Silencio para 5 + En la pampa
Atractiva muestra de video arte presentará

SANFIC 7 en el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA)

Este miércoles 10 se inaugura en el hall central del Museo Nacional de Bellas Artes  la muestra Silencio para 5 + En la pampa, que integra la sección Shoot the Shooter: Cine y Video Arte, en esta ocasión curada por Christian Viveros-Fauné. La exposición, que estará abierta hasta el 10 de septiembre, presenta el trabajo de seis artistas internacionales, incluyendo al chileno Gianfranco Foschino, y marca la primera colaboración entre Santiago Festival Internacional de Cine (SANFIC) y el MNBA.

Por primera vez Santiago Festival Internacional de Cine, SANFIC, presentado por CorpArtes entre el 19 y 27 de agosto, contará entre sus sedes a una de las instituciones culturales más respetadas y emblemáticas de Chile, el Museo Nacional de Bellas Artes. Y tan especial colaboración se desarrollará en el marco de una sección que desde su creación hace cinco años, se ha convertido en uno de los espacios más atractivos y estimulantes del certamen fílmico, permitiendo al público apreciar los nexos entre distintos estilos audiovisuales: Shoot the Shooter: Cine y video arte, la misma que ha presentado al público trabajos de creadores como Juan Downey, Jem Cohen, Andy Warhol y Alfredo Jaar, entre otros.

En este marco, la séptima edición de SANFIC presentará en el MNBA la muestra Silencio para 5 + En la pampa, en la que convocados por el prestigioso curador chileno radicado en Nueva York, Christian Viveros-Fauné, un grupo de destacados artistas internacionales se tomará el hall del centenario edificio desde este miércoles 10, ocasión en que se inaugurará la exposición, la que permanecerá abierta durante un mes, hasta el 10 de septiembre.

Este primer hito de SANFIC 7 reunirá obras del ya fallecido David Wojnarowicz, Eve Sussman, Peter Campus, Hadad Hannah, el chileno Gianfranco Foschino y Jordi Colomer, todos reunidos por una particular reflexión y mirada sobre el silencio en los más diversos contextos, y a través de distintos formatos de registro visual. 

Y para complementar la muestra, el jueves  11 a las 11:30 horas, en el Salón José Miguel Blanco del MNBA, se desarrollará la charla gratuita Rompiendo el silencio, en la que los dos artistas expositores que estarán presentes en la inauguración, Eve Sussman y Gianfranco Foschino (quien recientemente participó con éxito en la Bienal de Arte de Venecia), conversarán sobre sus trayectorias en el video arte y los trabajos que presentarán en la muestra, junto al curador Christian Viveros-Fauné y el reconocido artista visual chileno, director artístico adjunto de SANFIC y principal impulsor de la sección Shoot the Shooter, Jorge Tacla.

Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA)

Martes a Domingo, abierto entre las 10:00 y 18:45 horas. Lunes cerrado.

Entrada General: $600

Estudiantes / Tercera Edad: $300

Domingos y menores de 8 años: entrada liberada.

Sin palabras: Silencio para 5 + En la pampa

Por Christian Viveros-Faune, curador de Shoot the Shooter *

Hay una biblioteca de dichos sobre el silencio. Para el notable dramaturgo griego Menandro de Atenas, nada era más útil: el silencio, decía, aclara la mente. Para la poetisa del siglo XIX Christina Rossetti, el silencio era más musical que cualquier canción. Hoy, si le preguntan su opinión al respecto a los miembros de la Misión en Afganistán de Naciones Unidas, puede que respondan algo completamente diferente: para ellos, preocupados como están por el futuro de las mujeres abusadas en ese país, el silencio es violencia.

Para los propósitos de esta muestra, me gustaría dejar algo perfectamente claro: el silencio es también discurso. Este es, ciertamente, el espíritu con el que los artistas participantes en esta exhibición han aceptado el desafío de representar su trabajo en el Museo de Bellas Artes durante SANFIC 7. Cargados con ilustrar uno de los medios más estética y tecnológicamente avanzados del arte contemporáneo actual, los artistas Peter Campus, Gianfranco Foschino, Adad Hannah, Eve Sussman, Jordi Colomer y David Wojnarowicz han reunido un set de lenguajes visuales complementarios en una exposición que presenta tanto el rigor conceptual como también un alto grado de placer visual.

Hermosas imágenes en movimiento que avanzan tanto en la trama de la historia del arte como en la historia del cine, cada uno de estos artistas representa un particular punto de partida para el video-arte y su público en expansión.

Desde comienzo de los años 70 Peter Campus, pionero en el campo del video, ha explorado temáticas en torno a la identidad/realidad y la subversión de la relación entre espectador y obra de arte. El cortometraje mudo de David Wojnarowicz, A Fire In My Belly, ha sido controvertido desde su realización en 1987 (enfrentado a un genuino sentimiento religioso y la política sobre el SIDA, este mismo video fue recientemente retirado de exhibición en la National Portrait Gallery de Washington). Los suntuosamente coreografiados trabajos de Eve Sussman han hecho importantes contribuciones al video-arte, seleccionando para sus múltiples fuentes desde la historia capitalizada y la historia del cine. Adad Hannah ha minado el terreno de la performance y el canon histórico del arte, para moldear las intrincadas capas de su tableaux vivant. El video-artista chileno Gianfranco Foschino ha actualizado su elegante naturalismo para incluir una presencia escultural que resulta ser al mismo tiempo física y metafóricamente espectacular. Y, finalmente, el artista español Jordi Colomer -con larga trayectoria explorando avanzadas ideas sobre arquitectura y tropas teatrales a través de la imagen en movimiento- contribuye con una road movie filmada en el desierto de Atacama, que podría haber sido escrita por Samuel Beckett. Su video es el único trabajo con sonido en toda la muestra; su enigmático discurso resulta ser una forma de silencio en sí mismo.

Un testamento sobre el poder del video-arte y su invitación a la contemplación activa, esta exhibición representa algunos de los más altos logros con imágenes en movimiento del arte contemporáneo. Historias visualmente irresistibles que en gran parte rehúsan lo narrativo. Los trabajos de este grupo de artistas internacionales subrayan las fortalezas de las artes visuales, así como sus posibilidades para hacer silencio.

*Curador y escritor radicado en Nueva York, el chileno Christian Viveros-Fauné ha escrito para prestigiosas publicaciones incluyendo Art in America, Art Review y The New Yorker, y en 2010 fue premiado con una beca para escritores de arte de Creative Capital / Warhol Foundation. Fue nombrado crítico en residencia inaugural en el Bronx Museum durante 2010-2011 y es conferencista invitado en la Universidad de Yale. Es el ex director de las prestigiosas ferias de arte US y NEXT en Chicago, así como VOLTA NY en Nueva York. Junto al franco-peruano Jota Castro, son los curadores principales de Dublin Contemporary 2011, que se desarrollará entre septiembre y octubre en Irlanda.

Obras seleccionadas:

A Fire in my Belly

1986-1987, 13’, Film in Progress

David Wojnarowicz (Estados Unidos, 1954-1992)

Wojnarowicz fue uno de los artistas más inquietos, intensos e influyentes de la escena artística neoyorquina de los años 80, y antes de morir a los 37 años por complicaciones derivadas del SIDA, alcanzó a dejar un importante y valioso legado. Uno de sus trabajos más reconocidos y comentados es esta obra que dejó inconclusa (al final de la proyección se lee “Film in Progress”), filmada en Super 8 y luego traspasada a video. A fines del año pasado la obra estuvo en el centro de la polémica cuando luego de recibir quejas de la Liga Católica y autoridades eclesiásticas, el Smithsonian Museum de Washington decidió retirar imágenes usadas en el cortometraje, de la muestra Hide/Seek: Difference and Desire in American Portraiture, que se presentaba en la National Portrait Gallery. Aparentemente lo que provocó la controversia fueron las imágenes en que se ve a unas hormigas sobre un crucifijo.

Esta medida no sólo fue rechazada por instituciones como la Andy Warhol Foundation y la Tate Modern, sino además fue cuestionada por los herederos del artista y P.P.O.W., la galería que ha representado sus obras desde 1988 y mantuvo una cercana relación con éste hasta su muerte en 1992. En un comunicado que han difundido en todos los lugares donde se ha exhibido este trabajo en los últimos meses, P.P.O.W. ofreció las palabras del propio Wojnarowicz para iluminar sus intenciones originales, extraídas de una entrevista de 1989 en la que hablaba sobre el rol de los animales como imaginario simbólico en su trabajo hacen “ver ciertas cosas que no nos permitiríamos ver en relación a las actividades humanas (…) Usé las hormigas como una metáfora de la sociedad, porque la estructura social del mundo de las hormigas es paralela al nuestro”. P.P.O.W. y los herederos del artista lamentan que lo sucedido en el Smithsonian parezca un eco de los prejuicios y rechazos del pasado, y que la lucha de Wojnarowicz por la libertad de expresión artística, vuelva a ser desafiada en estos días. Pero confían en que en su ausencia, todos los que creen en su obra seguirán apoyando sus convicciones en el futuro.

Aquarium

2006, 40’, video

Eve Sussman (Inglaterra, 1961) / Rufus Corporation

Aquarium fue creado durante el rodaje de El rapto de las sabinas (el famoso film de Sussman que ofreció una reinterpretación del mito romano, actualizado y ubicado en los años 60), y fue filmado en la Casa Valsamakis, una emblemática vivienda de estilo de los años 60 desde la cual se contempla el Mar Egeo en Grecia. Sussman utiliza la mirada “vigilante” presente en gran parte de su trabajo, en situaciones que organiza con sus actores, que implican largas tomas y aún más largas improvisaciones. Para crear este trabajo la compañía se mudó a la casa durante una semana, no abandonando nunca el set y sin salir jamás de sus personajes. El resultado, una observación estática sobre una familia extendida detrás de una pared de vidrio, es una lección en dinámicas de grupo, con los actores articulando las banalidades de la clase ociosa de los años 60 en toda su intriga y hastío. A tono con el concepto de Shoot the Shooter, por momentos la directora, coreógrafa y cámara rompen la “cuarta pared” apareciendo reflejados o entrando en la toma para mover la pared de vidrio o incluso ocultar la escena completamente de la vista.

Fluxus

2010, 7’, video-escultura

Gianfranco Foschino (Chile, 1983)

Una pantalla LED de 3 x 1.6 mts. instalada en el hall central del MNBA, que exhibe sin movimientos de cámara o modificaciones formales el Ventisquero Queulat, ubicado en el extremo austral de Chile. La composición pictórica, sutil movimiento, profundidad y nitidez del cuadro invitan a los espectadores a interpretar el cambio constante de la video-escultura como una nueva experiencia contemplativa del paisaje, enfrentados e insertos en esta lejana vegetación solitaria.

La obra de Gianfranco Foschino reflexiona a partir del tiempo, la luz y la composición, generando una inédita cercanía con el paisaje extático del Sur, constituyéndose poéticamente como un portal que sólo adquiere sentido en el justo equilibrio entre lo estético y lo netamente experiencial.

Passage at Bellport Harbor

2010, 26’, video

Peter Campus (Estados Unidos, 1937)

Con su obra coleccionada por importantes museos -incluyendo el MoMA, el Whitney, el Guggenheim, la Tate Modern, el Reina Sofía y el Pompidou-, desde hace mucho Peter Campus ha sido considerado un artista innovador, uno de los primeros en tomar una cámara de video y realmente crear arte. Passage at Bellport Harbor es una tranquila meditación sobre el paso del tiempo y el lugar que ocupa la humanidad en el mundo natural. Seis minutos de imágenes son retrasados hasta convertirse en 26, permitiendo al espectador concentrarse en la manipulación del color y la forma que realiza el artista, y en el suave y rítmico movimiento de los barcos flotando en el puerto. Lento y deliberado en movimiento, sonido y desplazamientos de la luz, este trabajo ejerce un efecto hipnótico en quien lo contempla, oscilando entre la pintura expresionista y la animación pixelada.

Repose (on the Plinth)

2008, 4’, video

Adad Hannah (Estados Unidos, 1971)

Este video fue producido en el Museo Nacional del Prado. La obra muestra a dos jóvenes tratando de mantenerse quietos mientras están sentados en un pedestal sosteniendo un espejo, con sus cuerpos bloqueando la visión de Las Meninas (1656), de Velázquez. El espejo que sostienen entre ambos refleja el rostro de uno de ellos, de tal forma que parece que estuviera mirando directamente a la cámara, mientras imita también el espejo que se ve en el fondo de la obra maestra de Velázquez, un objeto pintado que ha sido el centro de muchos análisis. Mientras los hombres intentan mantenerse inmóviles, el espejo se mueve hacia adelante y hacia atrás, acentuando su incapacidad para permanecer en una sola posición y también aludiendo al significado cambiante de toda obra de arte, que se mueve a través de los años y es sujeto al tiempo una y otra vez para una renegociación del sentido con cada uno de los posteriores observadores/observación. Este trabajo fue producido durante un día de una filmación cuidadosamente planeada, pero fue, de hecho, una toma extra, concebida en el momento. El pedestal donde los jóvenes se sientan, habitualmente sostiene una escultura de bronce que representa a un hermafrodita, pero cuando Hannah llegó al museo para filmar, la estatua había desaparecido del pedestal, situación que fue rápidamente aprovechada por el artista.

En la pampa

2008, 4 minutos, video

Jordi Colomer (Barcelona, España, 1962)

En la entrevista “Habitar el decorado”, para el catálogo de su muestra Fuegogratis, exhibida en 2008 en el prestigioso museo parisino Jeu de Paume, el artista catalán Jordi Colomer comentaba algunos aspectos de una de las video-instalaciones que la integraban: este video registrado en Chile, en el desierto de Atacama, que parte cuando una joven, María, deja su hogar en la ciudad minera de María Elena, para adentrarse en el desierto.  Sobre el diálogo que nace en un inesperado encuentro, Colomer explica: “El texto dialogado surge casi naturalmente de la situación. Estamos en un espacio desértico, al norte de Chile, con casi 50º de temperatura. Imaginemos a un chico y una chica que van andando cada uno por su lado y se cruzan en un paso a nivel, el único en unos 500 kilómetros a la redonda; evidentemente, empezarían a hablar entre ellos: “¿En qué colegio estudiaste?”, etc. La pampa se transforma entonces en un gran escenario, en el que el texto se convierte en una especie de materia para experimentar, improvisar, jugar (…)”.

“Tuve que situar a los actores, que en realidad son unos no-actores, en una especie de lógica narrativa siguiendo un desarrollo lineal. Hay puntos de partida, el lugar donde se encuentran, y una deriva; todo se enmarca en una geografía concreta, asociada con el viaje. Salvé cinco situaciones, que no conservan forzosamente su carácter narrativo inicial y tienen que funcionar cada una de forma autónoma. Estos fragmentos se presentan simultáneamente en pantallas diferentes. En uno de ellos, la pareja intenta recordar una cita de la teoría de la deriva de Guy Debord, que es a su vez una crítica de cierta poética de los surrealistas. En todo caso, en la pampa, ese esfuerzo por incrustar una cita en el paisaje se carga de comentarios, errores e improvisaciones y su diálogo la dibuja de forma bien diferente”.