Cine
Vie, 09/05/2008 - 17:34 | 
HANCOCK: UN HEROE IRREVERENTE
Fernanda Bargach-Mitre
ojoadicto@gmail.com
Hancock, ha dividido a la crítica entre quienes lo odian o lo aman .Protagonizada por el magnético Will Smith , no será una obra de arte al estilo de la saga de Batman de Christopher Nolan, pero posee méritos que la hacen indiscutiblemente más original que las usuales películas de súper héroes. Para empezar no proviene de un cómic sino que está pensada para la pantalla grande, su protagonista empieza a actuar desde el mero inicio y no tenemos que presenciar su proceso de génesis y para mayor atractivo, se trata de un héroe odiado por la ciudadanía tanto por su personalidad: hosco, irreverente, antipático, alcohólico y por los desastres que causa en la ciudad cada vez que detiene a los villanos. Sin duda una premisa interesante y para más condimento está dirigida por Peter Berg un actor y director emergente de los 90 con un perfil resaltante….
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THE DARK KNIGHT: FASCINANTE OSCURIDAD
Fernanda Bargach-Mitre
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Con la ayuda del teniente Jim Gordon (Gary Oldman) y el nuevo y comprometido Fiscal del Distrito, Harvey Dent (Aaron Eckhart), Batman (Christian Bale) se propone destruir para siempre el crimen organizado en Gotham City. Al principio parece que esta alianza dará excelentes resultados para acabar de una vez con las mafias que aún existen en Ciudad Gótica, pero la aparición de un naciente cerebro criminal conocido como Joker (Heath Ledger), que introduce la anarquía en Gotham, obligará al Caballero Oscuro a cruzar aún más la fina línea que separa al héroe del justiciero. El Guasón no tiene ética alguna y utiliza el miedo como arma para controlar a las cabezas criminales más importantes con el objetivo de desenmascarar a Batman para hacerlo vulnerable y así liberar a Gotham City de su héroe y permitir que el mal impere nuevamente en una ciudad antiguamente corrupta y violenta, a la que Batman se ha encargado de limpiar.
WE OWN THE NIGHT: LOS SUBMUNDOS CRIMINALES DE JAMES GRAY
Fernanda Bargach-Mitre
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We own the night ( 2007), escrita y dirigida por James Gray, no es la primera incursión de este director en el submundo criminal. En 1994, se llevo el león de Plata en Venecia por su film Little Odessa sobre una familia disfuncional de origen ruso en la cual hay un asesino a sueldo. Luego en el año 2000, siguió en el tema de la corrupción y el crimen con el drama The Yards, su primera colaboración con los actores Joaquin Phoenix y Mark Wahlberg, quienes son los protagonistas y productores de su última cinta. Vale decir que el film destaca con solidas actuaciones, buen ritmo narrativo y una fotografía pictórica.
James Gray parece experto en recrear los mundillos de la corrupción y el crimen, desde su incursión en la pantalla grande en 1994, con el fuerte film Little Odessa dejó a todos impactados por la crudeza para retratar familias disfuncionales implicadas en la mafia. Cuando realizó su siguiente film The Yards, pudimos comprobar que su afición a los ambientes oscuros y las temáticas familiares se repetía pero con una historia completamente distinta ambientada en Queens. Con su último trabajo We own the night (2007) ratifica su estilo oscuro, en una historia desgarradora, contundente, que atrapa de principio a fin.
THE SAVAGES: TRAGICOMEDIA SIN ANESTESIA
Fernanda Bargach-Mitre
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Tamara Jenkins, dirige y escribe esta intensa película por la cual recibió una nominación al Oscar por el Mejor Guión Original, además de la nominación de una de sus protagonistas, una sensacional Laura Linney, como mejor actriz. Completa el reparto el genial Philip Seymour Hoffman, para adentrarnos en el mundo disfuncional de los hermanos Savages, seres marcados por una infancia dura y que súbitamente tienen que enfrentar la demencia senil de su padre que se ha quedado sin lugar para vivir. El espinoso tema de la muerte es tratado sin anestesia pero con un toque de mordacidad y un guión tan inteligente que no da espacios para el melodramatismos, presentado el tema de manera cruda pero cercana a la realidad conformando una historia llena de matices sobre dos seres a la deriva en una situación límite.
DIEZ PELÍCULAS, DIEZ HISTORIAS (2DA PARTE)
Fernanda Bargach-Mitre
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En esta oportunidad he elegido films profundos, de esos de los que no se sale ileso. He tomado nuevamente esta última década para destacar películas que marcaron pauta, de cita obligada para los buscadores del buen séptimo arte. Se trata de cine intenso, de contenido, que desafía el intelecto y mueve las emociones. Son fotogramas que se nos graban irremediablemente en la memoria y nos hacen festejar el mejor cine de autor.
DogVille(2003): Una propuesta arriesgada
Cuando hablamos de Lars Von Trier, hablamos de unos de los exponentes más importantes de este siglo en lo que a cine de autor se refiere. Su Dogma 95, que buscaba alejarse de las artificialidad estética de las producciones en serie, sostenía en uno de sus principios básicos la necesidad de que el cine se atuviera a filmar exclusivamente de manera realista o más aun, naturalista. Este director danés despierta polémica con cada uno de sus films y es amado y odiado en la misma proporción por los críticos y espectadores. Independientemente de las reacciones extremas que suscitan sus creaciones, estamos frente a un artista, un buscador, un genio del séptimo arte. Un director que constantemente intenta reinventar la narrativa cinematográfica, experimentar nuevas formas de contar una historia y producir películas únicas, que permanecen por muchos años en la memoria del espectador. En Dogville, se desmarca de la filosofía del Dogma 95 y se acerca al teatro de Bertold Brecht y su propuesta del distanciamiento, con la presencia de un narrador omnisciente que va llevando el relato y nos ayuda a alejarnos de las situaciones, para así reflexionar sobre las mismas. La Película se desarrolla íntegramente en un enorme escenario teatral donde la mayor parte de los edificios no existen, solo hay algunos muebles dentro de los límites de cada casa, dibujados en un piso negro, con pintura blanca. A nivel estético, destaca un excelente trabajo de luces y sonido, junto a una escenografía minimalista en extremo, sin duda con dejos teatrales. El manejo de la cinematografía es atrevido, con intensos, frecuentes y agresivos primeros planos, cenitales, caprichosos cortes, cámara en mano, barrido y travelings, todo dentro de los limites de la ciudad: un escenario rectangular y abierto donde podemos ver que están haciendo cada uno de los personajes. Al ya familiar elemento de la víctima, en esta caso Grace (Nicole Kidman) que llega huyendo a un pueblito perdido en las montañas llamado DogVille, se agrega el factor de la venganza. La ingenuidad, la capacidad de sacrificio, la dignidad, la degradación del hombre por el hombre, la vida en sociedad, el totalitarismo, pero por sobre todo la delgada línea entre el bien y el mal, son algunos de los temas trascendentales tratados en esta cinta.
Pollock (2000): Genio y Demonio
El reconocido actor Ed Harris se estrenó como director y productor, en Pollock, una película intensa, con actuaciones sólidas, que nos relata 15 años en la vida de este torturado artista, hasta su trágica muerte con aroma a suicidio, en 1956. Diez años le llevó a Harris parir este proyecto, que comenzó a obsesionarlo desde que leyera una biografía sobre el pintor. De allí en más, se dedicó a investigar sobre su vida, hasta que finalmente cayó en sus manos el libro ‘Jackson Pollock: An American Saga’ (Premio Pulitzer 1991), en el cual se basó el guión del film y que marcó un punto concreto de partida. Pollock, se desliza entre el retrato de un gran artista y el retrato de un rabioso y violento hombre, que podía autodestruirse (de hecho lo hizo) y ser sumamente cruel con sus seres queridos. En este punto y como toda biografía llevada al cine, Harris se adentra en terreno peligroso y en su relato parece dejar de lado las causas del sufrimiento constante del pintor pero más que nada el lado carismático del mismo.
I´M NOT THERE: JUGANDO CON ESPEJOS
Fernanda Bargach-Mitre
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“I´m not there” ( 2007),dirigida por Todd Haynes, quien tiene en su haber películas como “Velvelt Goldmine”(1998), una recreación ficticia del mundo de glam, y el intenso drama “Far from heaven”(2002),con una actuación brillante de Julianne Moore, arranca esta vez el mejor performance de Cate Blanchett, que personifica a uno de los seis Dylans que conforman este film. En esta oportunidad el director no solo dirige sino co-escribe el guión de esta película ambiciosa, visionaria, audaz pero desordenada cuasi biografía de este icono de los sesenta que presenta a través de seis personajes las diferentes etapas de un músico que revolucionó su época. Se trata de una cinta estilo documental, que parece nunca encontrar su identidad pero que presenta una edición interesante, personajes y tiempos que se mezclan con sendos performances de sus protagonistas.
Este film acerca de la idiosincrasia de Dylan, es verdaderamente inventivo. Yendo de atrás para adelante y de adelante para atrás en la historia, vale destacar la edición y el toque artístico de la filmografía. Es importante hacer notar que se trata de un músico que transformó la cara de la música popular en los años 60 y hoy en día sigue influenciando a otros músicos, poetas, letristas y al ámbito cultural en general. Tomando como inspiración su carrera en constante cambio, el film es un entretejido de una serie de historias en la Norteamérica de esa época expresando en cada una de ellas un aspecto de la fructífera carrera de Dylan y su cambiante personalidad y estilo. Así mismo cada fragmento ha sido filmado de una manera diferente, en un estilo apropiado para cada tema. Sin embargo cuesta engancharse emocionalmente con la cinta y es difícil de seguir, dado su toque etérico y ambiguo. Es arte sin estructura precisa y por más que celebremos su particular sello, todo film necesita cierta coherencia narrativa para ser disfrutado a plenitud por el espectador. Es por momentos de un juego de espejos y reflejos del famoso músico sin suficiente coherencia, pero de belleza poética y visual.
SPEED RACER:LOS WACHOWSKI A TODA VELOCIDAD
Fernanda Bargach-Mitre
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Speed Racer(Meteoro), es la última película de dos hermanos que revolucionaron el cine de acción con Matrix, marcando un punto aparte en lo que a estética se refiere logrando que hoy en día, ese tipo de acción sea parte del lenguaje cinematográfico. Con Meteoroa dejar huella creando un mundo saturado de color, con carreras de autos espectaculares concebidas desde el anime pero mezcladas con la realidad, utilizando con maestría la técnica visual, para entregarnos una visión tipo arte pop, llena de adrenalina y espectaculares pistas surrealistas. A pesar de las malas críticas recibidas, los Wachoswki reinventan el cine, en una entrega imperdible que uno tiene que juzgar por sus propios ojos.
Se trata de una película que sirve para toda la familia, dado su simple argumento, muy atacado como plano y aburrido por la crítica norteamericana que parecen olvidar que se trata de un film concebido en base a una comiquita para niños, que vale apuntalar los hermanos Wachowski amaban en su infancia. La cinta no decepciona a los adultos que veíamos Meteoro con fanatismo, el casting es excelente, todos los actores mantiene el espíritu y el look de los personajes originales así como los mismos valores familiares. A la vez funciona para todo el público infantil y adolecente que descubren por primera vez a Meteoro, y para cualquier adulto amante de las carreras y los autos.
La película sigue las aventuras de Speed Racer (Emile Hirsch), un corredor nato, nacido para pilotar coches de carreras. Es un piloto agresivo, instintivo y, sobre todo, temerario. Su única competencia es el recuerdo de su hermano, el que fue su ídolo, el legendario Rex Racer, cuya muerte en una carrera ha dejado una meta que Speed siente la necesidad de cumplir. Speed siente una gran lealtad hacia el negocio familiar de las carreras llevado por su padre, Pops Racer (un John Goodman espectacular), el diseñador del poderoso bólido Mach 5. Cuando Speed rechaza una oferta muy lucrativa y tentadora de las Industrias Royalton, no sólo hace enfurecer al maniático dueño de la empresa (Roger Allam), además, descubre un terrible secreto: algunas de las carreras más importantes están siendo manipuladas por unos desalmados empresarios. Si Speed no pilota para la escudería de Royalton, éste se va a ocupar de que el Mach 5 nunca cruce otra meta. La única manera de que Speed pueda salvar el negocio de la familia y el deporte que ama es ganando a Royalton en su propio juego para lo cual conseguirá la ayuda del misterioso corredor X.
La película presenta un nuevo lenguaje de espectacularidad digital, con un comienzo sin anestesia que nos lleva directo a las pistas increíbles, muy al estilo de los video juegos de Hot Wheels, donde los carros van a 600 kilómetros por hora haciendo trucos y saltos inimaginables. Paralelo a este potente comienzo se nos van presentado desordenados flashbacks que nos explican la infancia y vida de Meteoro hasta el momento actual.
IRONMAN: LA GENIALIDAD DE MARVEL
Fernanda Bargach-Mitre
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Ironman (2008) es la primera producción totalmente supervisada y producida por los nacientes estudios Marvel. Previamente habíamos visto películas de súper héroes de esta firma pero producidos por estudios de Hollywood, los cuales dejaron un sabor algo decepcionante en sus creadores que pidieron un crédito de más de 500 millones de dólares para embarcarse en Ironman y la recién estrenada Hulk, que tiene muy buenas críticas.
Ironman no defrauda, con un Robert Downey Jr. a la medida perfecta del papel, la historia logra captar la atención desde el principio para embarcarnos en un viaje fascinante lleno del mejor entretenimiento, generando, a mi criterio, una de las mejores películas adaptadas del cómic (junto a Sin City) hechas hasta el momento para la pantalla grande.
El film cuenta la historia de Tony Stark, un magnate de la industria armamentista que ha heredado este imperio de su padre. Sin preocuparse de las consecuencias de las armas que fabrica, Stark vive una vida displicente, siendo bebedor y mujeriego, totalmente indiferente a las atrocidades que suceden a su alrededor. Todo esto cambiará cuando Stark se embarca a Afganistán para presentar un arma nueva, verdaderamente destructiva y su vehículo es atacado y él secuestrado por terroristas. Vale destacar la ironía de que Stark es emboscado y herido por sus propias armas en manos de los secuestradores. Una vez preso en una cueva, los terroristas lo obligan a fabricar el arma super poderosa que había venido a presentar pero en vez de esto, nuestro protagonista se embarcará en fabricar una armadura cargada de diferentes armas y poderes para poder escapar de sus captores. Es así como la cueva es el lugar del cual emerge un cambiado Stark, no solo por su envidiable creación de la armadura, sino con un cambio de conciencia con respecto a su profesión de armamentista en una metamorfosis que moldeará al futuro héroe.
ESTRENOS 2008: CINCO PERSPECTIVAS
Fernanda Bargach-Mitre
En este artículo voy a reseñar algunos de los estrenos de este año. Vale destacar que no se trata de películas geniales pero que si proporcionan una buena dosis de entretenimiento. Entre las cintas reseñadas encontramos “Justo en la Mira” (Vantage point), un thriller de acción con un interesante montaje que refleja ocho puntos de vista de un atentado al presidente de USA, “Sin Rastro” (Untraceable), un film que plantea los peligros de Internet a través de la persecución de un asesino que usa la web para mostrar sus asesinatos, “Jumper” dirigida por Doug Liman, un film mezcla de ciencia ficción, acción y drama, muy original en su planteamiento, “Brigada 36” (36, Quai des Orfèvres) una cinta francesa del 2004 que pudimos ver en el Festival de Cine Francés en Caracas y que cuenta con la presencia de dos actores de renombre como Daniel Auteuil y Gérard Depardieu y por último el film “Mounstroso”(Cloverfield) que nos trae un formato atrevido dentro de un género gastado.
Lemon Pie
Sobre los artilugios tecnológicos en el cine I
Hace ya mucho tiempo que comencé un reportaje sobre tecnoIogIa apIicada en eIcine, pero motivos que podrIan ser IIevados aI cine Io impidieron. En esta entrega va una deIas primeras conversaciones sobre eI tema que tuve con reaIizadores. Acá va Ia primera ...
Diálogos sobre artílugios tecnológicos I
Why didn't anybody tell me it w ould become this bad in Afghanistan
(¿Por qué nadie me dijo que las cosas se pondrían tan ma l en Afganistán?)
Breve conversación con Cyrus Frisch, reaIizador de “Why didn't anybody teII me it wouId become this bad in Afghanistan”
Conversaciones y fotografía: Jessica Parra Nowajewski
“CVeo a los hijos de los inmigrantes jugar en una fantástica plaza en el corazón de Amsterdam, justo debajo de mi balcón, y entonces, por filmar con una resolución muy baja no es muy claro qué están haciendo, no puedes discernirlo con precisión, no puedes oIr muy bien lo que se gritan entre ellos, y eso hace que asuste aunque nada ocurre, sólo juegan entre ellos, y eso es lo que buscaba porque estoy tratando de decirle al pUblico holandés con mi pelIcula algo como ”por favor, no sean paranoicos”
Cyrus en conversaciones en el Festival de Cine deSan Francisco, California. (2007)
Miedo, encierro, eI ambiente nubIado y pixeIado que se proyecta gracias a una pequeña cámara en eI ceIuIar de Cyrus Fish. AsI, "a primeras", se ve Io que IIaman eI primer Iargometraje fiImado con Ia cámara de un ceIuIar. Premiada en eI festivaI de Rotterdam, “Why didn't$” documenta Ia reIación extraña que sostienen Ios habitantes de Ia ciudad de Amsterdam, bajo Ia mirada fieI, pero oscura y crueI que nos entrega eI Iente de esta cámara de un teIéfono móviI.
Después de unos dIas en eI FestivaI de Cine de San Francisco, conocI a Cyrus Frisch en uno de mis descansos después de ver aIgunas peIIcuIas. Mientras tomábamos una bebida Ie presenté mi cámara anáIoga de fotos y eI me presentó Ia suya, una cámara incorporada a su teIéfono móviI. De ahI aI tema de su peIIcuIa eI saIto fue casi inmediato. AI dIa siguiente tuvimos una breve conversación pero muy poIItica. Este mes me he contactado con éI nuevamente y me ha contado más sobre su futuro y Io que ha pasado, ya un poco más en retrospectiva sobre su fiIm, que en ese tiempo IIevaba pocos festivaIes en eI cuerpo, pero ya con aIgunas poIémicas encima. Si bien para aIgunos este fiIme está faIto de depuración o simpIemente no encuentra cabida en eI mundo fiImográfico de elite, me parece que, como representante de Ios nuevos medios audiovisuaIes, visIumbraba Ias posibilidades de darse a conocer y dar a conocer, además de complementar la escena. Sin embargo, este tratamiento nos entrega un nuevo tipo de información, no exenta desubjetividad, ya que bajo otras miradas, la realidad ha sido maleada, ya sea por la polItica, la industria o la prensa.
REDACTED: UN INCISIVO BRIAN DE PALMA
Fernanda Bargach-Mitre
ojoadicto@gmail.com
Redacted (2007) es sin duda la película más polémica de Brian de Palma, que trata con total crudeza el tema de la guerra en Irak, con una trama atrapante en su realismo pero sin duda extremadamente explícita, lo que la hace difícil de mirar pero de cita obligatoria por su impactante mensaje En esta cinta el director se compromete con valentía, para denunciar las atrocidades y la futilidad de esta guerra , en un film que se parece más a un documental que a una historia de ficción y que por ello golpea aún más al espectador.
No es la primera vez que este director aborda el tema bélico, en 1989 filmó 'Casualties of War' que aborda el conflicto de un soldado testigo de un crimen de guerra, en Vietnan y que se ve obligado a enfrentar a todos sus compañeros en busca de salvaguardar la verdad. Hablamos de un director de amplia experiencia pero con una filmografía irregular, hay grandes títulos como 'Carrie' (1976), 'Fury' (1978), 'Dressed to Kill' (1980), 'Scarface' (1983), 'The Untouchables' (1988) , 'Carlitos´way' (1993), 'Mission Imposible I' (1996) ante otros títulos no tan atractivos o logrados como 'The Bonfire of Vanities' (1990), 'Femme Fatale' (2002), 'Snake Eyes' (1998) que sin embargo destaca por el primer plano secuencia larguísimo, en una demostración de maestría de un experto detrás de la cámaras. Lo interesante de Brian de palma, es que su realización es tan minuciosa que hasta los títulos mediocres valen la pena un vistazo, como en su penúltima entrega 'The Black Dhalia' ( 2006), una película algo lenta pero con una realización impecable y un clima transportador.
GONE BABY GONE: UN ACIERTO MARCA AFFLECK
Fernanda Bargach-Mitree
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Gone Baby Gone (2007), es la ópera prima de Ben Affleck, más conocido como estrella que como actor serio y que sin embargo demuestra en esta película que tiene pasta como director y guionista, en una excelente adaptación del libro de Dennis Lehane, cuyas novelas mezclan un intenso suspenso con magníficos personajes y temas escandalosos extraídos de los barrios bajos en los que impera el crimen.
La película cuenta la historia de dos investigadores privados (Casey Affleck y Michelle Monaghan) en busca de una niña de cuatro años que ha sido secuestrada en uno de los barrios más sórdidos de Boston. Con un ritmo narrativo sorprendente, este film logra captar enseguida la atención del espectador, en una búsqueda llena de sorpresas y giros argumentales interesantes. Se trata sin duda, de una excelente cinta, cuya profundidad cala completamente en la audiencia.
MICHAEL CLAYTON: UN GUIONISTA DETRAS DEL LENTE
Fernanda Bargach-Mitre
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Tony Gilroy es un reconocido guionista, autor de películas taquilleras de calidad como la saga de Jason Bourne (2002/004/2007), la inquietante “El abogado del Diablo” (1997) Armageddom (1998) y la oscura Eclipse Total (1995), entre otras. Se puede decir que es un hombre del medio cinematográfico pero”Michael Clayton” es su debut detrás de las cámaras y la primera vez que dirige un guión escrito por él. El resultado es una historia interesante, bien planteada, con una realización destacada y un George Clooney que se luce siendo el hilo conductor del film. Sin duda se trata de una impactante ópera prima de un creativo que sabe plasmar guiones inteligentes y que ahora demuestra que puede llevarlos a imágenes con la soltura de un experto.
“Michael Clayton” es un film intelectualmente desafiante. Al principio presenciamos una serie de eventos y cuando estamos en el clímax aparece una leyenda que dice “4 días antes”. La primera impresión es de fastidio porque pensamos que ya conocemos el final, y sospechamos que los cuatro días antes serán una narración aburrida de cómo se llega al principio. Nada más lejos de la verdad, este es un film que verdaderamente sorprende y que tiene un pulido y fascinante final. El guión esta lleno de vericuetos, a veces algo exagerados, pero tienen la cualidad de despistarnos para luego retomarnos en el desenlace.
CINCO PELÍCULAS, CINCO HISTORIAS
Fernanda Bargach-Mitre
ojoadicto@gmail.com
Cinco películas que marcaron pauta, que vale la pena volver a ver, que tienen la capacidad de envolvernos más de una vez.
JUNO : UNA JOVEN MUY ACIDA
Jason Reitman ya venía dejando huella con su interesante ópera prima “Gracias por fumar” (Thank you for smoking), un film con mucha fuerza, humor negro y un toque de denuncia sobre las tabacaleras. “Juno” llegó a su carrera de la mano de la novelista y recién estrenada guionista Diablo Cody, una mujer atrevida e inteligente, que logró llevarse el Oscar al mejor guión original. La cinta estuvo nominada para los Globos de Oro, el Oscar en varias categorías incluyendo mejor película, director y actriz principal pero fue en los Premios Independent Spirit Awards otorgados al cine independiente, en los que arrasó totalmente como la mejor cinta del año. Con un presupuesto mínimo de dos millones y medio de dólares, la cinta ya ha rebasado los 100 millones tan solo en los Estados Unidos. La película nos narra la historia de Juno ( Ellen Page), una jovencita de 16 años aguda como una navaja y que vive su vida de acuerdo a sus propias reglas. Es descaradamente abierta y posee una notable dosis de humor negro para afrontar sus problemas. Un día decide mantener relaciones con su amigo Bleeker y queda embarazada. Con su compinche Leah, convencida de que no quiere ser madre a su edad y que tampoco le gusta la idea de abortar, deciden emprender la búsqueda de la pareja perfecta para que adopte al bebé. Así, fijan su mirada en Mark y Vanessa Loring, un acomodado matrimonio que desea adoptar a su primer hijo. Por suerte, Juno goza del apoyo de su padre y su madrastra. Pero a medida que la joven se acerca más y más al final del embarazo, la idílica relación de Mark y Vanessa comienza a dar señales de estar agrietándose. Juno, tendrá que tomar decisiones, y en su prematura madurez, será capaz de hacerlo. Se trata de una historia muy bien contada, con diálogos inteligentes, situaciones creíbles acompañadas de actuaciones excelentes. Es un buen ejemplo del cine mordaz, cargado de contenido, que nos mueve a la vez que nos entretiene. Sin embargo, considero que el film ha sido algo sobrevalorado, se trata sin duda de una buena cinta, que nos hace pasar un buen rato con la sensación que entramos en la vida real, alejada totalmente de los clichés de otros films del género, pero carece de profundización en los ricos personajes en función de mantener vivo el tono sarcástico y el ritmo narrativo. Sin embargo, la cinta es muy convincente y está cargada de frescura y originalidad tanto en su guión como en su realización. Jason Raitman con su segundo film ha demostrado que se trata de un director con sello auténtico pero la sorpresa son realmente la destacada guionista Diablo Cody y la prometedora actriz Ellen Page.
LEONES POR CORDEROS: UN MUNDO DISFUNCIONAL
Fernanda Bargach-Mitre
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Robert Reford ataca con su última película, Leones por Corderos (Lions for Lambs), un drama basado en tres historias interconectadas al conflicto de guerra en Afganistán, que si bien es algo discursiva, toca el nervio sobre las disfuncionalidad del mundo en que vivimos, dentro de una sociedad ya casi acostumbrada a vivir en guerra, donde los políticos inventan y reinventan planes para ganar los injustificados conflictos bélicos, donde los periodistas se debaten entre la ética y la mentira y donde las mentes más jóvenes y abiertas se dispersan cómodamente en la sociedad de consumo, sin comprometerse para cambiar la realidad en que habitan eligiendo la conveniente la ignorancia. Soberbiamente actuada y con un reparto de lujo, hablamos de una buena cinta que plantea muchas preguntas y genera una reflexión sobre el contexto absurdo y violento que nos rodea.
Con seis películas de calidad en su haber, el incansable Reford nos trae su séptima entrega metiéndose de lleno en un tema candente como lo es la guerra en Afganistán, desde diferentes puntos de vista a partir de tres historias: Cruise interpreta a un congresista que concede una exclusiva a una periodista (Streep), al tiempo que Redford hace de un idealista profesor que trata de motivar a un alumno sobresaliente de su clase.
