Escáner Cultural

REVISTA VIRTUAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO Y NUEVAS TENDENCIAS

ISSN 0719-4757
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En torno al lanzamiento del disco
 

.WHO I AM?
Mentiras retóricas gloriosas
sobre la luminosidad del arte sonoro

de Mario Z

 

El próximo sábado 11 de Abril el artista visual y sonoro Mario Z realizará un concierto lanzamiento de su último trabajo, el disco .WHO I AM? Mentiras retóricas gloriosas sobre la luminosidad del arte sonoro. En este artículo, el teórico Andrés Grillo sostiene una profunda e intensa conversación con el artista revisando detalles de su producción de obra tanto sonora como visual.

 

Andrés Grillo (AG):

Al revisar la extensa producción en tu carrera puede apreciarse la utilización de la cita como un elemento constitutivo de tu obra, de un modo que se ha hecho cada vez más radical. En qué medida podrías decir que ha incidido este aspecto de tu trabajo en las últimas obras realizadas? Cómo se podría situar una continuidad de ésta hasta hoy?

 

 

Mario Z (MZ):

Trataré de responder las dos preguntas en una sola respuesta :

Bueno, digamos que desde mis primeros trabajos existían ciertos referentes pictóricos (en ningún caso de la historia del arte occidental) que podríamos sostenerlos bajo criterios conceptuales desde la idea de “cita” -entendiendo por esta “algo” (ideas de otros) que enriquece y complementa la propia idea de trabajo-  que con el tiempo fueron tomando más importancia y madurez. Sin embargo yo me acojo absolutamente a la idea de Postproducción  de Bourriaud, de la manipulación, reinterpretación, reutilización o remezcla de un material audio visual, sonoro, meramente visual o inclusive conceptual, término que obviamente también postproducido viene de Duchamp y su ready made.

Ahora bien, mi gesto como artista es también manipular y apropiarme  de este término para transformarlo he ironizarlo bajo la idea de “hurto”: robo sin violencia. De esto nace el concepto de P´J, que no es más que el uso del término D´J que viene del mundo de la música popular pero transformándolo en el “pintor jockey”. (un juego conceptual y traslapador de ideas, lenguajes, medios, soportes culturales tanto altos como bajos). Esto  permite hablar de mezcla y remezcla en la pintura y otros lenguajes, llevando en el año 2000 -más menos- a los trabajos realizados desde la figura de “Bon-bón”, personaje del cartoon “Power puff girls”.

De ahí en adelante, empiezan mis primeros ejercicios con música. Tratando de construir bandas sonoras de los trabajos que exponía en mis montajes visuales, las composiciones eran como una especie de anexo a la obra visual, como un símil una suerte de texto mediador pero con el efecto totalmente contrario: dispersión, cripticismo e inquietante.

En los últimos años, -en los trabajos visuales y sonoros- la idea del “hurto” se ha mantenido, pero como dices, se ha radicalizado (como buen ladrón se le pierde miedo a la ”pega”, se acostumbra). Para graficar esto me parece que hay dos trabajos que son claves. El primero seria “Proyecto Leche para mis Niños” y la serie “God´s country” (2010), que es básicamente un proyecto sonoro en formato tangible de disco de vinilo editato en 10 copias, y que incluye dos temas “musicales” (lo escribo entre comillas porque yo no soy músico, soy un artista visual utilizando ese medio para mis propósitos) uno por cada cara del disco 12”. El primero de los temas se llama “Dizpozitivo”, y es una remezcla del texto o conferencia de Giogio Agamben Que es un dispositivo cantada por mí en estilo dark pop, más una base musical de guitarras oscuras. El segundo es un hip-hop que parodia al estilo de audio guía el robo o hurto mejor dicho, (jajaj hasta me auto “cito”) de la obra “Torzo de adéle” de Rodin desde el Museo Nacional de Bellas Artes el 2005; hecho realizado por un estudiante de arte que entre paréntesis conocí (dato freak). El texto o letra es sacado netamente de internet y construido de trozos de prensa, como dirían los teóricos más puristas, de fuentes de tercera categoría.

(nota aparte: lamentablemente el proyecto no ha sido terminado ya que contemplaba 4 series más, pero Fondart 2015 no le interesó educadamente).                                                            

El segundo sería un proyecto audiovisual llamado “Existe” (ganador del premio Juan Downey en la Bienal de Artes Mediales el año 2013),  un video grabado en plano secuencia de una esfera de discotheque rodando por la vereda de una calle y que se va deteriorando hasta partirse en dos. Este trabajo utiliza el video clip como formato de auto sustento El juego dialéctico se produce ante la sentencia del título de la obra `Existe`, como ironía de lo representado en el video, sea la imagen como el audio. La imagen consiste en una toma de primer plano a una esfera de discotheque rodando por la calle en plano secuencia, que a medida que avanza por la acera, se va produciendo la desintegración y quiebre de los espejos de la esfera esto acompañado por voces monótonas de una canción, que tiene como característica la negación de la existencia de un algo generando por medio de ésta combinación ambigua, una narración estética crítica-simbólica… “ (texto de Natalia Cárdenas).(otra cita para variar)

Si bien “Existe” visualmente no remite específicamente a un “hurto” mas que en el uso de la icónica esfera de espejos (reina del hedonismo discothequero), la letra se apropia y reinterpreta el coro de la canción del cantautor argentino Juan Carlos Baglietto “La censura no exite mi amor” de los años 80´s, transformándola en un reclamo pesimista, de desilusión, cinismo e ironía a todo lo prometido por la “llegada de la democracia”.

 

AG:

Algo también notorio es la subversión de signos y definiciones, asunto que yo llamaría hoy, más de irrupción que subversión. En este sentido, ¿cómo podríamos decir que ocurre este sonsacado en tu obra, particularmente en tu obra sonora?

 

 

MZ:

Claro, en lo que tiene que ver más al trabajo sonoro me parece más pertinente hablar de irrupción, ya que por decirlo de alguna manera está más en pañales, el demonio está creciendo. Todavía depende de otros lenguajes para expresarse y ocultar su verdadera razón de existir, como ejemplo, desde hace unos meses he estado trabajando en una serie de videos llamada sound exercises, de los que 4 están ya terminados y uno en etapa de edición. Pretendo que sean 25 y que tengan duración máxima de dos minutos cada uno más menos. Estos videos trabajan desde las posibilidades expansivas del arte sonoro o de cómo hablar de este desde otros lenguajes contaminados con otras ideas, rigores y finalidades.  Lo tensionador también en este caso es el uso del silencio como detonador de la escucha, del sonido (Cage).

Entonces vamos con una cita de verdad,  alguna vez F. Brugnoli me dijo sobre mi trabajo pictórico…”hacer pintura, sin hacer pintura”, eso traducido al tema que ahora nos interesa seria:

“HACER ARTE SONORO, SIN HACER ARTE SONORO”

En este momento los intereses de mi trabajo sonoro van por ese oscuro y brillante camino contradictorio, que a mi manera de ver, me permite posibilidades de análisis transversal y no solo desde un guetto gremial.

Subversivo o irruptivo….?

Mmmmm mas bien “ Lo puro no existe mi amor, lo puro no existe” (auto cita)

Los videos se pueden ver desde aquí: http://cargocollective.com/mariozpintorz/sound-exercises

 

 

 

Imágenes cortesía del artista – Frames serie sound exercises       

 

 

AG:

En vista de estos antecedentes como entiendes el arte sonoro?

 

MZ:

Me parece que el arte sonoro es todo lo que la música no puede hacer, decir                    o simplemente lo que se desajusta de ella; es entender el sonido desde lo abstracto, una operación que obviamente debe llevar como herramienta fundamental el sonido (independiente que use otros soportes para desarrollar la idea de sonido como concepto artístico). Actualmente en algunos casos la “música experimental”, la contemporánea o la de vanguardia docta, se cruzan gracias a J. Cage, ya que son obras donde el intérprete es el propio espectador y su capacidad de escucha frente a lo que le rodea. Que es esto? Un paisaje sonoro sin registrar en el fondo, un formato de arte sonoro “clásico”.

 

AG:

¿Cómo se entrecruza con otros lenguajes en tu trabajo?

 

MZ:

Últimamente en casi todo lo que estoy desarrollando, sobre todo en el proyecto sound exercises, busco la capacidad de desvariar creativamente, poner en crisis e investigar conceptualmente al mismo tiempo, (lo que me acomoda), para después analizar y editar la información recolectada que termina siendo un trabajo sonoro en formato audiovisual. También en el disco conceptual que estoy lanzando -“who I am. Mentiras retóricas gloriosas sobre la luminosidad del arte sonoro”- planteo ese cruce de manera irónica crítica entre los lmites de las obras de arte y sus lenguajes, la tecnología en el arte, sus prácticas políticas y su supuesta (y a veces forzada tentativa) de acercamiento al público.

El proyecto mezcla tracks que literalmente son seudo canciones, ruidismo, electroacústica, low fi, electrónica, paisaje sonoro, música experimental, poesía sonora y trabajos que son trozos de audios de películas donde traduzco las escenas por medio de una voz en off.

 

 

       

   Imágenes cortesía del artista – Carátulas EP 1 y 2 (en http://pintorz.bandcamp.com/)

 

AG:

Es el arte sonoro una herramienta válidamente expresiva en el contexto específico de un arte chileno y latinoamericano o su posibilidad?

 

MZ:

Siendo una forma de creación artística, relativamente nueva, me parece que aún sus bordes son poco delineados y eso lo hace muy atractivo para mí. Me parece que desde estos últimos 10 años en Chile la oferta del llamado “arte sonoro” ha crecido de una manera sorprendente, creando un circuito de talleres que siempre están cruzando la línea entre la música y lo sonoro.

Ahora, eso no quiere decir que en el arte sonoro al igual que en las artes visuales, y su supuesto mercado ficticio -tanto privado como institucional con las politicas de estado-, que supuestamente funcionan y generan espacios, condiciones o apoyo a este tipo de proyectos que generalmente además son absolutamente intangibles, poco vendibles y pobres a niveles de ”impacto“ como pretende Fondart.

Creativamente hay artistas de todo tipo que están usando el sonido como una herramienta sostenedora de discurso. También, una que otra Universidad a incluidos talleres de arte sonoro. Lo importante ahí es que este “mundillo” sonoro no se vuelva academicista, y finalmente gremialista con directores, secretarios, actas y un tesorero de obras formateadas.

 

AG:

¿Qué podemos obtener de la experiencia sonora en tanto cómo es entendida por ti?

 

MZ:

Mmmm ahí no me corresponde mucho opinar…

Como toda expresión lo que queda es la experiencia y ahí cada persona, ser o individuo –como queramos llamarlo- la transformara en algo que le sirva.

Escuchar, percibir, entender y dudar donde estás por medio del sonido me parece  lo más óptimo para lograr una capacidad de análisis abstracto del sonido éste, del sonido como espacio. Es más simple de lo que parece.

Por ejemplo una mala mezcla de un dj junto a los gritos y abucheos del público puede constituirse en una experiencia sonora maravillosa, solo hay que leer ahí contrapuntos, distancias, tonos, ritmos y estar dispuesto a quedar sordo un par de días. El ruido es nada más que un concepto social de valor que pretende poner ciertas relaciones sonoras sobre otras. En ese sentido, hay una frase que utilicé para el nombre de una exposición y que “hurte” de la película “Untitled”  (2009) de Jonathan Parker, sobre la historia de un músico experimental, su hermano pintor y una galerista, y que me parece perfecta para cerrar la respuesta … que la verdad no sé si la respondí como se pretendía.

 

 

“…LA ARMONÍA ES UNA TETRA DEL CAPITALISMO PARA VENDER PIANOS…”

 

AG:

La música como disciplina, ejercicio, recepción y consumo ¿en qué medida pueden ser concebidas como arte sonoro?

 

MZ:

Como decía anteriormente, las posibilidades que existen entre estos dos términos de cruzarse y mezclarse son infinitas por su cercanía obvia: la física. No obstante, para mí, no se constituye un problema concebir eso, ya que como artista tengo la capacidad de formular preguntas al respecto y para nada tengo que dar respuesta o solución al problema  planteado. El arte no es una ciencia, en mi caso  me corresponde señalar y dejar abierta la discusión.

 

AG:

Hablando de un concierto de arte sonoro ¿Es hoy el artista una pieza de la sociedad de consumo? Y si es así, ¿Cuánto le compete en esta estructura? ¿Cuánto de “ingenuidad” hay en esta operación?

 

MZ:

El artista, del tipo que sea o rubro al que pertenezca, siempre ha sido una pieza de consumo. En la actualidad, más aún, ya que se ha vuelto parte de la cadena de la obsolescencia y el exitismo crudo. Por lo mismo, la ingenuidad del exitismo en algunos casos es gigantesca y alimentada sobre manera hasta la obscenidad por las escuelas de arte, galerías y ferias infladas con vapor.

En el caso de la realización de un concierto “sonoro” (término redundante la verdad), específicamente del  concierto lanzamiento del disco “who I am. Mentiras retóricas gloriosas sobre la luminosidad del arte sonoro”, si bien no me niego a la sustentación económica de este tipo de proyectos (sería estúpido), el objetivo principal es crear un espectáculo audiovisual en vivo, totalmente coherente desde la perspectiva performática que éste tiene en torno a mi trabajo.

La representación del artista y su producto, la utilización del nombre Pintor z en vez de Mario z como aka -o seudónimo de mi propio seudónimo para la versión del artista “sonoro-músico” y con una banda o agrupación ficticia  “The museo realmente contemporáneo” que básicamente son artistas invitados que se van cambiando según la necesidad del proyecto en vivo-,  son un desplazamiento que pasa desde lo puramente sonoro a lo instalatorio-performático, pura y frágil levedad artística, la arma de doble filo que me parece hace falta en este circuito de mecánicas operacionales en recetario.

 

      

    Imagen iz:  Alejandro González – Mario Z en lanzamiento página web proyectosonoc.org

    Imagen der: Cortesía del artista -  Secuenciador 8 pasos, 2 sintetizadores análogos atari punk, sintetizador análogo sub          
acuatic. Hand made.

 

 

Mario Z (1970), artista visual y sonoro, estudió percusión en el Conservatorio  Nacional de Música  de la Universidad de Chile y es Licenciado en Bellas Artes mención Pintura en la Universidad Arcis. Docente de la misma Universidad desde 2002 a la actualidad en los talleres de Color, Pintura y Campo. Su trabajo se ha desarrollado desde la pintura, instalación, sonido y música experimental, a través de la manipulación de los medios, formando un traspaso de significación de éstos construyendo de ese modo nuevos discursos y paradojas. Ha expuesto en importantes museos y galerías nacionales y extranjeras;  es ganador  del “Concurso Internacional a la Creación y autoría audiovisual Juan Downey”  de la XI Bienal de Artes Mediales (2013, Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago, Chile); ha sido nominado al Premio Altazor, en las categorías de Instalación y  Video Arte (2014). Su trabajo se encuentra en colecciones privadas e institucionales. Vive y trabaja en Santiago de Chile. cargocollective.com/mariozpintorz

 

Andrés Grillo (1976) es Licenciado en Artes con Mención en Teoría e Historia del Arte de la Universidad de Chile, ha realizado investigación sobre el modernismo y las vanguardias en Chile y realiza textos para curatorías y catálogos de exposiciones individuales y colectivas desde el año 2004, participando en su gestión, realización y difusión. Ha realizado estudios en el extranjero sobre Artes Visuales tanto modernas como contemporáneas, así como en el área de Documentación y Archivos.

 

Ver Comunicado: http://revista.escaner.cl/node/7626

 

Escáner Cultural nº: 
178

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