MILK DEL INDOMABLE GUS VAN SANT

Fernanda Bargach-Mitre

ojoadicto@gmail.com

Milk la última película del polémico y versátil director Gus Van Sant, es sin duda una cinta digna de ser vista, no solo por su excelente realización y cuidados detalles sino por la trascendencia de su mensaje. Harvey Milk fue un idealista y perseverante defensor de los derechos civiles de la comunidad homosexual, que pagó con su propia vida, la osadía de su lucha y los logros obtenidos. Van Sant no solo nos relata un fragmento de la vida de Milk, sino que hace un retrato de una sociedad donde los visionarios parecen terminar cruelmente asesinados.

Gus Van Sant nos demuestra en su último film que sigue en forma con su ojo crítico y su particular estilo narrativo. Se trata de un director y guionista (a veces también editor y productor), que desde sus inicios causó polémica, tocando temas candentes, planteando diferentes acercamientos visuales, innovando con la cámara que usualmente acompaña y apoya la narrativa. Entre sus cintas más interesantes se encuentran: Drugstore Cowboy (1989), de la cual también fue guionista, galardonada en el Festival de Berlín, en Los Independet Spirit Awards, entre otros. Una cinta tipo western y 'road movie' que nos presenta el mundo de las drogas desde un punto de vista dramático y diferente. Con un Matt Dillon impresionante, el film es movilizador y retador a la vez. En 1991 realizó My Own Private Idaho, nuevamente como director y guionista, un película independiente, protagonizada por el desaparecido River Phoenix y Keanu Reeves, El personaje de Reeves se basa en el de Enrique V de Shakespeare. La película obtuvo varios galardones, incluyendo el de mejor actor en el Festival de Venecia de ese año, es uno de los clásicos de cine gay y una historia de amor y amistad desgarradora. En 1995 entregó To Die For, una comedia dramática con un toque fascinante de humor negro mezclado con crimen, con un excelente rol principal por el cual Nicole Kidman fue ampliamente premiada llegando a ganar un Globo de Oro. En 1997, hizo una película más accesible al público en general: Good Will Hunting, la historia de un genio (Matt Damon) proveniente de los suburbios que tiene serios problemas para abandonar sus afectos conocidos y desarrollar su talento. En 1998 se atrevió a hacer el remake de Psycho de Alfred Hitchcock. La película fue muy mal recibida por la crítica y quizás fue algo incomprendida ya que su director dijo estar haciendo un homenaje a Hitchcock por lo que está filmada cuadro por cuadro igual que la original, con los mismos movimientos de cámara y exacta edición, solo agregando los beneficios de la tecnología. Aunque está bien realizada se hace muy difícil superar u olvidar, la versión original. En el 2000 hizo un film hollywoodense pero consistente: Finding Forrester, con Sean Connery como un recluso novelista que es encontrado por un joven aspirante a escritor afroamericano que termina convirtiéndose en el pupilo del huraño señor.

THE WRESTLER: DOS OUTSIDERS QUE LO LOGRAN

Fernanda Bargch-Mitre

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Darren Aronofsky es un director de culto que jamás se ha casado con Hollywood, cuyas cintas despiertan polémica, odio y devoción por igual y que tienen la indiscutible firma de su creador. Mickey Rourke, estaba considerado un actor de segunda, recordado como el galán de los ochenta por Nueve Semanas y Media, que a pesar de haber demostrado en cintas como Rumble Fish (1983), Barfly (1987) y la reciente Sin City ( 2005) donde nos brinda un performance inolvidable, todos lo consideraban un fósil del pasado destinado a papeles segundones en producciones irregulares. Ambos demuestran en The Wrestler que están más que vigentes, que derrochan talento en sus áreas, con un film intenso, maravilloso, aunque duro de digerir, que es sin duda una de las mejores películas estrenadas este año.

Si retomamos los comienzos de Darren Aronoksky, su debut con PI (Mejor película en Sundance 1998), de la cual también fue guionista, se develó, sin duda un talento en bruto con un film profundo, intrincado y fascinante. La historia del matemático, que basado en la teoría del Caos (según la cual pequeñas cosas pueden causar grandes cambios) intenta descifrar el mundo bursátil, deslizándose peligrosamente entre un gran descubrimiento y la locura, logra quedarse en el espectador como un gran interrogante. Su segundo film ‘Requiem for a dream’ revelaba mayor profesionalismo y un mayor presupuesto que el director utilizó innovando con las cámaras y la edición al punto de utilizar más de cien efectos distintos para recrear un mundo de carencia de afecto y autodestrucción. Una cinta donde la protagonista es la adicción, monstruosa y con vida propia, que se va apoderando de los personajes. Por último en el 2006 nos entregó The Fountain, una película que medita sobre los conceptos de la vida y la muerte a través de una historia desgarradora y poética. Aronofsky hace el cine que ama, poniendo un énfasis importante en la innovación visual, en contenidos desafiantes y en mover el mundo emocional del espectador en un ejemplo del mejor cine de autor.

THE READER: INTIMISTA Y CONTROVERSIAL

Fernanda Bargach-Mitre

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 A primera vista, The Reader (2008), habla en su sinopsis de la historia sobre una mujer, con un secreto, relacionada con la SS alemana, por lo cual es fácil pensar que se trata de otra trillada película sobre la segunda guerra. Para los que no son fanáticos del género histórico puede parecer aburrida y poco atractiva. Nada más alejado de la verdad, The Reader, presenta un acercamiento a la Alemania de la Post Guerra a través de una historia de amor y redención sumamente emotiva, engranada de manera tal que mantiene completamente nuestra atención alternado entre el pasado y el presente, en un acercamiento original y polémico al Holocausto, que deja bien claro que si bien hubo culpables directos, todo la humanidad fue responsable y cómplice por permitir que eso pasara y no decir o hacer algo al respecto. Sin duda, una cinta intensa que se nos queda grabada en la memoria.

Stephen Daldry es un experto en cautivar las emociones del espectador a través de su cine, como ya lo hiciera con la conmovedora Billy Elliot (2000) y The Hours (2003) siendo por ambas nominado al Oscar como mejor director, entre otros incontables reconocimientos. Desde su primer largo ha demostrado que lo suyo es buen cine y se ha ido superando así mismo en cada nueva entrega. The Reader, su último film, es sin duda el mejor que ha realizado hasta ahora, con una maravillosa dirección de actores, hermosa factura visual, interesante hilo narrativo pero por sobre toda las cosas una historia movilizadora que nos toca la fibra interior al tiempo que nos hace reevaluar nuestras convicciones.

MARGOT KIDDER: EL DESTINO POST SUPERMAN

Por Álvaro Oliva

Para los que fuimos niños, hace más de dos décadas, es imposible olvidar la película “Superman” y su personaje Lois Lane, aquella delgada periodista que luchaba por entregar un buen trabajo a su esquizofrénico jefe de redacción. La reportera era representada por la artista canadiense Margaret Ruth Kidder, nacida el 17 de octubre de 1948.

GRAN TORINO: SEGUNDA ENTREGa de lujo ( post crítica)

Fernanda Bargach-Mitre

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El grande del cine clásico, Clint Eastwood después de habernos sorprendido gratamente este año con 'El Intercambio' nos hace una segunda entrega en el film 'Gran Torino' que dirige, protagoniza y produce. El resultado, una cinta poderosa, oscura, con el hado de fatalismo típico de este creativo tocando temas candentes como el racismo en la Usa de hoy, la soledad, la violencia y la redención. Hablamos de una película que se queda como parte del espectador ya que trasciende la pantalla, en una muestra del mejor cine de firma.

'Gran Torino' es un film movilizador, Eastwood retoma temas que ha tratado anteriormente pero desde otra perspectiva a través de la historia de de un veterano de la guerra de Corea llamado Walt Kawolski, que después de la muerte de su esposa vive separado del resto de su familia y rodeado por una comunidad de vecinos, mayoritariamente de origen oriental. Al principio la relación de Walt con sus vecinos es muy mala, más bien, terrible, debido fundamentalmente a su carácter arisco y rudo: un gruñón de primera. Vale destacar la excelente actuación de Eastwood, quien lleva prácticamente todo el peso dramático del film con una solvencia envidiable. Una actuación que suponemos dará que hablar y podría significar nominaciones para diversos premios, lo que sería muy merecido ya que la performance de Clint es realmente convincente.

10 PELÍCULAS, DIEZ HISTORIAS (CUARTA PARTE)

Fernanda Bargach-Mitre
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 Esta serie empezó como un ejercicio para rescatar los mejor del cine de la última década, pero en cada entrega sentía que muchos films valiosos habían quedado afuera. En esta cuarta entrega, me acompaña la misma sensación, aunque las diez cintas elegidas exudan calidad e ingenio, hay otras que no he podido incluir, por lo que sospecho que habrá una quinta entrega. Por ahora disfruten de estas diez críticas de films que marcaron pauta y que vale la pena rescatar del olvido.
 

The Constant Gardener (2005): Un acertado golpe a los grandes laboratorios



 

SEVILLA FESTIVAL DE CINE EUROPEO 2008

Una de las ventajas de un festival es que permite al público ver cine en su medio natural, la pantalla grande, pero la función primordial es promover títulos, hacer conocidas películas todavía inéditas, servir de plataforma a la distribución y de esa forma poder llegar a la gran pantalla como llegan los productos americanos.

Nuestro foco de este año ha sido lo que llamamos 'Miradas de libertad', tanto en el campo político (de ahí películas como Gomorra, Il divo, La ola) como en el de las libertades personales, que en ocasiones se ven más restringidas o más amenazadas. (Javier Martín-Domínguez, director del Sevilla Festival de Cine )

"Queremos mostrar un cine de carácter político y social, que interese al gran público", dijo el director del festival asegurando que la oferta de la muestra comprende "desde superproducciones hasta películas más íntimas" con la idea de proyectar "cine para todos" y exhibir una selección "que haga justicia al cine europeo". No obstante, reconoció que Italia goza de mucho "peso" en la muestra, salpicada también por numerosas creaciones germanas.

Por cuarto año consecutivo, el festival ha acogido el anuncio de las candidaturas oficiales a los premios de la European Film Academy. El anuncio, en concreto, se hizo efectivo el 8 de noviembre en el marco del festival de cara al evento que se celebrará en Copenhague (Dinamarca) el 21 de diciembre.

El grueso del festival ha estado formado por las 14 películas de la sección oficial, procedentes de países como Alemania, Croacia, Francia, Hungría, Italia, Holanda o Polonia. Entre los filmes, figuran la polémica 'Gomorra' de Matteo Garrone, 'Back soon' del islandés Solveig Anspach, 'Katia's sister' del holandés Mijke de Jong o la alemana 'El séptimo cielo', de Andreas Dresen.

Las películas que aspiran a los Premios anuales de la European Film Academy, 17 en total, incluyen producciones como las española 'Tres días' y 'Caótica Ana', la croata 'I have to sleep my angel', la irlandesa 'Eden' o la alemana 'La ola'. La sección de largometrajes, bautizada como 'Eurimages', incluye producciones danesas, checas, polacas o francesas financiadas por fondos de la Unión Europea.

Entre las premiadas en la presente edición del festival :

“BURN AFTER READING”: UNA INTELIGENTE COMEDIA IDIOTA

Fernanda Bargach Mitre

ojoadicto@gmail.com

Esta entrega de los Coen, Burn after Reading (Quemar después de Leer), si bien no representa lo mejor de esta dupla, es una comedia negra con un argumento tan absurdo como ingenioso para lograr una historia idiota que ridiculiza y a la vez critica varios estereotipos de la enferma sociedad norteamericana. Con un reparto de lujo y una cuidada realización visual, el film logra atraparnos en sus vericuetos por momentos insólitos y graciosos en una especie de burla, cargada de ironía muy al estilo de estos directores de altura. Sin duda, una cinta fascinante y polémica, ya que no toda la critica la ha recibido con beneplácito.

Los hermanos Coen nos tienen acostumbrados al buen cine, un arte que han sabido cargar de ironía, en base a historias inteligentes, rebuscadas pero fascinantes. Han sido a la vez sinónimo de crítica social, ridiculizando estereotipos, parodiando de la sociedad en que viven y revitalizando tanto la comedia como el cine negro, en algunos casos mezclando ambos géneros. Destacan en su filmografías comedias como ‘Arizona Baby’ y ‘O brohter where are thou?’, lo mejor del cine negro con ‘No Country for Old Man’, o ‘Blood Simple’ hasta ácidas combinaciones de humor y oscuridad con 'Fargo', o 'The Big Lebowsky…' entre otras. Ambos colaboran en la escritura, producción y dirección de sus películas, involucrándose totalmente en el proceso de creación, haciendo cine con sello propio. Representantes del mejor cine de autor, algunos de su films son considerados de culto. La violencia y la muerte suelen estar presentes en cada uno de sus films, siendo desencadenantes en la historia, y los personajes caricaturescos ya son parte de su firma.

En esta última entrega, se cuenta con un reparto que desde el principio promete y a mi juicio no decepciona, destacando a Brad Pitt, quien demuestra con este papel que tiene un rango amplio con este rol cómico, donde su dicción y gesticulización es sumamente divertida. Un rol diferente para este actor que lo lleva a cabo con profesionalismo y originalidad. Destacan así mismo, Frances McDormand, John Malkovich, Tilda Swinton y George Clooney, estando todos a la altura de sus locos personajes. Sin duda un elenco poderoso, que le da fuerza a la película.

10 PELÍCULAS, 10 HISTORIAS (3RA PARTE)

En esta oportunidad he elegido películas de diversos géneros: acción trepidante, drama, suspenso psicológico, comedia, fantasía, que tienen en común el elemento de la originalidad, ya sea en el planteamiento del guión, la cinematografía o la trama. Son películas que destacan entre el resto, dándonos un respiro de aire fresco ante tanto cine repetido basado en formulas exitosas. Estos films dieron un paso más allá para convertirse en cintas de este milenio que vale la pena destacar.

The Jacket (2005): La circularidad del tiempo

Hay varias cosas atractivas que perfilan a ‘The Jacket’” como una de las películas más interesantes de las estrenadas durante el 2005: Su director, el pintor y cineasta John Maybury, pertenece al cine independiente, ha dirigido mas de 10 películas desde el año 82 y no se ha limitado al rol de director probando su multifacética personalidad como editor, escritor y hasta productor. Es un hombre entregado al séptimo arte, con una pasión por la pintura que le proporciona un sentido muy profundo de la imagen que sabe trasmitir en este film impactante en lo visual y sumamente controversial en su contenido. No pertenece a ningún género específico, porque está muy lejos de ser una mera película de terror y suspenso, si bien estos elementos están presentes, hay en la trama un planteo de ciencia ficción que implica premisas filosóficas frente a la existencia: ¿Podemos viajar al futuro? ¿Tenemos el chance de cambiarlo o somos meros objetos del destino? ¿Existe realmente el libre albedrío?...Lo más interesante es que el film no intenta contestarnos con largas explicaciones, funciona simplemente como botón propulsor de la mente del espectador. Jack Starks (Adrien Brody) es un ex combatiente de la guerra del golfo (1991) que después de recuperarse de un balazo en la cabeza, retorna a su nativo Vermont sin saber muy bien a dónde se dirige. Bajo extrañas circunstancias se verá acusado de un crimen que no recuerda y será confinado a un asilo para criminales enfermos mentales. Allí un doctor lo someterá a un tratamiento experimental que consiste en inyectarle un cóctel de drogas y confinarlo a una chaqueta que lo inmoviliza totalmente mientras a su vez es metido en un cajón de la morgue. A partir de cada sesión Jack comienza a viajar al futuro y se entera que morirá en 4 días del tiempo real, pero no sabe dónde ni porqué. Es así como iniciará una carrera contra reloj para descubrir como evitar su muerte, lo que le da al film un ritmo vertiginoso: ¿Podrá descubrir como seguir vivo? ¿Podrá cambiar el destino?.... No se trata de una historia lineal, no tiene un final claro, por lo que puede resultar algo densa y compleja por su estructura narrativa. A través de Flash Backs vamos recordando el pasado de Jack, teñido de tonos verdosos. Con un sugestivo montaje entramos a su mente y nos deslizamos al futuro ambientado con colores cálidos primando los naranjas en un magistral manejo de la fotografía. Varios tiempos se desarrollan paralelamente y están profundamente entrelazados, como lo están pasado, presente y futuro, en un juego de causa consecuencia que nos plantea dilemas existenciales. ¿En que punto se rompe la barrera entre lo que fue y lo que será? ¿Existe la posibilidad de viajar en el tiempo tan solo con la mente?. ¿Es el tiempo circular? ¿Son el pasado, presente y futuro paralelos?.....estas son algunas de las interrogantes que nos deja esta impresionante película.
 

GEORGE CLOONEY: UN HOMBRE SORPRENDENTE

Fernanda Bargach-Mitre

George Clooney se dio a conocer por su papel en ER, por el cual ganó un globo de Oro como  mejor actor dramático en la serie de TV. A partir de este trabajo le empezaron a llover ofertas en el cine, comenzando por el protagónico en “From Dusk Till Dawn” (Abierto hasta el amanecer), un delirante thriller vampírico de Robert Rodríguez y Quentin Tarantino donde el actor demostró una fuerza interpretativa resaltante. A estas le siguieron muchos otros films, hasta su incursión como productor junto a Steven Soderbergh y finalmente su inicio como director en el año 2002 con “Confessions of a Dangerous Mind” (Confesiones de una mente peligrosa) una excelente ópera prima que ratificó el carácter multifacético de este actor, capaz de emprender múltiples retos. Sin duda se trata de un hombre sorprendente.

Sus comienzos en el cine fueron al principio en películas de buena factura pero más comerciales que intensas como “One Fine Day” junto a  Michelle Pfeiffer, una comedia romántica muy agradable. Su primera colaboración con Soderbergh como director  fue en “Un romance muy peligroso”, un inteligente thriller de acción. El actor protagonizó varias películas en esos años que pasaron sin pena ni gloria como Batman & Robin y The Peacemaker. Pero en el año 1999 tomó el principal en Three Kings, un drama bélico muy irónico dirigido por David O. Russell, que obtuvo muy buenas críticas, y ratificó el talento de Clooney como actor. El crítico de cine Roger Ebert describió la cinta como "una extraña obra maestra, una película de una alocada guerra que mezcla acción y humor golpeándonos de frente dando lugar a una crítica política. Poco a poco Clooney se acercaba más y más a ser considerado un actor serio capaz de actuar en films profundos de esos que nos dejan reflexionando sobre el mundo en que vivimos. Para seguir con el buen cine su siguiente trabajo fue bajo la dirección de los hermanos Coen en “O Brother, Where Art Thou?” en el año 2000, donde encarna a Everett que junto a sus dos amigos escapan de la prisión donde estaban condenados a trabajos forzados y que con la meta puesta en un tesoro enterrado recorrerán en su búsqueda las tierras allende Mississippi encontrándose en el camino con toda suerte de personajes. Una cinta sin duda original y divertida que le mereció un Globo de Oro al actor.

THE INCREDIBLE HULK: ¿REIVINDICACIÓN DEL HOMBRE VERDE?

Fernanda Bargach-Mitre

A pesar que este film del 2008 no ha sido recibido con demasiado beneplácito por la crítica, los nacientes estudios Marvel , que ya nos sorprendieron gratamente este año con la genial Iron man, ahora nos entregan una película, que si bien carece de la maestría del hombre de hierro, posee muchas virtudes que la hacen recomendable. Los amantes del cómic original y en especial de la serie televisiva sobre este descontrolado hombre verde, encontraran la cinta fiel a sus orígenes, donde vemos que la acción va de la mano, con mayor profundidad, con el dilema existencial de Bruce Banner, quien vive huyendo, mientras trata de encontrar la forma de vencer el monstruo que vive en él. Con un guión inteligente, eficaz dirección y un plantel de actores resaltante, este film proporciona la mejor calidad de entretenimiento siendo una adaptación muy correcta del cómic a la pantalla grande.

Dirigida por Louis Leterrier, realizador francés que tiene en su haber las adrenalínicas El Transportador (2002) y su saga El Transportador 2 (2005), donde su manejo de las escenas de acción y las persecuciones en auto demostraron su capacidad para generar vértigo en el espectador. Elegido por los emergentes estudios Marvel, Letterrier afronta con solvencia el reto de llevar a Hulk a la pantalla grande tratando de superar a sendo director como Ang Lee quien realizó en el 2003 una versión que no dejó contento a Stan Lee y que tampoco logro enganchar a la audiencia. La versión de Lee era un poco más densa y bastante pretenciosa. En la nueva cinta, el director francés se centra más en la idea de la serie televisiva que nos mostraba a un nómada Bruce Banner, atormentado, tratando de no intimar demasiado con la gente, pero que siempre se involucraba emocionalmente con algún ser en problemas que terminaba resolviendo el hombre verde, pero que significaba la partida y el abandono del cariño y las relaciones humanas por parte de Banner condenado a la huida constante. Perseguido por el gobierno y el General Thaddeus “Thunderbolt” Ross (William Hurt), él es consciente de que la maquinaria militar que está buscándolo para capturarlo y explotar brutalmente su poder, está siempre sobre sus talones.