Escáner Cultural

REVISTA VIRTUAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO Y NUEVAS TENDENCIAS

ISSN 0719-4757
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realizar…la acción…

David Lynch
De la metáfora delirante a la fragmentación a la letra

 

  Alberto Caballero                                                                     

No me queda muy claro porqué emprendo la escritura de esta serie de artículos sobre la obra –magistral- de David Lynch. Quizás para poder demostrar cómo Lynch pasa de sus primeras películas, fundadoras de su obra, construidas como una metáfora delirante,  a sus últimas donde poco a poco se va perdiendo toda narración, si alguna quedaba, para ir construyéndolas ‘a la letra’, fragmento a fragmento, será todo un reto. Quizás por la densidad visual y de comprensión de su obra, tantas veces su visionado se me hace insoportable, atravesar lo insoportable, poder decir algo sobre lo insoportable será parte de este trabajo, espero poder cumplir con cada una de las etapas señaladas y ofrecerles el recorrido prometido.

He dividido mi trabajo en etapas, quizás para poder seguir un programa marcado previamente, quizás para poder hacer etapas en el camino, etapas que no había podido realizar con anterioridad, el programa general se puede consultar en la edición de Escáner Cultural de marzo del 2012:

1. Antecedentes: Pensar el agujero. 
Primera parte

Antonin Artaud* 
El Teatro de la Crueldad

“Se trata pues de hacer del teatro, en el sentido cabal de la palabra, una función; algo tan localizado y tan preciso como la circulación de la sangre por las arterias, o el desarrollo, caótico en apariencia, de las imágenes del sueño en el cerebro, y esto por un  encadenamiento eficaz, por un verdadero esclarecimiento de la atención.”

Algunas notas biográficas  
Antonin Artaud nace el  4 de septiembre de 1896 en Marsella, y muere el  4 de marzo de 1948  París, Francia. Fue su padre un armador de la ciudad casado con una mujer de ascendencia griega. En 1905 fallece la hermana, hecho que le afectó profundamente. Estudiante aún en el colegio del Sagrado Corazón, el joven Antonin sufrió sus primeros delirios con tan solo 16 años, por aquellos mismos días acababa de descubrir la poesía. Tras permanecer 6 años recluido, la mejoría que experimenta en 1918 le permite volver a la calle. Reúne sus primeros versos bajo el título de 'Trictac del ciel' (1924).

En 1920 se traslada a París, donde comienza a trabajar como actor teatral y escribir obras teatrales. En 1927 fue co-fundador del Théâtre Alfred Jarry, en el que produjo "The Cenci" (1935), una ilustración de su concepto de Teatro de la Crueldad. Antonin Artaud definió como "Teatro de la Crueldad" a una nueva clase de teatro que debía minimizar la palabra hablada y dejarse llevar por una combinación de movimientos físicos, sonidos inusuales, y eliminación de las disposiciones habituales de escenario y decorados.

 En 1938 publica "El Teatro y su Doble", obra que más tarde se convirtió en estandarte de lo que se denomina ‘teatro del absurdo’. Después de pasar varios años de reclusión psiquiátrica publica el ensayo "Van Gogh le suicidé de la Société" (1947), galardonado al año siguiente con el Prix Saint-Beuve. En 1948, estando en un asilo de Ivry-sur-Seine, Antonin Artaud muere víctima de cáncer.

“Quisiera hacer un libro que altere a los hombres, que sea como una puerta abierta que los lleve a un lugar al que nadie hubiera consentido en ir, una puerta simplemente ligada con la realidad. “

No en vano considerado el más grande de los malditos del siglo XX -Baudelaire, Rimbaud y Verlaine escriben en el XIX- el desequilibrio de este poeta dramático es anterior a sus primeras publicaciones. Cabe por tanto suponer que la inspiración de sus teorías sobre la escena -herederas de las propuestas de Alfred Jarry y recogidas con posterioridad por Jean Genet- están horadadas de una u otra manera por el desequilibrio. Sólo desde la alienación, desde la lucidez de la alienación, claro está, puede alumbrarse la revolución que Artaud concibió para el teatro.     

Referencias


Antonin Artaud 
"The Cenci" (1935) 
"El Teatro y su Doble" (1938) 
"Van Gogh le suicidé de la Société" (1947)

El cuerpo sin órganos de Antonin Artaud 
                                    de Gilles Deleuze  
                                    de José L uis Pardo  
Los órganos sin cuerpo de Slavoj Žižek 

« Antonin ArtaudRéalité et poésie » 
Pierre Bruno. L' Harmattan, 1999

Del 'cuerpo sin órganos’ de Artaud a una nueva configuración revolucionaria del cuerpo. Úrsula Silva Garay.  El artículo se encuentra en: http://investigartes.com

“A mediados del siglo XX Antonin Artaud, en su búsqueda por el cuerpo del actor y dejando atrás toda declaración formal sobre las técnicas interpretativas y el teatro, encuentra y describe lo que será la base de su investigación escénica el 'Cuerpo Sin Órganos': "El cuerpo es el cuerpo, está solo y no necesita de órganos. El cuerpo no es jamás un organismo. Los organismos son los enemigos del cuerpo" “

“Esta nueva comprensión del cuerpo completa el cambio de paradigma del Arte Dramático; de la Interpretación como representación teatral, a la Experimentación como representación teatral. De un cuerpo que nace vivo a un cuerpo que se hace vivir. Será sólo por medio de la experimentación que existe el cuerpo. La autoconfiguración consciente del cuerpo es una búsqueda artística transversal.”

Antonin Artaud. en Gilles Deleuze & Félix Guattari en Mil Mesetas.  
Ed. Pre-Textos, Valencia, 1988, p. 163  
y en Francis Bacon. Logique de la sensation, p. 33                         

Autores que hacen serie 
Alfred Jarry 
Antonin Artaud 
Jean Genet

Ubú rey, de Alfred Jarry,  es considerada antecesora directa del teatro del absurdo. Con ella Jarry consigue el aplauso del gran París. Su estreno fue interrumpido varias veces por los abucheos de los ofendidos y los vítores de los vanguardistas. En su momento sólo se representó dos veces. Es una comedia satírica en la que se mezclan las referencias a Macbeth con los excesos de un monarca tan tirano como cobarde, y cuya trama da lugar a situaciones llevadas hasta el absurdo. Es también una crítica corrosiva contra la autoridad que el autor realiza a través de la llegada al poder del grotesco Padre Ubú, quien junto a su mujer encarnan la corrupción y el despotismo, casi un paradigma de los dictadores del Siglo XX. William Yeats, que pese a su mal francés presenció el estreno, escribió en su autobiografía a propósito de esa noche "Después de nosotros, El Dios Salvaje".

Catálogo de: 
Antonin Artaud 
Exposición sobre su obra 
Bibliotheque Nationale de France 
Gallimard/2006

Lamentablemente no he podido visitar la exposición que la Biblioteca Nacional de París le dedicara, pero si he podido apreciar con dedicación el catálogo de la misma, y leer con detenimiento los artículos incluidos en el mismo. Al elegir estos textos para su reseña lo hago por que se refieren no solo a los textos de Artaud, sino a su obra gráfica (recordemos que nos sirve de referente para el cine de  David Lynch). 
El Sumario nos indica el orden que sigue la exposición de los trabajos y los artículos que se le dedican:

1. Autoretratos 
2. Alienación, creación 
3. Teatro/Cine 
4. Escritos sobre arte 
5. Anexos

Un recorrido minucioso sobre los distintos apartados sería una investigación en si misma, que nosotros no nos podemos permitir, ya que nuestro objetivo es otro, que nos sirva de introducción a la obra de David Lynch, vamos a ello.

1. Autoretratos*  
Le visage plaqué sur la face d’Artaud 
‘El rostro aplacado sobre la cara de Artaud’ 
Jean-Luc Nancy

 “En el grito, la queja, el gemido; en la emisión sonora como tal, su abertura, su ex-presión, su boca abierta y su cuerpo estremecido…). Más lejos habría que llegar a tocar una rítmica fundamental del afecto (…) La pulsación de una incorporación y una excorporación, de un aceptar/ rechazar o un tragar/ escupir: de hecho del movimiento (¿pulsión?) a partir del cual hay un afuera y un adentro y, así, algo semejante a un sujeto”.

De este artículo que Nancy le dedica a Artaud, vamos a extraer algunos conceptos que será imprescindibles para nuestra investigación:

Al empezar ya nos dice: “Los rostros expuestos  a ‘lo inmundo’ y reducidos  a la falta grave y desolada de sus miradas. " Bastante mas abajo dice: “Este sufrimiento de ser, este sufrimiento de ser en exceso o en defecto de ser, no ser un cuerposin una brecha entre el yo y el otro, esta falta de aliento empuja contra una pared que se convierte en la pared del mundo, el mundo y la  pared prestados, tapiada en su apertura infinita universal para todos los tamaños imaginables, hasta la desaparición de cualquier tipo de mundo posible.”

Nancy nos plantea dos cuestiones fundamentales: una, ‘no ser un cuerpo’ y dos, ‘el mundo’, no son homónimas, pero en este caso parece que si: no tener un cuerpo y no tener un mundo, de allí surge lo ‘inmundo’. Entre este ‘no cuerpo’ y este ‘no mundo’ una pared que deja al sujeto en ‘lo inmundo’, de un interior sin salida al exterior, de un cuerpo sin salida al mundo.

*La escucha/  58 indicios sobre el cuerpo 
Jean-Luc Nancy 
Ed. La Cebra 
Buenos Aires 2007

Pasamos al  artículo siguiente: 
2. Alienación, creación 
‘Une anatomie inachevée’ 
Jean-Michel Rey

"El hombre está enfermo porque está mal construido."  JM Rey  toma esta frase de Artaud para decir: “…las razones por un malestar generalizado que la carga de diversas enfermedades y sus consecuencias sobre el estado general del cuerpo. Declaraciones en el mismo tiempo tratando de localizar el origen de una enfermedad que parece extenderse indefinidamente y describir los principales aspectos. Con el deseo de encontrar o inventar motivos para arreglarlo.”

De la misma manera que: “… es el escritor que busca la manera de diagnosticar una enfermedad que afecta a toda la sociedad, describir los principales efectos de la enfermedad  en tanto invasiva.”

Si se trata de un malestar que se hace cada vez más generalizado, se trata de un malestar que afecta a la sociedad, cuerpo y sociedad están identificados en ese malestar. Sigue con este punto y dice: “La escritura es un fragmento en proceso de entregarse a la tarea de análisis de esta magnitud. Tanto en Nietzsche como en Artaud  se puede encontrar la misma insistencia en este sentido, la misma urgencia para describir los síntomas de una enfermedad que no tiene nombre específico, y cuyos límites son bastante inciertos.”

Aquí introducimos la tercera variable: la enfermedad en el cuerpo y en la sociedad y como dar cuenta de ello mediante la escritura, la fragmentación de la escritura será la demostración de ello. Ahora no se trata de la naturaleza del cuerpo, ni siquiera de la naturaleza de la sociedad sino de la naturaleza de la escritura.

En ‘El Teatro de la Crueldad’, Artaud escribió que "el cuerpo de cada ronda / perdido en el hambre / la cohesión primero" y añade que éI es sobre todo la "energía" que lo mantiene. Haciéndose eco de esta mala construcción anatómica de la que se menciona con frecuencia en sus últimos años se ha hecho este tipo de fracaso, este tipo de / pérdida de sí mismo, cuyo cuerpo se ha convertido en el lugar. La anatomía aquí tiene de un origen diferente.

 

Insiste, no solo se trata de ‘una mala construcción anatómica’, sino que el cuerpo se ha convertido ‘en el lugar’  y que la escritura  mostrará esa mala construcción. La cuestión es si solo muestra esa mala construcción o es la construcción de una nueva escritura, propia.

Segunda propuesta importante que nos hace JM Rey, lo dice así: “Trata de salir de ‘la nada’ a otra cosa que sea ‘el todavía no’. Producir un decir para lograr lo que está en el proceso de nombramiento y, al mismo tiempo, de romper la tiranía de lo común, con las formas más certeras del ritual. Hay un performativo muy extraño que se acompaña, de acuerdo a una necesidad única en esta área, el uso de una verdad incipiente: la poesía misma para Artaud, esta vía de un comienzo que da consistencia a lo que es la declaración de esta manera y con tanta insistencia.”

De que se trata esta ‘nada’ y este ‘todavía no’, es esto lo performativo.  Lo dice así: “Drama y anatomía humana de alguna manera tienen un destino que los une: otra forma de saber cómo el arte es crucial para el futuro de un estado de civilización, otra forma de destacar también que el borrado del arte, de su desaparición - o su utilización  demasiado estrecho, demasiado limitada su práctica - son como el índice de una muerte, una muerte extraña continua.”  Aquí nuevamente homologa ‘drama y anatomía’, el drama de la anatomía por no terminar de construirse, con el drama como arte, con el drama de la sociedad que no da lugar al arte.

"... Y el teatro se hizo para eso. / Para poner el cuerpo en la acción / activo / eficaz, / efectivo / cuerpo para hacer su registro / todo orgánico / en el dinamismo y la armonía. / No hay que olvidar que el cuerpo / que es dinamita en la actividad.” Dice Artaud.

Rey agrega: “Una figura importante está bien expuesta y analizada para identificar lo que hay que hacer en esa perspectiva. Figura que ha hecho posible que Artaud no deja de mostrarnos -sobre el teatro y otras formas de arte- la importancia del "todavía no" todo lo que pueda explicar este retraso y esta expectativa, ese retraso y deseo que parece inevitablemente generan.”

“Artaud toma declaraciones en el mismo orden, en términos también muy cercanos, en la cara y, precisamente, que por lo general se corresponde con el retrato. Como si se prolongaran de esta manera, este proceso de reflexión muy, cambiante, y la legitimación de ese cambio, la ganancia en la revelación de que representa. Nos encontramos, aquí mismo, la indicación de "todavía no", y como este debe ser, la mención de lo que es probable que para compensar la falta de este orden, o incluso hacerles frente.”

De la misma manera que para el teatro, para los dibujos…y en particular para los retratos también se verifican este ‘todavía no’, de un orden que no empieza ni termina de instalarse. “Así como para el ‘Teatro de la Crueldad’, todo lo que sucede con la adición de un signo doble ‘todavía no’. En un breve texto de 1947 para un catálogo para una exposición de sus dibujos y retratos en la Galerie Pierre, Artaud describe y analiza brevemente lo que es desconcertante para el punto más alto: la relación del arte con su objeto, el pintor y su pretensión, específicamente la relación del retrato en la cara. Cuando se demuestre que existe un retraso en poner ‘un rostro humano’ como en pintura o dibujo: un retraso que se debe interpretar y que se debe tener muy en cuenta, debe ser mencionado en una forma u otra. Es de este retraso que  Artaud dibuja o pinta.”

“Lo que más llama la atención en Artaud, lo es que moviliza toda su atención en  tales acciones, es el rostro invisible, lo que Io moviliza, lo que no  es probable que se convierta en un ídolo o representación. Artaud también dice en este mismo contexto: ‘Mis dibujos están en la anatomía, en la  acción.’ La propuesta es la siguiente: las fuerzas y formas que vienen a la mente,  sin rodeos,  la anatomía se supone que cambia de lugar, se inventa otras residencias que por lo general se le asignan, nunca se llevó a cabo plenamente, ‘algo queda por hacer’ en esta perspectiva. Lo que indica que el dibujo puede ser crucial en tanto paralelo al teatro también, es probable que tenga un efecto del  mismo orden.”

"En los retratos que han llamado, / me evitaba todo /olvidar la nariz, boca, ojos, orejas o el pelo, pero traté de enviar un mensaje a la cara que me habló / del secreto / una vieja historia que pasó por muerto en las cabezas de los muertos en las cabezas de Ingres o de Holbein. " Artaud.

“Para Artaud, dice, "ya que todavía no han encontrado la forma o lo  que ellos designen." Es, por lo tanto, que el modelo en sí es realmente culpable, que no pudo conquistar su propio espacio, que no puede ser, como tal, que debe rechazar en su paradigma de la función, que la regla de ser abolida. A continuación, muestra que la cara es totalmente alegórica en todas partes. Habla necesariamente como algo distinto de sí mismo. Se lo marca como una forma hueca que no ha alcanzado todavía y por lo tanto está en el proceso de inventar.”

"Sea con la identidad que se le atribuye, o tratado de imponer, no tiene nada que ver con las distintas exigencias de la práctica estatal o civil con el reconocimiento rudimentario. En este sentido, precisamente, la cara no puede prescindir de este suplemento maravilloso que puede producir un dibujo, no, más o menos sugerido. Economía de previsión de que un retrato es capaz de servir, la presunción de que un singular lleva la cara. El interés de un retrato, en esta perspectiva, es la de renovar o extender la incertidumbre y la perplejidad, a elevarse a partir especulativa, para ser a su manera una forma de la mayor contingencia.”

“El resultado de esta decisión  tomada por Artaud para identificar este proceso, un especial tipo de incertidumbre  o de ignorancia acerca de nuestra humanidad, un adicional de no-conocimiento que requiere la intervención obligatoria del arte, que autoriza a la misma.”

"... Esto significa que el rostro humano no ha encontrado aún su rostro / y este es el pintor que le dan. / Pero eso significa que el directorio \ un rostro humano, que aún está buscando.”

“Por lo tanto, al final, no sería ‘la vida’ preparándose en la práctica de dibujar o pintar, para lograr un conocimiento rudimentario con el fin de empezar a ‘hacer existir.’ No sería el discurso poético para recuperar sus poderes, el aumento de sí mismo, con la potencia alegórica de la cara, que es capaz de identificar y servir. Un rostro que estaría por debajo de los vivos, por lo tanto, camino a una ‘vida’ sea posible. Un rostro donde también se indican las principales etapas de su creación - por el borrado de la forma lenta y metódicamente como la ‘muerte’ de sus características.”

"El rostro humano tiene de hecho una especie de muerte perpetua en su cara / que es precisamente el pintor para salvar a él / ella en la toma de sus propias características. / Porque mil años en el sentido de que el rostro humano de hablar y respirar / Todavía siento como que todavía no ha empezado a decir lo que es y lo que sabe. " 

"El rostro humano es un vacío forzado, un campo de matanza. / El viejo revolucionario un formulario de reclamo que nunca se ha correspondido con su cuerpo, que iba a ser otra cosa que el cuerpo".

Otro texto de referencia es: 
« Antonin Artaud Réalité et poésie » 
Pierre Bruno. L' Harmattan, 1999

Conservo la transcripción, realizada en su momento, de la conferencia que dio en el Instituto Francés de Barcelona en 1999, tomaré algunos apuntes fundamentales en la lectura que hace Pierre Bruno de la obra poética de Artaud, que nos servirá para tener más elementos en relación al cuerpo y en particular al rostro.

“La poesía de Artaud constituye, en sentido estricto, su existencia literaria (en tanto que letras). Por su poesía  y sólo por ella, Artaud ex-siste. …De lo que se trata en estos poemas es de hechos. Hechos que nos instruyen de lo que es el hombre.”

      

 

      “…el poeta explora, en la lengua que le es dada,  los confines del lenguaje… en la llamada realidad del mundo, es decir hace existir objetos que no podemos encontrar en la realidad.”

Cita a Artaud: “Cuando hablo, tartamudeo porque me comen mis palabras.” “No es el troceamiento del lenguaje sino la pulverización azarosa del cuerpo por los ignorantes…” 

A esto Bruno dice: “El poema es, por si mismo, tipográficamente  la exhibición de los fragmentos de una lengua… que produce un efecto real: la dislocación comprobable del cuerpo que precertifica la irrupción, tras la palabra.” ”El cuerpo se hace por detrás de si mismo y no por delante.” A esta frase de Artaud, Bruno dice: “…el cuerpo se hace, un cuerpo que no es otra cosa que el poema mismo, produciéndose a cada instante ‘por detrás de si mismo’ como dice Artaud.”

Por un lado esta cuestión fundamental en el texto de Bruno de “hacerse un cuerpo” y por otro esta insuficiencia radical del lenguaje, de allí que “la letra viene al lugar de la falta del significante, es decir que la letra viene allí donde hay un agujero en el lenguaje, lo cual pone de relieve, realmente, el hecho de que el lenguaje es totalmente insuficiente para significar eso que llamamos lo real. Y es ahí donde viene la letra.” 

Dejamos aquí, con dos imágenes de Artaud como actor de cine, creo que nos puede servir de anticipan el tipo de imágenes que encontraremos en el cine de David Lynch.

 

 

   Alberto Caballero
Barcelona, abril del 2012

 

Escáner Cultural nº: 
146

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