Escáner Cultural

REVISTA VIRTUAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO Y NUEVAS TENDENCIAS

ISSN 0719-4757
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Cine

 

 


3:10 TO YUMA: UN WESTERN CON SUSTANCIA

 

Fernanda Bargach-Mitre
ojoadicto@gmail.com

3:10 to Yuma dirigida por James Mangold, un director y guionista que ha demostrado bastante talento en algunas de sus películas como el drama Girl, Interrupted (1999), la historia de suspenso Identity (2003) y el musical biográfico sobre la vida de Johnny Cash, Walk The Line (2005), en las cuales arranca sobresalientes performances de sus protagonistas revelando una excelente capacidad en la elección y dirección de actores. Se trata de un creativo interesante, que con 3:10 to Yuma demuestra una vez más su condición de creativo en crecimiento dando a luz su mejor película hasta la fecha: un western impactante, impecablemente facturado, con actuaciones de lujo y una crudeza que atrapa. Otra imperdible del 2007 aunque no se sea un amante del género.


Perfil de un director prometedor



 

 
 
COSAS QUE PERDIMOS EN EL FUEGO: SIMPLEMENTE DESGARRADORA
 
 
 
 
 
Fernanda Bargach-Mitre
 
 
 
 
 

La realizadora danesa Susanne Bier, conocida por “Después de la Boda”,nominada al Oscar como Mejor Película Extrajeraen el 2006, nos trae en esta oportunidad “Cosas que perdimos en el fuego” (Things we lost in the Fire), una desgarradora película, la primera de esta directora en el mercado norteamericano que ha logrado preservar la esencia intimista y humana del cine que ha caracterizado a esta creadora a lo largo de su carrera. Su última entrega nos cuenta la historia de dos seres humanos unidos por el destino y la pérdida, de manera franca pero sin convertirse en un drama pesado o telenovelesco. Sin duda, un film que toca la fibra más intima del espectador, en base a unas actuaciones brillantes y a un sólido trabajo de dirección.

 

 

 

Susanne Bier, es una aclamada directora que fue de las primeras partícipes del movimiento Dogma 95, bajo cuyos postulados realizó “A corazón abierto” (2002), Sin embargo sería cuando se alejara un poco de los preceptos del movimiento, pero preservando su esencia, con su segunda cinta Brodre/Hermanos (2004) que recibiría 11 nominaciones para los Premios de la Academia de Cine Europeo y sería reconocida mundialmente. Bajo este mismo tipo de cinematografía realizó “Después de la Boda” y en “Cosas que perdimos en el fuego” mantiene el toque intimista y realista de sus films anteriores aunque con una factura mucho más elaborada de mayor presupuesto.

 

El film nos narra la relación de dos seres profundamente heridos por la vida, la reciente viuda con dos hijos Halle Berry, que acaba de perder el amor de su vida y siente que el mundo se desmorona a su alrededor y Benicio del Toro, el amigo de la infancia del difunto marido, que ha perdido casi todo debido a su adicción a la heroína y que se ve profundamente impactado ante la muerte de su único ser querido. El dolor une a ambos seres, que entablan una amistad que los ayudará a drenar sus intensas emociones y llegar a una catarsis que les permita arrancar de nuevo con sus vidas. El destino los ha puesto frente a esta difícil circunstancia, y en la riqueza de su relación, encontrarán una mano amiga, donde el dar adquiere un sentido curativo.
 
 
Con un reparto de lujo, los dos ganadores del Oscar, si bien Halle Berry nos brinda un performance solvente, con muchos matices, es Benicio del Toro el que nos corta el aliento. En su mejor actuación hasta la época, cada expresión facial, cada entonación, cada mirada logran que percibamos como una daga el intenso dolor y proceso de transformación de su personaje. Se trata de una de las actuaciones más resaltantes de este año, del Toro, se mete en la piel del espectador al punto de transportarlo a la crudeza de su realidad y nos envuelve en su convulsionado mundo emocional. Uno queda literalmente erizado ante cada escena del actor, que demuestra su talento como nunca antes. Es en esencia, el corazón del film con una actuación brillante.

KING OF CALIFORNIA: EXCELENTE OPERA PRIMA

Fernanda Bargach-Mitre

ojoadicto@gmail.com

Mike Cahill es el director y guionista responsable de esta excelente ópera prima .Se trata de una historia algo inverosímil pero sin duda muy original, que hace honor a los films sencillos, humanos, de esos que tocan la fibra del espectador haciéndonos reflexionar a la vez de entretenernos. Hablamos, sin duda, de cine de autor, que acompañado de excelentes actuaciones generan un film emocionalmente poderoso y que aún así nos hace reír. La cinta fue un éxito en el Festival de Sundance y auguramos que la actuación de Michael Douglas dará que hablar.


King of California narra la historia de Charlie (Michael Douglas) , el padre de Miranda (Evan Rachel Wood), de tan solo 16 años, que sale después de dos años de una institución psiquiatrica y retorna a la vida de su hija con el más locos de sus planes: Desenterrar un tesoro de oro español aparentemente escondido en California. Charlie se ha obsesionado con la idea de que el tesoro de un explorador español, el Padre Juan Florismarte Garcés, se halla precisamente enterrado cerca de su casa en los suburbios de California. Proveído de un detector de metales, y un montón de libros sobre la búsqueda de tesoros, no tarda en creer que el oro yace bajo el área comercial local de la marca Costco. Charlie es como una especie de Indiana Jones en busca de un tesoro pero en una jungla urbana de cemento.

 

 

EL CINE: INDETENIBLE ADICCIÓN

Fernanda Bargach-Mitre
 

Mi mundo siempre fueron las palabras. A los seis años le dictaba cuentos a mi mamá y a los 8 años empecé mi primer libro de poesías que acabo en 8 páginas escritas a lápiz. Durante mi adolescencia me dedique delleno a la poesía que como buena joven desubicada y contestataria, me servía para drenar mis problemas. A medida que fui creciendo las palabras me seguían fascinando y mi refugio eran los libros, que me permitían imaginar otros mundos. Sin embargo a los 16 años, cuando comenzaba el furor de los video-clubs de cine, me asocie a uno y me dedique a alquilar películas de grandes directores de la época. En ese momento se sembró la semilla de mi adicción: el cine me permitía explorar la imagen, ya en esa época era asidua a la fotografía y prestaba mucha atención a la cinematografía de los films. Por otro lado el cine parecía resumir mis adicciones: Imagen, historia, actuaciones, elementos que me permitían viajar por diferentes realidades y vivirlas plenamente. Encontré en el cine un escape hacia otros mundos, que dada mi sensibilidad, se me metían en la piel, generándome emociones, ideas, estados.

 

Mi afición por el cine se mantuvo varios años como un hobbie. Yo seguía empeñada en la poesía y mandaba mis escritos a concursos y publicaba en revistas colegiales y universitarias. En ese tiempo estudiaba en la Universidad Educación: Mención Ciencias Pedagógicas, licenciatura que terminé puntualmente. Si bien la ejercí la carrera solo por cinco años, a nivel educativo directo, fue mucho más lo que esta licenciatura me dejó. Cuando se estudia Ciencias Pedagógicas aprendes a enseñar, por consiguiente a investigar, ya que la idea general es tomar algo complicado y hacerlo simple para que otro pueda entenderlo fácilmente. Esto me proporcionó, la capacidad de encontrar la esencia de las cosas, el nudo del problema y como deshacerlo. Nunca me imaginé que estas capacidades serían la raíz para escribir de cine, pero así lo fue.

 

En 1999 empecé a trabajar como Secretaria de Redacción de una revista argentina “Newton las Pelotas” de malabares y nuevas artes escénicas. Me propusieron dada mi estrecha relación con las palabras, escribir sobre cine y circo. Mi primera nota fue sobre Fellini y su visión del circo a través de la película I Clowns. Para este debut me ví varias películas del director, me leí su biografía y varias entrevistas, estaba usando las capacidades de mi carrera universitaria en otro ámbito. La nota quedó muy bien y me encargaron otras que publiqué en esa revista. Luego regrese a Venezuela y me ofrecieron trabajar en una página web: El Gusano de Luz en la parte gráfica y hacerme cargo de la sección de cultura. Recuerdo que la primera nota que escribí era sobre Spike Lee, la cual quedó algo académica. Poco a poco fui perdiendo el miedo y mis artículos empezaron a fluir. Mi adicción por el cine se hizo una constante, unapelícula por noche y a veces dos. En el Gusano de Luz me ofrecieron una columna, que acepté y que me permitió conocer a mucha gente relacionada con la cultura. Mi gran amigo virtual, Carlos Yusti fue mi enlace con www.arteliteral.com, donde me eligieron como colaboradora y con mi querido Escaner Cultural, donde he tenido laoportunidad de satisfacer mi constante necesidad de escribir sobre el séptimo arte. Actualmente publico en una revista impresa en Caracas llamada Fauna Urbana y tengo una sección de nombre Adición visual en www.homines.com., una página española.

 

SEVILLA FESTIVAL DE CINE EUROPEO 2007

( O DU LEVANDE Y OTROS FILMS )

 

Sevilla Festival de Cine 100 % Europeo en su cuarta edición, se ha celebrado del 2 al 10 de noviembre. Las secciones Oficial a Concurso, Europa-Europa, Eurimages y Eurodoc han englobado un total de 240.000 euros en premios destinados a la difusión de la cultura cinematográfica europea, con mayor atención al nuevo cine europeo emergente.

La cinematografía de 33 países, en su mayor parte europeos, ha estado representada en la edición 2007 de este Festival, cuyo país invitado es la República Checa. En total se han proyectado 150 títulos de los que  24 han sido preseleccionados por la European Film Academy (EFA) para optar a sus prestigiosos Premios de Cine Europeo (European Film Awards), cuyas nominaciones se dieron a conocer, un año más, en el marco del festival hispalense.

 

Un número de títulos que nos parece excesivo para la duración del festival y las proyecciones programadas, 16 títulos de la sección oficial y 33 de la sección Europa-Europa ya son suficientes para tener ocupados a los profesionales durante los ocho dias de proyecciones, y quizás manteniéndose en un número sensiblemente inferior al de este año daría mas tiempo de visionar un mayor porcentaje de la oferta… 

Dentro de la Sección Oficial a Concurso, Sevilla Festival de Cine cuenta con el Giraldillo de Oro a la mejor película, con una dotación económica de 60.000 euros, entregados al distribuidor de la película en España, así como el Giraldillo de Plata y el Premio Especial del Jurado, con una dotación de 30.000 euros cada uno, entregados al distribuidor de la película. En la sección Europa_Europa se ofrece el Gran Premio del Público (por votación popular) a la mejor película, que consiste en 60.000 euros, entregados igualmente al distribuidor de la película en España. Por otra parte, el Premio Eurimages está dotado con 30.000 euros para las películas que entran a competición dentro de la sección que lleva el mismo nombre. Eurodoc, en cambio, cuenta con el Giraldillo de Oro a la mejor película documental, dotado con 30.000 euros para una mejor distribución de la película.

                Este certamen se ha convertido en una referencia imprescindible en el continente, tanto por la cuantía de sus premios (es el festival donde los documentales reciben mayor compensación económica) como por el apoyo del que disfruta de instituciones como la European Film Academy (EFA) o las autoridades culturales comunitarias.

 

 

 
 
TOM CRUISE: MÁS ALLÁ DEL ICONO

 

Fernanda Bargach-Mitre

 

bourne ultimatum

 

LA TRILOGÍA DE BOURNE: CIERRE CON BROCHE DE ORO

Fernanda Bargach-Mitre, Venezuela

 

bourne3

Finalmente ha llegado a las carteleras una de las películas más esperadas del año para los amantes de la acción y el espionaje: 'The Bourne Ultimátum’. La primera de la saga, ‘The Bourne Identity’ fue dirigida eficazmente por Doug Liman. En la segunda entrega ‘The Bourne Supremacy’ hubo un cambio muy favorable de director por Paul Greengrass (United 93), que le aporto mayor realismo y un ritmo frenético difícil de olvidar.

Dr. Adolfo Vásquez Rocca

 

Pontificia Universidad Católica de Valparaí­so - Universidad Complutense de Madrid

 

Antonioni - Adolfo Vasquez Rocca

 

Quien no haya visto nunca una pelí­cula suya puede revisar los últimos minutos de "El eclipse" (1962) y entender el legado de un director que desarrolló una mirada única y supo evolucionar desde el documental y el neorrealismo hasta el cine digital y el fragmentario registro de las historias sin historia de la posmodernidad. En la última secuencia de "El eclipse" se escucha a Prokófiev. No hay diálogos. La cámara recorre las calles de Roma desiertas en lentas panorámicas: los árboles mecidos por el viento, riegos de agua en el asfalto, el rostro fragmentado de personajes a la deriva. Antonioni muestra un mundo en suspenso, sus historias están llenas de tiempos muertos. Todas sus aventuras se disuelven en la nada.

 


El gabinete del doctor Caligari

 

EL GABINETE DEL DOCTOR CALIGARI, SU LEGADO

 

Enrique de santiago

artedeenrique@yahoo.es

 

 

El expresionismo en el film “El Gabinete del doctor Caligari” marca un comienzo dentro del Arte de vanguardia en el cine, esta película de Robert Wiene del año 1919, contiene fuertes elementos del expresionismo alemán de la época, como una manera de respuesta a la sociedad y cultura de la época, una pieza engendrada como reacción a la depresión, provocada por la derrota de Alemania en la primera guerra mundial, ya que la firma del tratado de Versalles, con sus leoninas condiciones, marcan el inicio de una era de profunda crisis económica y pesimismo en esta nación, y además se suma a esto la desconfiada relación entre el Estado y pueblo, la que se vería reflejada en esta obra monumental del cine arte. Pero podemos identificar además en esta cinta el nacimiento, o los inicios del surrealismo, planteados en sus decorados o escenografía, llevada a cabo por el gran maestro ilustrador austriaco, Alfred Kubin, quien con sus propuestas tanto en la gráfica ilustrativa, como en este filme con sus espacios curvos, muros inclinados, chimeneas y techos desproporcionados, obtusos, oníricos, y una carga de metalenguaje, heredada del Simbolismo, dan a este filme una característica única, tanto así que Kubin sería unos de los inspiradores del movimiento surrealista que asomaría en el año 1924. Esta película en principio estaba encargada en su dirección a Fritz Lang, pero el exceso de compromisos de este, lo obligaron a desistir dejándole su lugar a Wiene. Otro notable personaje que participa en este trabajo fue el encargado de la fotografía, de un profundo lirismo negro, Willy Remesteir, quien da con el nivel exacto, entre forma y atmósfera que el director deseaba. Punto aparte es la notable actuación de Werner Krauss, como el doctor Caligari y Conrad Veidt, en el papel de Cesare.

 

La obra transcurre en una ciudad que es visitada por este intrigante doctor, quien viaja mostrando esta suerte de carpa circo de rarezas y variedades, lo bizarro de la historia, es el reflejo del espíritu humano enfrentado a una realidad que le es hostil, y a toda criatura que surge de ella, Cesare, es el producto de esta sociedad decadente, con un ser humano agobiado que busca, en los planos físicos, una respuesta a su existencia. Cesare esta suerte de sonámbulo, este ser hipnotizado y bajo poderes ocultos, que ha permanecido así durante 20 años, lleva en él, impreso el terror de no saber quienes somos, y quienes podemos llegar a ser, pero quizás la realidad de este personaje es menos escalofriante, que la verdad misma que agobia al espectador que lo observa, y por lo ende, la mirada nuestra, hoy en día.

 

 
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DAVID FINCHER: GENIO DEL SUSPENSO
Fernanda Bargach-Mitre

ferwestein@yahoo.com

 

El director norteamericano David Fincher, proviene del mundo del video-clip, en 1986 fundó la productora Propaganda Films, dirigiendo videos de alto presupuesto para artistas como Madonna , George Michael, Aerosmith y los Rolling Stones . En 1995 dejó a la crítica y al público impactados con su segunda película “Seven” que marcaría un corte en el género del suspenso policial, en un film excelentemente realizado, con una fotografía exquisita y una trama sorprendente. Fincher demostró en este segundo largo que tenía pasta como director de firma y lo ratificó en sus siguientes películas, todas imperdibles. Sin duda se trata de un creativo que le ha dado un nuevo empuje al cine de suspenso psicológico, incluyendo su última y solvente entrega “·Zodiac” (2007) , una película magistral, que ratifica el talento de este director de vanguardia.

 

 

 

Shh hö än lyssna Tystnaden än Gud

Shh hay que escuchar El Silencio de Dios

En exclusiva para Escaner Cultural
por Juan José Díaz Infante

jdiazinfante@altamiracave.com

Man Ray: än hö fem minuterna minnesvärd på någon hinna den betydande hon er lära sig för se film.

Man Ray decía que hay cinco minutos memorables en cualquier película lo importante es aprender a ver cine.

Henne schizophrenia är prisen vilken den Homo Sapiens bor betala vid den språk

Cuando murió Tarkovsky, Ingmar Bergman declaró, que Tarkovsky había podido abrir algunas puertas que él no había podido abrir en el cine. Este mes de Julio al morir Bergman termina una generación de cineastas que descubrían cine, cuyo juego de cámara no necesariamente era la de complacer al público, ratings y finalmente el juego del dinero por el dinero.

Henne invisibility om craft är honom unik vilken hon tillåt henne händelse , hnne permanent och henne renheten. Henne poesien och på bestämd henne poiesis är lyckligt osynlig , huvudpunkt av huvudpunkt. Är esa natur indestructible irrenunciable om spöke göra - tro på vilken för... sedan vilken underhållaren den Maj bli osynlig mocka den blick ute genomsnitt.

Mi historia con Bergman inicia cuando yo tenía 15 años y por alguna razón tuve el interés de empezar a ver algunas de las películas que se consideraban como cine culto o cine de arte. Mismas que en aquella época de los 70s las copias siempre estaban rayadas y uno le tenía que dar la continuidad a la imagen y al sonido en la imaginación. Era dificil encontrar las películas de Visconti, Fellini, Tarkovski o Antonioni y, era un problema tratar de ver toda la filmografía, estas sesiones de cultura lo llevan a uno a perder amigos sociales y aprender a estar solo en salas vacías.

DIEZ PELICULAS, DIEZ HISTORIAS

Fernanda Bargach-Mitre

ojoadict@gmail.com

Este artículo, intenta rescatar lo mejor del cine de esta última década, para ello he escogido películas que ya sea por la calidad de la trama, la cuidada realización, la fotografía, la cinematografía o el montaje, resaltan entre el resto. La idea es buscar en el pasado alternativas ante la falta de buenos estrenos. En épocas de escasas producciones nuevas de calidad, es indispensable tener presente títulos que a lo mejor pasamos por alto y no vimos o que definitivamente valen la pena volver a ver.Como era de esperarase muchos films quedaron por fuera y serán objeto de futuras entregas.

Sin City (2005): La cruda urbe del pecado


Robert Rodríguez y Frank Miller se atrevieron a llevar a la pantalla grande, la famosa ciudad del pecado, cómic que Miller impusiera por su estilo oscuro, de personajes violentos dibujados en explotado blanco y negro. El film firmado en formato digital y con una sutil presencia de color, logra ser una de las adaptaciones del género del cómics más fiel que se haya llevado al cine en los últimos tiempos. En Sin City Robert Rodríguez comparte los créditos de dirección con el propio Frank Miller y entre ambos logran recrear a la perfección ese submundo oscuro, que literalmente transporta al espectador con su imponente estética y sus entrelazadas historias a un lugar lleno de seres marginales, olvidados, sumergidos en un mundo amoral plagado de alcohol, prostitución y violencia. Al margen, vale decir que Quentin Tarantino se desempeña como director invitado y quien mejor que él para tratar ‘tiempos violentos' como los que caracterizan a esta urbe. Fiel al cómic, la cinta es en blanco y negro, con un inteligentísimo uso del color en escenas claves a través de ocurrentes recursos. Sus contraluces impactan tanto como sus sugestivos grises en un homenaje al film noir, de crímenes y detectives, típico de la era de los cuarenta, en el periodo de la post guerra y caracterizado por la belleza oscura de sus fotogramas. La película obtiene la mejor puntuación en la recreación de esta ciudad corrupta, con una excelente fotografía y un montaje interesante, ambos a cargo de Robert Rodríguez. Es un film para amar u odiar, como sus escenas cargadas de contraluces y contrastes, sus historias son crudas y sus personajes extremos. Una cinta que plantea un acercamiento distinto al cómic, cargado de originalidad con una propuesta estética y narrativa novedosa en la pantalla grande, que se convierte en un libro de historietas con vida propia. Definitivamente una opción con sello de autor.

Children of Men (2006): Desesperanzada humanidad


 

Se trata de un film muy interesante que paso bajo la mesa, dirigida por el talentoso Alfonso Cuarón y protagonizada por Clive Owen y Julianne Moore. Estamos frente a un thriller futurista lleno de contenido intelectual, no es una típica película del género, rompiendo patrones y presentándonos una historia interesante y una filmografía exquisita, de hecho estuvo nominada para los premios Oscar 2007 en los renglones de mejor Guión Adaptado, Mejor Edición y Mejor Fotografía. La película nos presenta un futuro oscuro donde las mujeres no pueden concebir y la raza humana ha perdido la esperanza de supervivencia.. El film cuenta con consistentes actuaciones y funciona tanto como un trhiller trepidante a la vez que nos hace reflexionar sobre la raza humana. Con una realización muy cuidada, recordemos que Alfonso Cuarón, fue director de ‘Y tu mamá también ' y ‘ Harry Potter y el prisionero de Azkabán ', por lo que no es de extrañar que estemos frente a una buena cinta. Otro punto a destacar es la impecable Banda Sonora que sabe acompañar magistralmente las imágenes. Es un film sin duda algo desolador en su temática lo que es apoyado en la forma en que esta filmado, transmitiendo bastante desasosiego, sin embargo es una gran película que merece la pena verla.


Munich (2005): La futilidad del odio


 

Steven Spielberg, considerado uno de los directores más poderosos de la meca del séptimo arte, abandonó su cine de 'taquilla' para realizar un film maduro que puso el ojo en el conflicto palestino-israelí. Inspirada en hechos reales ocurridos tras el asesinato de 11 atletas israelíes a manos de terroristas palestinos durante las olimpíadas de 1972, el film se centra en la ‘Operación Ira de Dios', un complot antiterrorista que nunca fue reconocido oficialmente por las autoridades de Israel y que tenía como meta asesinar a los 11 supuestos responsables del ataque. Como era de esperarse la cinta despertó duras críticas, que acusaban a Spielberg, entre otras cosas, de tratar superficialmente y sin bases sólidas un conflicto milenario. Más allá de toda la controversia que despertó, Munich , es una excelente película que retoma el cine político-social, que se compromete y reflexiona sobre la realidad que vivimos, a través de la mirada a un acontecimiento terrorista sin precedentes y retrasmitido en directo a todo el mundo. La visión de Spielberg del conflicto en Medio Oriente le ha ganado ataques de una parte de la poderosa comunidad judía en los Estados Unidos y de los palestinos. Ninguno de los dos ‘bandos' estuvo conforme con la versión de los hechos. Y es que Munich intentó ser lo más imparcial posible, mostrando que un acto terrorista, cometa quien lo cometa, es un acto repugnante e injustificable. Munich estaba destinada a ser una obra incomprendida por muchos. Tratar el conflicto palestino-israelita trae consigo indudable controversia al existir tantos y distintos puntos de vista. Sin embargo, celebro la osadía del director en afrontar este tema espinoso y exponer al mundo las terribles consecuencias de la intransigencia y el odio entre los hombres en un conflicto donde no hay ni buenos ni malos, pero sí mucho fanatismo.

 

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KRZYSZTOF KIESLOWSKI: MAESTRO DE LO SIMBÓLICO
 

Por: Fernanda Bargach-Mitre
ferwestein@yahoo.com

El director neyorquino, Darren Aronofsky realizador de obras que han marcado pauta en la cinematografí­a de los últimos tiempos como su genial ópera prima "PI" (1998) y su excelente y segundo film "Réquiem for a Dream"  (Réquiem por un Sueño / 2000), nos trae su última y poética pelí­cula: The Fountain (La fuente de la Vida /2006). La crí­tica se ha divido en sus opiniones al respecto y el film parece generar amantes y detractores por igual. En el Festival de Venecia obtuvo tanto aplausos como abucheos mientras que en el Festival de Cine Fantástico de Sitges fue completamente aclamada. Se trata de un film complejo que han querido catalogar de ciencia ficción, cuando es de un registro tan amplio que no puede ser encasillado en un género especí­fico. Es una cinta con una narrativa fascinante que entrelaza tres historias en tres tiempos distintos y que es de cita obligada para los amantes del séptimo arte justamente porque rompe con los patrones establecidos. Cuando hablamos de Aronofsky, estamos frente a un director valiente, independiente y experimental que ha sabido llevar a la pantalla grandes historias originalmente contadas y realizadas. Se trata de verdadero cine de autor, por lo que hay que hacer caso omiso de las malas criticas y formarse una opinión propia en una cinta que da mucho para reflexionar sobre la vida y la muerte.

 


HALF NELSON: UNA BUENA DOSIS DE CINE INDEPENDIENTE

Fernanda Bargach-Mitre

ferwestein@yahoo.com

Half Nelson es la ópera prima del director Ryan Fleck, quien también co-escribió el guión junto a Ana Boden. Se trata de una pelí­cula independiente que representa lo mejor del cine indie del año 2006 en base a una historia que si bien se basa en una premisa poco probable, es tan realista en su forma de plantearla que logra que traspasemos los personajes para que se conviertan en seres humanos como nosotros. Es un film duro de digerir, justamente por su toque realista que apoyado en las excelentes actuaciones de Ryan Gosling y Shareeka Eps sale de la pantalla y se nos clava en la memoria.