parecen terminar cruelmente asesinados.


Gus Van Sant nos demuestra en su último film que sigue en forma con su ojo crítico y su particular estilo narrativo. Se trata de un director y guionista (a veces también editor y productor), que desde sus inicios causó polémica, tocando temas candentes, planteando diferentes acercamientos visuales, innovando con la cámara que usualmente acompaña y apoya la narrativa. Entre sus cintas más interesantes se encuentran: Drugstore Cowboy (1989), de la cual también fue guionista, galardonada en el Festival de Berlín, en Los Independet Spirit Awards, entre otros. Una cinta tipo western y 'road movie' que nos presenta el mundo de las drogas desde un punto de vista dramático y diferente. Con un Matt Dillon impresionante, el film es movilizador y retador a la vez. En 1991 realizó My Own Private Idaho, nuevamente como director y guionista, un película independiente, protagonizada por el desaparecido River Phoenix y Keanu Reeves, El personaje de Reeves se basa en el de Enrique V de Shakespeare. La película obtuvo varios galardones, incluyendo el de mejor actor en el Festival de Venecia de ese año, es uno de los clásicos de cine gay y una historia de amor y amistad desgarradora. En 1995 entregó To Die For, una comedia dramática con un toque fascinante de humor negro mezclado con crimen, con un excelente rol principal por el cual Nicole Kidman fue ampliamente premiada llegando a ganar un Globo de Oro. En 1997, hizo una película más accesible al público en general: Good Will Hunting, la historia de un genio (Matt Damon) proveniente de los suburbios que tiene serios problemas para abandonar sus afectos conocidos y desarrollar su talento. En 1998 se atrevió a hacer el remake de Psycho de Alfred Hitchcock. La película fue muy mal recibida por la crítica y quizás fue algo incomprendida ya que su director dijo estar haciendo un homenaje a Hitchcock por lo que está filmada cuadro por cuadro igual que la original, con los mismos movimientos de cámara y exacta edición, solo agregando los beneficios de la tecnología. Aunque está bien realizada se hace muy difícil superar u olvidar, la versión original. En el 2000 hizo un film hollywoodense pero consistente: Finding Forrester, con Sean Connery como un recluso novelista que es encontrado por un joven aspirante a escritor afroamericano que termina convirtiéndose en el pupilo del huraño señor.

THE WRESTLER: DOS OUTSIDERS QUE LO LOGRAN

Fernanda Bargch-Mitre

ojoadicto@gmail.com

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Darren Aronofsky es un director de culto que jamás se ha casado con Hollywood, cuyas cintas despiertan polémica, odio y devoción por igual y que tienen la indiscutible firma de su creador. Mickey Rourke, estaba considerado un actor de segunda, recordado como el galán de los ochenta por Nueve Semanas y Media, que a pesar de haber demostrado en cintas como Rumble Fish (1983), Barfly (1987) y la reciente Sin City ( 2005) donde nos brinda un performance inolvidable, todos lo consideraban un fósil del pasado destinado a papeles segundones en producciones irregulares. Ambos demuestran en The Wrestler que están más que vigentes, que derrochan talento en sus áreas, con un film intenso, maravilloso, aunque duro de digerir, que es sin duda una de las mejores películas estrenadas este año.


Si retomamos los comienzos de Darren Aronoksky, su debut con PI (Mejor película en Sundance 1998), de la cual también fue guionista, se develó, sin duda un talento en bruto con un film profundo, intrincado y fascinante. La historia del matemático, que basado en la teoría del Caos (según la cual pequeñas cosas pueden causar grandes cambios) intenta descifrar el mundo bursátil, deslizándose peligrosamente entre un gran descubrimiento y la locura, logra quedarse en el espectador como un gran interrogante. Su segundo film ‘Requiem for a dream’ revelaba mayor profesionalismo y un mayor presupuesto que el director utilizó innovando con las cámaras y la edición al punto de utilizar más de cien efectos distintos para recrear un mundo de carencia de afecto y autodestrucción. Una cinta donde la protagonista es la adicción, monstruosa y con vida propia, que se va apoderando de los personajes. Por último en el 2006 nos entregó The Fountain, una película que medita sobre los conceptos de la vida y la muerte a través de una historia desgarradora y poética. Aronofsky hace el cine que ama, poniendo un énfasis importante en la innovación visual, en contenidos desafiantes y en mover el mundo emocional del espectador en un ejemplo del mejor cine de autor.

THE READER: INTIMISTA Y CONTROVERSIAL

Fernanda Bargach-Mitre

ojoadicto@gmail.com

 A primera vista, The Reader (2008), habla en su sinopsis de la historia sobre una mujer, con un secreto, relacionada con la SS alemana, por lo cual es fácil pensar que se trata de otra trillada película sobre la segunda guerra. Para los que no son fanáticos del género histórico puede parecer aburrida y poco atractiva. Nada más alejado de la verdad, The Reader, presenta un acercamiento a la Alemania de la Post Guerra a través de una historia de amor y redención sumamente emotiva, engranada de manera tal que mantiene completamente nuestra atención alternado entre el pasado y el presente, en un acercamiento original y polémico al Holocausto, que deja bien claro que si bien hubo culpables directos, todo la humanidad fue responsable y cómplice por permitir que eso pasara y no decir o hacer algo al respecto. Sin duda, una cinta intensa que se nos queda grabada en la memoria.

Stephen Daldry es un experto en cautivar las emociones del espectador a través de su cine, como ya lo hiciera con la conmovedora Billy Elliot (2000) y The Hours (2003) siendo por ambas nominado al Oscar como mejor director, entre otros incontables reconocimientos. Desde su primer largo ha demostrado que lo suyo es buen cine y se ha ido superando así mismo en cada nueva entrega. The Reader, su último film, es sin duda el mejor que ha realizado hasta ahora, con una maravillosa dirección de actores, hermosa factura visual, interesante hilo narrativo pero por sobre toda las cosas una historia movilizadora que nos toca la fibra interior al tiempo que nos hace reevaluar nuestras convicciones.

 

REVOLUTIONARY ROAD: EL ESPEJISMO  DEL SUEÑO AMERICANO

Fernanda Bargach-Mitre

ojoadicto@gmail.com

 

Sam Mendes, vuelve a poner el ojo en las falencias de la sociedad norteamericana, como ya lo hizo en su opera prima Belleza Americana (1999) por la cual fue ampliamente galardonado. En Revolutionary Road, el director retoma la falsedad del "american way of life",  a través de la historia de una pareja y su evolución entre los años cincuentas y sesentas, cuando el sueño americano estaba en boga. Mendes nos muestra sin miramientos las frustraciones de este matrimonio "atrapado" en un estilo de vida que los  asfixia y el intento de ambos de buscar otra forma de vivir. Sin duda, una cinta difícil que nos enfrenta  a un drama descarnado que moviliza los sentidos y el intelecto.

 


MARGOT KIDDER: EL DESTINO POST SUPERMAN

 

 

Por Álvaro Oliva

Para los que fuimos niños, hace más de dos décadas, es imposible olvidar la película “Superman” y su personaje Lois Lane, aquella delgada periodista que luchaba por entregar un buen trabajo a su esquizofrénico jefe de redacción. La reportera era representada por la artista canadiense Margaret Ruth Kidder, nacida el 17 de octubre de 1948.

 

POSTDATA 

PROYECTO Y MUESTRA INTERNACIONAL DE MAIL ART & NET ART
CENTRO DE ARTES – UNIVERSIDAD EAFIT 
MEDELLÍN – COLOMBIA 
23 DE OCTUBRE A 21 DE NOVIEMBRE DE 2008

 

PARTE II
 

El SOBRE COMO SOPORTE POÉTICO VISUAL


Sobre de Arte Postal (tiro), por Vittore Baroni - Italia - 2008

 

Sobre de Arte Postal (retiro), por Vittore Baroni – Italia - 2008

 

Por Tulio Restrepo Echeverri
e-mail:
tulio.restrepo@une.net.co



El sobre en el Mail Art actúa a la vez como empaque y soporte creativo para el envío de la correspondencia. Este puede ser utilizado básicamente de dos maneras. Discretamente para introducir documentos u objetos diversos añadiendo los datos del remitente y del destinatario acompañados por el franqueo postal o registro de envío, alterando por parte de los artistas la normatividad oficial que estandariza su disposición.

A sí mismo, fabricando el sobre o interviniendo su forma, superficie y apariencia objetivo de la acción artística al escribir, marcar, pintar, rotular, hacer collage, doblar, cortar, sellar, fotocopiar, transferir y adhesivar mensajes contextuales haciendo pública su identidad, promocionando sus proyectos y comunicando directamente sus imaginarios de acuerdo al intercambio entre las partes o la especificidad de la convocatoria.

Escáner Cultural nº: 
113

 

MAN IN TRANSIT PLAY V

FESTIVAL INTERNACIONAL DE VIDEO Y PERFORMANCE

Por Silvio De Gracia

            En noviembre del pasado año, se desarrolló en las ciudades de Junín y Pergamino, en la provincia de Buenos Aires, Argentina, el Festival Internacional de Video y Performance PLAY V man in transit.  Organizado por HOTEL DaDA Arte Acción, y bajo la curaduría general del autor de esta nota, en esta edición se apostó a producir un festival doble, puesto que al tradicional programa de video, se sumó un programa de performance con la presencia de artistas invitados de gran relevancia internacional.

 

El festival se desarrolló durante 4 jornadas, del 12 al 15 de noviembre, fundamentalmente en el seno de instituciones vinculadas a la formación artística, dado que se planteó llevar los lenguajes del video y la performance a aquellos espacios que pudieran ser más receptivos al mismo, más allá de los ámbitos tradicionales de exhibición.

 

FUNDAMENTOS DEL ARTE DEL SIGLO XX

 

 I. EL ORIGEN DE LAS VANGUARDIAS 

 

Mario Rodríguez Guerras

Para entender el arte del siglo XX hasta hoy debemos considerar dos cuestiones: el hombre que le realiza y la definición del arte.

 

El hombre de esta época podemos considerarle, en lo que afecta a sus creaciones, por dos aspectos: en primer lugar, por la exigencia de mayores precisiones en sus definiciones, es decir, por una creciente fe en la ciencia y en la razón. Pero, en segundo lugar, por una consideración a las formas incluso antes que al contenido.

 

En cuanto al arte, podemos hacer la siguiente definición: en su aspecto externo, es la trasformación de la materia mediante el uso de una técnica para realizar una representación. En su aspecto interno, es la aspiración a presentarnos una idea.

 

Cuando Maurice Denis estableció que un cuadro era, antes que la representación de una escena, una superficie cubierta de colores, estaba estableciendo, no la definición de la obra de arte, sino la necesidad de estudiar la obra de arte y, además, de hacerlo conforme a las exigencias del hombre de su época, es decir, mediante principios racionales o ideológicos.

 

Artista chileno y argentino (Ricardo Villarroel y Fernando Traverso) en la ciudad de Rosario Argentina. Septiembre del 2008

 

Nomadismo estético y poéticas de la identificación. Notas sobre el viaje como soporte de producción imaginal.

Mauricio Bravo Carreño

Pensar el arte en su actualidad nos exige, dadas sus estrategias de desplazamiento continuo, el salir y el entrar de un sitio reconocible a otro por conocer, me refiero con esto, a que las lógicas del arte actual son similares a las inclemencias y azares presentes en toda experiencia de viaje, es decir, lo actual del arte es justamente aquella zona de fragilidad y acontecimiento abierta por sus idas y venidas. Esta dimensión de creciente movilidad en la que han ingresado las obras contemporáneas no solo plantea  una serie de conflictos, que atañen a las características y los datos de identidad de las obras, alterando sus modos de significar y sus horizontes temáticos, sino que, a mi parecer tal movilidad de lo visual produce una crisis al interior de las tramas referenciales en si mismas, generando un conjunto disímil de propuestas, en las cuales, lo visible se comporta o se manifiesta críticamente a través de la puesta en circulación de valores de diferencia  y estrategias de interdicción.

 

Ya lo enunciaba Estrella de Diego en su articulo titulado ¿Salir de viaje o quedarse en casa? al rematar el texto con la siguientes preguntas: ¿Cómo debiera verse el arte contemporáneo en un momento en el cual todo se mueve, todo se descontextualiza?, ¿Es posible contextualizar y, más aun recontextualizar?. Lo que la crítico española desarrolla aquí, es un cuestionamiento de la mirada primero; en relación a sus objetos de deseo, y segundo; en su dimensión de globalidad. En efecto para Estrella de Diego la mirada y lo visto en el contexto global se materializan como actos y presencias sin fondo, realizados mutuamente en un espacio que carece de marcos estables de representación. Sin embargo, este girar en el vacío de agentes identitarios no supone vaciamiento o des fundamento de lo visual, al contrario, implica que la naturaleza de la mirada en su praxis contingente, se constituye a partir de la observancia de objetos fantasmáticos,  que por su propia constitución sintomática exploran un territorio de posibles por venir, de allí se deduce su forma critico liminar, dado que si ahora hay algo que ver (en arte) es justamente el espectáculo de lo que vendrá.

 

Este carácter anticipativo e incluso premonitorio del fenómeno estético actual, es lo que a mi modo de ver, desplaza lo artístico desde su presencia sedentaria a una fase de nomadismo semiótico, pero por esta misma razón, es lo que hace actuar dicho fenómeno en un más allá de su condición cósica, ingresando así, en un campo trans-cultural, compuesto de catéxis y contra catéxis identitarias. Claramente lo puesto en obra no son significantes localizables territorialmente, sino inversamente, lo puesto a ver son complejas experiencias de traslado socio-culturales, cuyas significaciones híbridas y polivalentes generan zonas de intercambio figural diferidas espacial y temporalmente. Cabe destacar aquí, que estas nuevas zonas de canje discursivo, abiertas por las practicas visuales ya no organizan su espacio de producción en relación dialéctica a un otro cultural idealizado y estigmatizado de renovador y rupturista (gesto propio de las modernidades productivistas y primitivistas, Foster) sino que,  se manifiestan a través de agenciamientos clandestinos, en cuyas redes se desarrolla una economía de lo cotidiano otro, fundada específicamente en operaciones de  tráfico y trueque  de realidades simbólicas en estado de frontal alteridad.

 

Debido a esto, las tendencias artísticas contemporáneas, nos exponen un agenciamiento visual polarizado entre; por una parte artistas que siguen insistiendo en las posibilidades semánticas de las poéticas de la identidad, ancladas en un entre comillas sólido suelo referencial y por otra aquellos que desconfiando de las determinaciones ideológicas de dicha geografía, apuestan por la articulación visual de políticas de identificación, asumiendo el ejercicio plástico como una labor de cartografiado alternativo y de creación de rutas paralelas a las contenidas en los mapas virtuales de la economía global. En este contexto estético lo puesto en tensión son específicamente las fronteras ontológicas que delimitan, dando forma, a una subjetividad desterritorializada, y de acuerdo a esto, es que las obras se han convertido en documentos de valor incalculable, ya que al no haber parámetros o modelos de conocimiento de una situación tan reciente se hace necesario el desarrollo e implementación de memorias estéticas que sirvan de soporte de inscripción para futuros territorios de significación y sentido. Las obras de este modo,  son una suerte de pasaporte abierto que adquiere valor de acuerdo a las capacidades que despliegue en su poder de credenciar, resingularizando,  materias, palabras, sensaciones, emociones etc. que en el presente permanezcan invisibles o inaudibles para los actuales instrumentos de comunicación.

 

 

EL MONJE Y EL ARLEQUÍN: DIÁLOGO POESÍA-CIENCIA
Entrevista con Ladislao Pablo Györi

 

 

 

En el pensamiento científico siempre están presentes elementos de poesía. La ciencia y la música actual exigen de un proceso de pensamiento homogéneo.

            Alberto Einstein

Desde México: César Horacio Espinosa V.

En su intervención durante el Primer Encuentro de Poesía Experimental (Montevideo, Uruguay, 28-31 de agosto, 2008), el poeta virtual e ingeniero electrónico Ladislao Pablo Györi, de Argentina, hizo una exposición autobiográfica sobre los vasos comunicantes entre la poesía y la ciencia, o bien entre la creatividad artística y la científica. La ponencia se denominó “Virtual recorrido en 25 años”, que tomamos aquí como base para entrevistarlo.

Proyectos de escultura en CAD (1988)

En sus conclusiones, nos plantea que las tecnologías de simulación aportan no sólo una solución funcional u operacional de extrema relevancia para el mundo de la información digital, sino que producen, fundamentalmente, una verdadera revolución epistemológica con derivaciones imprevisibles en el largo plazo.

La avizorada simbiosis entre poesía y sistemas de simulación digital habrá de introducir al hombre en el marco global de lo artificial. Un terreno en el cual los propios signos humanos y sus formas de pensar deberán ajustarse a nuevas fórmulas de operación para originar, dentro del sistema de comunicación de las artes, la actuación casi simultánea de los roles de emisión y recepción en cada individuo humano.

Ante el caso actual del hipertexto, vinculado estrictamente con la programación anticipada de todos los caminos y respuestas, que han de estar escritos o compuestos o programados de manera previa al proceso de lectura o elección de recorridos, en los desarrollos en que ha intervenido o que son de su autoría, Györi busca que la interactividad esté presente en sus productos en forma simultánea al proceso de composición y sin la necesidad absoluta de la previsión de algoritmos generadores o de secciones de texto latentes, como ocurre con el tradicional hipertexto

De tal forma, más allá de un lector inmerso en una aproximación a las cualidades de los modelos y patrones insertados previamente o una intervención re-creativa sobre los materiales originales, se trata de  habilitar a un creador inmerso que disponga de una serie de operaciones para producir internamente obras virtuales. Hablar hoy de una poesía virtual implica la idea de un dominio digital que posibilite no sólo las tareas de reconocimiento o lectura, sino sobre todo las de la propia creación o composición de obras.

 

 

Proyecto Speak

 

 

Indagación en el territorio de la Performance y las nuevas poéticas tecnológicas.

 

Por Alejandra Ceriani
aceriani@gmail.com

Licenciada y Profesora en Artes Plásticas/Facultad de Bellas Artes/UNLP/Pcia de BS AS/ Argentina.


Resumen:
En base a dos experiencias sobre procesos del cuerpo en movimiento en sistemas interactivos de lenguaje multimedia, se originaron algunas reflexiones que atañen tanto a lo particular de las disciplinas artísticas, la danza performática y el arte interactivo, así como a su mixtura. Hacemos referencia a dos proyectos: Proyecto Hoseo (i) y Proyecto Speak (ii) performances interactivas en tiempo real de carácter escénico, desarrollados actualmente en diversos ámbitos afines.


SCL 2110 - versión 2.0

RODRIGO TISI (MESS)

COLABORADORES:

ARTURO SCHEIDEGGER , PIERO MANGIAMARCHI, MARCELA GODOY, FERNANDO OCAMPO - (MESS)

DANIEL ROMERO, ALVARO NEIRA - (NIC)

ALBERTO COFRE, GONZALO ASPEE, NICOLAS BRICEÑO - (3M)

MARCO VALLARINO, CARLOS BURBOA


Técnica: Mixta, Video Instalación Interactiva (teléfonos celulares + computador + internet + proyector data + pantalla LCD + pantalla LED).

SCL 2110 propone proyectar un paisaje para la ciudad de Santiago.

Al proponer un paisaje futuro, la obra instala sobre los espectadores un deseo de ciudad possible destacándose en el Bicentenario el pensamiento que podríamos tener de la ciudad hacia el Tricentenario de Chile. Esta obra invita a participar a las nuevas generaciones de chilenos en este proyecto de país y de deseos colectivos que tenemos. La participación del público se hace fundamental y necesaria para completar la obra en la sala de la exhibición y su página web (www.scl2110.cl).

Por medio de la utilización de recursos populares y ciertamente tecnológicos, el teléfono celular y el computador personal, se construye la comunicación entre los participantes y la obra. Las preguntas que nos hace SCL 2110 pueden ser respondidas a través de un teléfono celular por medio del sistema de SMS (mensajes de texto) o en su defecto por internet, a través del mismo sitio web o incluso Facebook. Los mensajes enviados son desplegados y organizados sobre un paisaje posible propuesto para nuestra capital. Se ha elegido la red de transporte público entendiendo que es en ella en donde existe mayor diversidad de personas para desplegar 20 preguntas.

Escáner Cultural nº: 
112

 

SE BUSCA DIRECTOR DE INSTITUTO DE CULTURA IGNORANTE

Por Juan José Díaz Infante

Jdiazinfante@altamiracave.com

Ilustraciones de animales : Por Edgar Cano

Masivo:

Dícese de lo que actúa o se hace en gran cantidad

[repartían alimentos en dosis masivas]. (masivo)
De las masas humanas o relativo a ellas: manifestación masiva.

La masa en este artículo no se refiere como "masa" al "pobre",

se refiere a todo aquel que igual es un millonario y le encantan Las Vegas

ese mismo millonario preocupado por lo que él piensa

 que es cultura opina que hay que educar al pobre

 para que un día, el pobre pueda ir a Las Vegas a educarse.