Vie, 10/03/2008 - 20:24 | 
TAKEN: LA DUPLA MOREL / BESSON
Fernanda Bargach-Mitre
ojoadicto@gmail.com
Taken (2008) es una película de acción trepidante, dirigida por el francés Pierre Morel quien tiene en su haber la impactante District B13 ( 2004), un film innovador de acción callejera afincado en el “parkour”, escrito y producido por un grande del cine como Luc Besson. En esta segunda colaboración, Besson co-escribe el guión con Robert Mark Kamen y asume de nuevo el trabajo de productor. El resultado es una cinta poderosa, con un alto contenido de violencia al servicio de la historia, que se convierte en un bocadillo delicioso para aquellos que buscan adrenalina y sobresaltos en el cine. Besson como guionista parece experto en films de acción imparable, como es el caso de la dupla del El transportador, que ya va se convertirá en trilogía con una tercera entrega que se encuentra en post- producción y Taxi que ya lleva 4 secuelas. En Taken, se ratifica el talento como guionista de este multifacético creativo y la capacidad de Pierre Morel de plasmar con solvencia la trama, en un impecable trabajo de dirección.
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ERRORISMO SURREALISTA, ETCÉTERA
Enrique de Santiago
artedeenrique@yahoo.es
El colectivo errorista Etcétera que está radicado en Buenos Aires, ha llegado a Chile, específicamente al Museo de Arte Contemporáneo. Y de que manera lo ha hecho, con un montaje impecable, pero lleno de errores y eso mismo lo hace impecable. Pues el error es conducente a corregir lo mal llamado “correcto” en una sociedad desigual, cruel y castradora de los sueños, los buenos errores, el absurdo, lo patafísico.El errorismo humano es….todo lo demás que es no erróneo, nada es, ya que todo es aparente, y en esas apariencias erramos, o enmendamos el rumbo y erramos, o todas las anteriores, en todo caso prefiero errar, que matar, pero en este plano físico se condena al que mata por error, más que al que asesina a gran escala como política de estado y por la patria, a ese estadista se le condecora y puede suceder incluso que un sacerdote bendice las armas antes de la batalla, su error entonces es ser un soldado con faldas.
En fin, Etcétera ha venido a instalarse a uno de los tantos centros del error, que es Chile, un tremendo error en si mismo. Y ya antes habíamos tenido su presencia en este error detrminado por fronteras movedizas que responden a intereses oscuros, que por cierto no han sido producto de un error, sino que de un terror llamado ambición. Anteriormente también estuvieron en el MAC, pero eso es irrelevante hoy, lo que importa es que están y su resonancia errorista es potente, nos conmueve, no nos deja indiferentes, por que como ellos lo definen nosotros somos "espectactores", y no queremos quedarnos indolentes ante esto, queremos ser parte, ansiamos ser erroristas, tanto como como somos surrealistas.
EL RESQUEBRAJADO DESTINO DE LAS HERMANAS HUDSON
Alvaro Oliva
Imposible olvidar la historia de las hermanas Hudson en la película “What ever happened to Baby Jane?”. Creada en 1962, y protagonizada por la bella Bette Davis y Joan Crawford nos sumerge en una historia de éxito y decadencia donde el menú de sentimientos y acciones humanas cobran protagonismo.
La cinta, dirigida por Robert Aldrich, nos cuenta la vida de dos hermanas que terminan odiándose.
Jane se hace famosa cuando es niña al triunfar en el canto y el baile, mientras su hermana Blanche vive sus primeros años con un bajo perfil. Sin embargo, con el transcurrir del tiempo los papeles cambian y mientras Jane comienza a perder fama, Blanche alcanza renombre en Hollywood, cuando es adulta.
A pesar de este revés, la carrera de Blanche se detiene tras un accidente automovilístico bastante confuso. Así, queda en silla de ruedas y bajo los cuidados de su hermana Jane quien, perturbada mentalmente, comienza a cuidarla y a torturarla por haberle quitado el sitial que tenía.
De esta forma, la apariencia de Jane se deteriora y comienza a vestirse como una niña y a maquillarse grotescamente mientras bebe en exceso. La locura de Baby Jane llega a tal punto que llega a mantener aislada a su hermana y a preparar almuerzos con animales muertos.
Posteriormente, Jane asesina a la sirvienta de la casa, tras enterarse del estado y abandono de Blanche. Sin embargo, a pesar de la evidente locura y odio hacia Blanche el final de la película nos da una muestra, una vez más, que las apariencias engañan.
ESCANER CULTURAL, Nº 109, OCTUBRE, 2008
¿DÓNDE ESTÁ LA POESÍA?
Primer Encuentro de Poesía Experimental
“Amanda Berenguer”
Desde México: César Horacio Espinosa V.
número 109 - octubre 2008
POESÍA VISUAL EXPERIMENTAL - CONFERENCIA DE CÉSAR ESPINOSA EN CHILE
Con gran entusiasmo recibimos la visita de César Espinosa en Santiago de Chile.
Espinosa junto a su esposa, Araceli Zúñiga, colaboran como columnistas de Escáner Cultural, donde a través de diversos artículos, se pueden apreciar sus compromisos con el arte alternativo, experimental y de vanguardia. Desde los años 60 hacen un enorme esfuerzo por difundir, documentar y reflexionar en torno a diversas manifestaciones artísticas, como poesía experimental, poesía visual, arte correo, arte acción.
En esta ocasión, César había sido invitado a Uruguay, a un evento de poesía visual, organizado por Clemente Padín en Montevideo y tuvo la iniciativa y gentileza de pasar por Chile a crear una red de trabajo conjunto y compartir su experiencia de Uruguay.
El encuentro convocado por Espinosa, tuvo lugar en el Museo de Arte Contemporáneo y expusieron sus trabajos y obras de arte digital, los artistas Yto Aranda, Felipe Cusen y Martín Bakero, donde expresaron la influencia de la poesía experimental en sus trabajos.
La ponencia de Espinosa, fue una muestra de las una y mil posibilidades que ofrece el mundo de la poesía, el arte, la creatividad y la perseverancia, en un mundo lleno de paradigmas y fronteras ideológicas.
Es necesario realizar festivales que rompan la distancia entre México y el Cono Sur: el artista mexicano César Espinosa
En su intervención acerca de las Bienales Internacionales de Poesía Visual-Internacional, celebradas en México desde 1985-86 hasta este año (tendrá lugar la décima y última, en la Ciudad de México), el artista mexicano César Espinosa señaló que el trabajo de la poesía experimental no solo se restringe a la hoja de papel, al formato bidimensional, sino que necesariamente experimenta con el arte-acción, el video, la voiz y el sonido, y todo lo relativo al desarrollo hipermedial y del Internet.
Con una participación de 300 a 350 autores, las Bienales en México han sido un evento importante. Artistas como Clemente Padín, Arrigo Lora Totino, un expositor histórico de la poesía visual italiana, o Dick Higgins, figura de primera importancia en el grupo Fluxus desde los años ´60, han estado presentes en estas bienales.
En 1985 se convocó a la primera Bienal, con varias secciones internacionales y una mexicana. En 1990, la tercera bienal constó de seis exposiciones simultáneas en la Ciudad de México, Uruguay, Argentina y Chile, curada ésta por Clemente Padín y Jorge Echeñique; hubo una sección de USA y de Portugal, respectivamente, y se inauguró la videosala “Pola Weiss”, pionera del video en México.
Alcibiades o la Universalidad de la Ambición
Este artículo se reproduce en la columna de Diego Cerda Seguel, en Escaner.cl con la expresa autorización del autor
Mariano Nava Contreras
Universidad de Los Andes (Venezuela)
Palabras claves: Alcibíades, Jackeline de Romilly, Grecia Clásica
El Performance: Una Forma de Exponerse a los Demás.
De Las Mutaciones
Araceli Zúñiga
Diseño de columna: Federico Martínez Montoya
María Eugenia Chellet
Ciudad de México 1948
¡Mujeres en Acción! Investigación de Josefina Alcázar, piedra roseta para (intentar) acercarnos a los códigos del Performance en México.
A través de esta Serie documental de las mujeres en acción mexicanas, podemos conocer desde muy cerca el trabajo de artistas que trabajan enriquecidas y reinventadas a través de múltiples referencias personales. Hoy le corresponde a María Eugenia Chellet. Una clásica del Performance: Rosa de Sarón.
María Eugenia Chellet realiza sus primero trabajos de performance en 1989 y parten de la fotografía y el collage. Su obra tiene que ver primordialmente con el autorretrato, como una forma de explorar la identidad. Aborda el mundo mítico de las imágenes femeninas idealizadas en la pintura clásica, en el cine, en la historieta, en los pin-ups en la publicidad. Su obra es ritual autorreferencial. Ha incursionado en el performance “familiar” (esposo e hijo).
FRANCIS BACON; LA DERIVA DEL YO Y EL DESGARRO DE LA CARNE.
Adolfo Vásquez Rocca
Para el pintor inglés Francis Bacon1 el cuerpo se presenta como un objeto mutilado que regresa a la animalidad. Toda su obra se ocupará del problema de la representación obsesiva del cuerpo humano con sus implicancias estéticas, biográficas e identitarias. En su pintura, como se verá, el hombre padece el desgarro de la carne, que es interpretado como el fin del cuerpo y el último reducto del yo. Con la deriva iconográfica del retrato y su búsqueda del reconocimiento existencial se difuminan los rostros, se escinde el yo y se desmiembran los cuerpos, en esa lucha por la fijeza, por la estabilidad jamás conseguida que encontramos en la obras de Francis Bacon. Una visión desesperada que nos adentra en el territorio de la decadencia y la alienación: el éxtasis, el deseo de la carne, los fluidos, el detritus, la mutilación y la muerte que invaden sus telas.
Francis Bacon; el desgarro de la carne y la deriva del yo2.
- Bacon ya era un mito antes de morir. Él fue su mejor obra de arte. Un hombre de extremos. Genio maldito. Un caballero educado, elegante, borracho, jugador, promiscuo y pendenciero. Un ateo que pintaba papas. Con obra en todos los grandes museos de arte contemporáneo del mundo. Dulce y agrio. Traje a medida de Savile Row y labios pintados. Un vídeo de los ochenta le perpetúa sin rumbo fijo por Londres con su caminar elástico y ambiguo3.
ALBERTO LAGOS – FOTOGRAFIA DIGITAL
Por yto.cl
Gran fotógrafo, sin duda, de personalidad extrovertida, sin pelos en la legua, Alberto Lagos trabaja en sus Panorgánicas del micro y macro paisaje con entusiasmo y amor. Lo conozco desde que fotografiaba las exposiciones y esculturas de Francisca Núñez, poco después de su vuelta a Chile, con dedicación, un poco de locura y su Sandra al lado, apoyando sus proyectos y siempre, siempre, con su cámara y sus sueños. De energía inagotable se ha ganado mi respeto y admiración.
Este año viajamos junto a otros artistas, invitados por Claudio Rivera-Seguel a la exposición DigitalChile08 en Montreal. 15 días de convivencia, en donde tuve la oportunidad de verlo vivir como fotógrafo, su cámara heroicamente sufriendo las inclemencias del tiempo, en manos del fotógrafo incansable, siempre atento a la ciudad y sus detalles, las huellas en la nieve y recreando en imágenes la breve aventura de los viajantes.
Al final de este artículo encontrará un resumen de la trayectoria del artista, y en sus apasionadas repuestas, podrán conocerlo a fondo, ya que Alberto no vive una impostura, es un hombre tal cual, que conquista con su sinceridad.
Puedo dar testimonio del éxito que tuvo su trabajo en Montreal, el público se sentía cautivado y atraído por su instalación fotográfica, que le dio la nota de color y de paisaje chileno a DigitalChile08.
Basta de preámbulos, les dejo aquí la entrevista, que es lo que nos interesa…
EL ARTE ES UN CAMINO A LA EXPANSIÓN DE LA CONCIENCIA
Judith Villamayor, Julio 2008
http://villamayor.com.ar
La magia, lo invisible como parte real de nuestro hábitat es también materia prima junto a los acrílicos, las velas, el cemento o las palabras para el desarrollo de mi obra, que es sólo el registro de mi evolución.
Exploro el material o la forma que necesite, para entender un poco más mi entorno, mi gente. Me llama la atención que las personas puedan ser tan violentas, o abandonarse al desamor, como también la excelsa vibración que provoca lo divino, el amor filial, la contemplación… me sorprende la gente perdida, la locura, la muerte, los suicidas, los deformes, los bellos, las putas, el sexo, la cuántica, los ovnis, las series espaciales, la ficción, las historias breves, la perfecta complejidad de los números, las profecías…
Hoy abordo tres ejes, uno en relación del ser con lo divino, el ser con el otro, y el ser con el mismo.
LA RELACIÓN ENTRE EL ARTE CORREO Y LA POESIA VISUAL
Clemente Padín
7w1k4nc9@adinet.com.uy
Las firmes relaciones entre la poesía visual y el arte correo no son casuales y se originan, ciertamente, en sus estatus de artes no ovacionadas por el sistema cultural oficial, es decir, de sub-artes o cosas que están allí para que se entretengan los artistas alternativos. Considerando, además, que son entidades totalmente diferentes: el arte correo es un soporte, un medio de difusión. Apenas si puede intervenir levemente en las obras que difunde en tanto componente de la forma de expresión, es decir, con su “ruido”, con los “accidentes” que provoca su manipulación por los funcionarios del correo, el azar o por las indecisas órdenes de envío y/o de remito. Me refiero a los procedimientos propios de la oficina postal, estampillas y sellos de goma oficiales, la disposición espacial de los textos en la postal o en el sobre, las direcciones de los remitidos y los remitentes…todo ello expresa y se suma a la gama de procedimientos artísticos previstos por el artista.
¿Cuáles han sido los objetivos del arte correo desde las primeras experiencias de Ray Johnson a mediados de los 60s? Ray Johnson enviaba obras inconclusas a sus amigos para que las terminaran y enviaran a determinadas Galerías antes de cierta fecha límite. Los objetivos eran la interacción y la difusión de la obra de arte bajo el control de los propios creadores y, sobre todo, la comunicación personal, sin intermediarios. No se trata de una corriente de expresión artística específica centralizada en un "ismo" (como el Surrealismo o el Abstraccionismo, etc.) sino de una forma artística que admite cualquier medio y cualquier corriente estética: The Eternal Network de Robert Filliou, el proyecto utópico, tal vez inalcanzable, de la comunicación permanente y constante de todos en todos los tiempos a través de todos los medios de comunicación disponibles.
La mujer, la mujer-artista, el arte (el objeto). Primeras conclusiones
La mujer, la mujer-artista, el arte (el objeto)
Primeras conclusiones
Con la mujer-artista nomino al recorrido que hace la mujer de ser objeto-modelo para Otro (Gala), a ella ser objeto-artista al mismo tiempo, en la perfomancia. Con ‘El caso Eulalia Valldosera’ nomino al encuentro con la obra de esta artista donde surgen los conceptos de acción y de instalación y su reformulación como significantes ordinarios, el agujero en el Otro, el significante en la barra del otro -S(A/)-, que permiten discernir por un lado la realidad en que estos operan y por otro el modo de sexuación que ello implica.
primer momento:
1. la escisión entre la imagen y el objeto. En el esquema R con i(a) Lacan escribe la representación, una imagen y el objeto con que se materializa. ¿Qué sucede si se escinde la imagen y el objeto? Se trata de una imagen vacía, una imagen sin objeto, se trata de la figura por excelencia, Lacan la denomina ‘la forma’, entre un significante y otro significante esta la forma. Con la caída de la figuración, queda como resto la materia misma, representar un objeto por su materialización sin forma ninguna, primer salto.
2. Si al salto de trabajar directamente como ‘material’ de la obra se agrega un segundo, el soporte ya no es el bastidor/tela, o la materia/escultura, sino el propio cuerpo del artista, el soporte ahora será el cuerpo del artista. Y aquí donde surgen las primeras mujeres-artistas, es cuando tienen que poner su cuerpo como soporte de sus obras. De aquí en más ya no se hablara más de representaciones sino de presentaciones, es la presentación directa de la cosa, el soporte de la imagen.
Es la escisión i de a y el salto al ‘cuerpo del artista’ como soporte de la obra, por consiguiente surgen las primeras mujeres-artistas que hacen un aporte fundamental en este proceso, las denomino ‘las perfomáticas’.
segundo momento:
De aquí surgen dos cuestiones fundamentales la de ‘realidad’ y la de ‘operador’, ya que no podemos acceder a la realidad, que no-existe, sino es a través de un operador. Este es un salto importante en la obra de EV, si la realidad es un producto, se ha de construir, el operador será el aparato de dicha construcción, el esquema R, por ejemplo.
Pero este será el operador de la figuración, de la representación, la figura será el resultado del aparato de la representación, por ejemplo la perspectiva. EV va a sacar el aparato de la trastienda y lo pondrá en el centro de la escena, ‘el aparato será el objeto’, y el espectador es el que pondrá su imagen/figura en dicha escena. Eulalia Valldosera, con ‘el operador como objeto’, nos permite leer como se pasa ‘del sujeto representado por el significante al sujeto representado por el agujero’. Es lo que mas adelante Lacan va a denominar ‘el lugar’ del significante, ella trabaja con este ‘agujero’ de representación, a la espera que el espectador disponga allí su imagen.
CONOCIMIENTO SE ESCRIBE SIN EFE, MI QUERIDO PEDRO
Fotografía, pensamiento desarrollado y economía global
Al repetir una mentira sesenta y cuatro mil veces
se convierte en verdad
Aldous Huxley, en un Mundo Feliz
Por Juan José Díaz Infante
Jdiazinfante@altamiracave.com
Últimamente he estado pensando en una relación de la fotografía como un síntoma de una sociedad desarrollada. Un indicador de pensamiento y capacidad de comunicación. Un referente de la posibilidad entender el concepto de valor agregado, básicamente la posibilidad de poder ver un pieza de un rompecabezas que permita establecer procesos de comapración entre un proyecto de sociedad desarrollada y una subdesarrollada. La idea no es generar una crítica fácil sino un experimento de observación. Lo cual permite tener un lugar o un nudo de identificiación, un lugar de donde asirse. Cuando uno corrige una sola cosa, permite un efecto dominó, se corrige la siguiente inmediata que corrige la siguiente inmediata y así sucesivamente.
La capacidad de ver calidad tiene que ver con la capacidad de ver valor y eso es la verdadera riqueza y la verdadera sociedad avanzada. La palabra clave siendo "ver" y de ahí la posibilidad de que la fotografía es una materia educativa esencial en la formación de una sociedad desarrollada.
Este mes de Septiembre es considerado el mes de la fotografía en México, ya que se lleva a cabo un año la bienal y otro año Fotoseptiembre. Ambos eventos están bastante erosionados por problemas de orígen, que tienen que ver con problemas adiministrativos de cómo se deben de hacer las cosas. En México se puede respirar la consigna gubernamental de diluir la cultura. La estrategia reorganizando administrativamente todo con todo, de manera deliverada están generando encrucijadas administrativas deliveradas de paralización. Una metáfora pudiera ser un cambio de "conversación", forzando a que el paradigma se vuelve que es más importante seguir las políticas culturales que hacer cultura. En fin, lo que sucede es que uno acaba siendo un genio en procedimientos burocráticos y, eventualmente sin la posibilidad de hacer nada. La administración correcta de la pobreza.
Es más importante la comprobación a partir del papeleo que uno no es un corrupto que ninguna otra cosa. Eso quiere decir en muy pocas palabras que cualquier puesto lo puede ocupar cualquier persona que simple y sencillamente se dedique exclusivamente a la comprobación de actas y oficios de que no existe la corrupción. Y, como todos sabemos, el sistema es por demás exitoso, hasta ahora en México no hay corrupción.
Esta actitud falsea cualquier tipo de organigrama, ya que para ocupar un puesto como de director de museo del Chopo o Director del Conacyt o Secretario del Medio Ambiente, uno debería de tener otros conocimientos adicionales a los procesos burocráticos. Esto empaña como siempre ese término que es difuso de lo que significa ser profesional y resulta que genera increíbles mal entendidos. En un esquema coloquial si tú dices, es que yo soy profesional, el otro dice, yo también soy profesional.
En el Museo Carrillo Gil tuve una discusión con un personaje de alta presencia política y académica que insistía en que todos los lentes tienen un efecto de viñeta que un software llamado Aperture corrige. Yo le contesté que lo mejor era sacar fotos bien y entonces no se necesita saber mucha tecnología para corregir malas fotografías. Es un paradigma idiota el tener que tener un mayor conocimiento de tecnología para corrección para sustituir la falta de conocimiento de hacer las cosas bien. Luego entonces el paradigma de Andrea di Castro, el personaje con quien yo platicaba, es que por default salen las fotografías mal y por ende se debe de aprender a usar un software mágico que convierte lo malo en bueno. Mentalidad que convierte a los " profesionales" que no pueden sacar fotografías en vendedores de software de corrección.
THE INCREDIBLE HULK: ¿REIVINDICACIÓN DEL HOMBRE VERDE?
Fernanda Bargach-Mitre
A pesar que este film del 2008 no ha sido recibido con demasiado beneplácito por la crítica, los nacientes estudios Marvel , que ya nos sorprendieron gratamente este año con la genial Iron man, ahora nos entregan una película, que si bien carece de la maestría del hombre de hierro, posee muchas virtudes que la hacen recomendable. Los amantes del cómic original y en especial de la serie televisiva sobre este descontrolado hombre verde, encontraran la cinta fiel a sus orígenes, donde vemos que la acción va de la mano, con mayor profundidad, con el dilema existencial de Bruce Banner, quien vive huyendo, mientras trata de encontrar la forma de vencer el monstruo que vive en él. Con un guión inteligente, eficaz dirección y un plantel de actores resaltante, este film proporciona la mejor calidad de entretenimiento siendo una adaptación muy correcta del cómic a la pantalla grande.
Dirigida por Louis Leterrier, realizador francés que tiene en su haber las adrenalínicas El Transportador (2002) y su saga El Transportador 2 (2005), donde su manejo de las escenas de acción y las persecuciones en auto demostraron su capacidad para generar vértigo en el espectador. Elegido por los emergentes estudios Marvel, Letterrier afronta con solvencia el reto de llevar a Hulk a la pantalla grande tratando de superar a sendo director como Ang Lee quien realizó en el 2003 una versión que no dejó contento a Stan Lee y que tampoco logro enganchar a la audiencia. La versión de Lee era un poco más densa y bastante pretenciosa. En la nueva cinta, el director francés se centra más en la idea de la serie televisiva que nos mostraba a un nómada Bruce Banner, atormentado, tratando de no intimar demasiado con la gente, pero que siempre se involucraba emocionalmente con algún ser en problemas que terminaba resolviendo el hombre verde, pero que significaba la partida y el abandono del cariño y las relaciones humanas por parte de Banner condenado a la huida constante. Perseguido por el gobierno y el General Thaddeus “Thunderbolt” Ross (William Hurt), él es consciente de que la maquinaria militar que está buscándolo para capturarlo y explotar brutalmente su poder, está siempre sobre sus talones.
RECORDANDO A NACHA GUEVARA
Nacida el 3 de octubre de 1940, en Argentina, Nacha Guevara ha desarrollado su carrera demostrando su constancia y pasión por las artes. A los 28 años, tras una breve carrera como actriz independiente se presenta en el teatro Payró con un show experimental de canciones titulado “Nacha de noche” junto a su compañero Alberto Favero.
Durante el año 1969, en pleno gobierno de facto tiene su primer éxito con el recital “Anastasia querida” gracias a la invitación de Roberto Villanueva, entonces director del Centro de Experimentación del instituto. El espectáculo, integrado con versiones libres de canciones de Jacques Brel, Boris Vian, Georges Brassens, Serge Gainsbourg, Tom Lehrer, Violeta Parra y los argentinos Griselda Gambaro, Julio Cortázar, Jorge de la Vega y Ernesto Schoo atacaba de manera irreverente y despiadada las instituciones y costumbres.
“Anastasia querida” recibió la mención como el «espectáculo del año» otorgado por la revista Primera Plana.
En 1970, la dictadura militar clausuró el Instituto Di Tella y Nacha pasa al underground del café-concert, y comienza a cantar en la mítica “La botica del ángel” de Eduardo Bergara Leumann (donde parodió a Libertad Lamarque y otras cantantes), en “El Gallo Cojo” de Lino Patalano, en "La fusa" de Punta del Este y “La cebolla” en Mar del Plata
De esta forma, se transformó en un personaje contestatario, ya que emitía opiniones polémicas en programas de televisión. Además, poseía un fuerte compromiso ideológico ya que realizó canciones sobre poemas de Pablo Neruda, Juan Goytisolo.
En 1973, en el café-concert, “Teatro Margarita Xirgu” de Buenos Aires presenta “Las mil y una Nachas”. Un music-hall de inusuales características para Buenos Aires donde cantaba dieciséis personajes.
Tras este completo espectáculo obtiene el premio “Estrella 1973” de los críticos del “Informe del espectáculo”.
