Desde Barcelona

Alberto Caballero

 

Viajes, visitas, instalaciones....son algunas notas de viajes a museos, exposiciones, instalaciones recientes, sobre cuestiones relacionadas con 'instalar...la acción'. La acción más allá de la performance, o sea de la presencia efimera del artista, de su cuerpo como objeto, que no deja resto alguno. Más allá de la performance....la instalación, intentaré señalar, apuntar particulares de cada artista. Por otro lado intentaré dar referencias bibliográficas que me han llegado recientemente, en sintesis apuntes, notas, sin intentar sacar conclusiones, ni tesis definitivas sobre algo que está en construcción. Espero vuestras aportaciones al respecto.

 

 

 

Veremos en estas notas como el cuerpo del hombre es usado en el arte por un lado como cyborg-robotica....pero por otro como....carne. Después del lenguaje, las nuevas tecnologías, antes del lenguaje, el cuerpo animal, no atravesado por el lenguaje. Es evidente que lo que estamos cuestionando es el humanismo, que introduce la lógica del cuerpo humano, o sea se trata de la caida del humanismo, queda atrapado entre un lado y el otro. Estos son  algunos ejemplos singulares de esta lectura.  (No nos olvidemos de Francis Bacon).

 

Si nos extendemos un poco más ha sido pasar del hombre-animal, con taparrabos, del hombre animista, a la prohibición del desnudo (judeo cristiano) hasta la actualidad, todavía en los medios como facebook, youtube, etc no se puede exhibir el cuerpo desnudo. Las dos grandes prohibiciones de la civilización occidental son el incesto y el desnudo. Prohibiciones que determinan el cuerpo y el lenguaje, ambas como faltas que van a resignificar la socialización del sujeto, pertenecer a un grupo social determinado, determinación que tiene su origen en el mito griego. Mito que ha sideo adoptado por las religiones occidentales. 

 

¿Cómo esta prohibición es interpretada por el arte? La mujer como objeto, como objeto de la imagen y luego con su cuerpo como objeto se salta la ley, va más allá de la ley, como le es propio la mujer va más allá de la ley, y hace con eso, cientos de ejemplos. Ahora el cine, la publicidad, el video arte, incluso la robotica siguen esta linea. En el caso del hombre este se sostiene a rajatabla, el sexo del hombre sigue prohibido: de allí el escandalo que provoca una gran exposición en Viena, que tiene este nombre: El hombre desnudo.

 

nude men 

from 1800 to the present day 

Leopold Museum, 

Viena, Austria 

octubre 19, 2012 - marzo 4, 2013 

 

 

En el recorrido de estas notas, llegamos a la conclusión que del hombre animal que exhibía su sexo en tanto poder fálico frente al animal idealizado, con la llegada del hombre cybor desaparece el sexo, no se trata de una práctica u otra, si se trata de la robotización o el avatar del cuerpo del hombre, este se queda sin sexo, lo vemos en Robocop, solo cerebro, o en la obra de Tony Ousler, el hoombre se ha convertido en mero destello.

 

John Coplans

Body of work 1984

 

las referencias se han tomado

del catálogo:

Héroes Caídos

Masculinidad y representación

Proyecto de José Miguel G Cortés

Espai d'Art Contemporani de Castelló

abril junio 2002

 

"Lo hago general al decapitarme yo mismo, haciendo así que mi cuerpo se asemeje al de cualquier otro hombre. La desnudez rescata al cuerpo de la concreción temporal. Sin ropa, pertenece al pasado, al presente y al futuro; carece de clase, de país, quedando redimido del peso del lenguaje y libre para vagar por las culturas a su antojo.

El movimiento feminista y el replanteamiento de los roles del hombre en su relación con la mujer han ejercido una influencia crucial sobre mí. Para responder a ello no sólo necesito enfrentarme con la superficie histórica de la conciencia, sino también analizar las imágenes y los impulsos más profundos e inconscientes de la masculinidad. Mi cuerpo es activamente masculino y es a través de él que yo veo el mundo. Constituyen sin embargo, la expresión de un escape mas existencia que sexual. Se trata de una categoría más amplia. Mi masculinidad es casualidad y no elección, y mi imaginario no tiene que ver tanto con lo psicosexual como con la identidad y la ansiedad."

"Esas fotografías nos remiten a las políticas del cuerpo, al constituir la vejez un tabú en la sociedad americana, que tiende a la adoración de la belleza y la juventud. Como consecuencia de ello, el envejecimiento de los cuerpos ancianos se hurta a la vista al ser imperfectos, con frecuencia enfermos y estar condenados a una pronta muerte" 

 

  

                                                                                                                                                       

 

https://encuentroexperienciasdelacarne3.wordpress.com/santiago-cao-investigador-de-practicas-corporales-en-espacios-publicos-y-artista-de-performance-coordinador-del-proyecto-el-puente-buenos-aires-argentinasalvador-de-bahia-brasil/

 

 

 

 

  

                                                                                                                                        

En estas -cortas- notas intento ir definiendo la diferencia entre imagen cyborg i(a) (avatar ) y el cuerpo tecnológico, como bien dice la palabra pertenecen a dos lógicas diferentes, la primera la logica de la imagen, siempre imagen de otro, construir una imagen otro, y la lógica de la tecno....una herramienta de la ciencia. Ambas fuera. ¿Dónde ha quedado la imagen interior? La imagen se construye en tanto exterior, ya sea como Yo, ya sea como otro, como otro objeto del yo. En el caso de la performance el artista pone su cuerpo como imagen externa del yo, no como yo, como pretenden dar a entender ciertas teorias américanas del yo, sino como objeto. En cuanto a la robotica, Sterlac Antúnez, se trata de una suplencia del cuerpo, suplencia mecánica de lo organico, son dos modos de lo real, si sostenemos lo real como lo imposible, siempre será una suplencia, o a la imagen o a la mecánica del cuerpo.

 

El Cuerpo es el Sueño de la Razón

y la Inspiración de una Serpiente Enfurecida

Marcel.li Antúnez: cara y contracara

Pere Salabert

CENDAC

Murcia, España. 2007

 

performance & nuevos medios 

cuerpo & tecnología

artículo de Silvana Vilodre Goellner, Edvaldo Souza Couto:

La estética de los cuerpos mutantes: Stelarc, Orlan y Gunter Von Hagens

 

> Stelarc

> Orlan

> Marcel.lí Antúnez

> Lucy McRae

 

 

Robotizar ...lo imaginario: la imagen

 

Epifanía (1999)

Instalación

 

Exposición individual donde presenta obras inéditas que emplean diferentes materiales, tecnologías interactivas y audiovisuales. La muestra, comisariada por Claudia Giannetti, consta de cuatro instalaciones -Agar, Réquiem, Alfabeto y Capricho, y un apartado de documentación. Antúnez plantea un recorrido por diferentes "escenarios": el mundo biológico (las bacterias), tecnológico (las prótesis, la interactividad), cultural (el lenguaje) y mitológico (la ficción y la fantasía).

 

Reflexionar sobre los cambios producidos por las nuevas tecnologías y los desarrollos en las ciencias respecto a la condición del sujeto, su visión de mundo, los vínculos de los individuos con el entorno (naturaleza y cultura) y con las máquinas(técnica), así como investigar las nuevas relaciones que se pueden dar entre la obra y el público, son los propósitos de Epifanía.

 

Marcel.lí Antúnez Roca

Epifanía

Arte Facto & Ciencia

Claudia Giannetti, comisaria y editora

Fundación Telefónica

Madrid, 1999

 

ademas

 

artistas

La materia de la acción

> Gabriel Montero

> Gabriel Sasiambarrena

> Javier Sobrino

> Silvio De Gracia

 

  

 

Manifiesto contra-sexual

Libro de Paul B. Preciado

editorial anagrama, barcelona 2011

 

"En el libro, Preciado piensa la sexualidad dentro de la historia de las tecnologías, y no de la naturaleza, como se hace tradicionalmente, y lo hace tomando como ejemplo el 'dildo', una reproducción en plástico del pene."

 

"Internet hoy ya es uno de los órganos sexuales. No tiene género, es multirracial y colectivo", ha destacado Preciado, que asegura que aunque los medios de comunicación convencionales no se hacen eco, la red es un volcán contrasexual a punto de explotar.

 

"Preciado también es autora de y 'Pornotopía. Arquitectura y sexualidad en 'Playboy' durante la guerra fría', con el que quedó finalista del Premio Anagrama de Ensayo 2010."

seguir leyendo en

 

 

 

 

CCCB Exposiciones

 

+HUMANOS

El futuro de nuestra especie

7 octubre 2015 - 10 abril 2016

Comisarios:Cathrine Kramer

 

"Ciborgs, superhumanos y clones. ¿Evolución o extinción? ¿Qué significa ser humano hoy? ¿Cómo será la humanidad dentro de cien años? El potencial tecnológico avanza con gran rapidez; ¿debemos seguir modificando nuestro cuerpo, nuestra mente y nuestra vida cotidiana, o hay unos límites que no podemos rebasar? La exposición explora los posibles caminos de futuro de nuestra especie teniendo en cuenta especialmente las tecnologías emergentes y nuestro contexto cultural y ético.

 

«+Humanos»se adentra en los límites de lo que significa ser un ser humano: los límites del cuerpo, los límites de la especie, los límites de lo que es social y éticamente aceptable. ¿Tenemos que mejorarnos a nosotros mismos, o hemos de intentar modificar a nuestros descendientes? ¿Nos acercamos a una singularidad de una hibridación hombre-máquina, o perdemos facultades a causa de nuestra dependencia siempre en aumento respecto a las extensiones tecnológicas del cuerpo? ¿La prolongación de la longevidad humana es una magnífica aspiración o una terrible amenaza para el planeta?

 

Esta exposición es una propuesta que da continuidad al proyecto «Human +», presentado en la Science Gallery del Trinity College Dublin en 2011. La artista Cathrine Kramer es su comisaria ejecutiva y ha contado con la colaboración del investigador Ricard Solé. La muestra ha sido realizada con el asesoramiento de Juliana Adelman, Rachel Armstrong, Michael John Gorman, Aoife McLysaght, Ross McManus, Richard ReillyI y Charles Spillane.

 

Con obras de unos cincuenta artistas y pioneras propuestas de investigación, +Humanos explora los posibles caminos de futuro de nuestra especie. Desde las técnicas de reproducción asistida y los experimentos incipientes en biología sintética hasta la posibilidad de perpetuarnos a través del ámbito digital, nuestras vidas están condicionadas, mediadas y definidas por una revolucionaria confluencia de nuevos campos científicos y tecnológicos. 

 

Para crear el marco de exploración, se han ideado cuatro temas generales: Capacidades aumentadas, Encuentro con otros, Diseñando el entorno y La vida en sus límites. Cada tema se representa mediante obras de arte, artefactos históricos, vídeos, investigaciones científicas y productos comerciales."

 

Hugh Herr: "La biónica no hará distinción entre biológico y artificial"

El Cultural, 21 10 2016

Javier lopez rejas

 

 

Cómo se comunican los apéndices biónicos con el sistema nervioso humano? ¿De qué forma emulan esos elementos a sus homólogos biológicos? Estas y otras preguntas son las que impulsan el trabajo teórico y empírico del grupo de investigación del ingeniero, escalador y biofísico estadounidense Hugh Herr (Lancaster, Pennsylvania, 1964), reconocido con el Premio Princesa de Asturias 2016 por sus contribuciones en biomecánica y por su innovadora combinación de inteligencia artificial, neurofisiología y robótica.

 

Desde su laboratorio del Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT) ha dado lugar a una nueva clase de prótesis inteligentes controlables por el cerebro. Herr ha sintetizado diversas disciplinas científicas y tecnológicas de vanguardia que han permitido que personas con discapacidad hayan podido realizar, a través de prótesis adaptables, movimietos similares a los fisiológicos. Además, ha desarrollado estructuras externas al cuerpo llamadas exoesqueletos que potencian las capacidades físicas del ser humano. El jurado de los Princesa de Asturias destacó que el trabajo del director del Biomechatronic Group “está acelerando la integración hombre-máquina”, un hito capaz de mejorar de forma considerable la calidad de vida de millones de personas.

 

"Los progresos de Hugh Herr en el ámbito de la biónica hacen que el ideal del ‘hombre-máquina' esté a punto de convertirse en una realidad. José M. Carmena, profesor de Ingeniería Eléctrica, Ciencia Cognitiva y Neurociencia de Berkeley, adelantaba en estas páginas en 2012 los importantes avances que se estaban realizando en el implante coclear (proceso que facilitaría la audición a personas con sordera profunda). Dos años después, investigadores australianos lograba perfeccionar esta técnica combinándola con la terapia génica, logrando ‘resucitar' tejido del oído interno usando los propios impulsos eléctricos del implante coclear. El estudio, publicado en Science Tanslational Medicine, abría puertas también para el tratamiento de diversos tipos de trastornos neurológicos."

 

leer artículo completo en:

 

1997-2014

La obra de Ramón Guillén-Balmes

Alberto Caballero

"Si entendemos por prótesis todo objeto que se sitúa en el lugar de una falta,..en la obra de Ramón Guillem Balmes nos preguntamos entonces cómo esos deshechos del cuerpo, los restos más despreciables, pueden tener valor para el sujeto, si tienen valor de resto del o para el otro, algo del otro, eternamente perdido, eternamente irrecuperable, por el valor irreversible del tiempo, retornando como resto, como extensión, como posible materialización. Son un resto, un recuerdo de que algo no funcionó, pero que actúan como forro, bolsa, saco, vendaje, envoltura, entablillado, yeso, collarín. Sus esculturas no hablan del cuerpo, hablan de una ausencia del cuerpo, de mutilaciones del cuerpo, de una falta, de fragmentos de su envoltura, de recuerdos que revestían una forma del cuerpo. Son versiones de aquella bolsa original, que ahora retorna como orto.pedia."

 

 

                                                                                                                                                     

4. La imagen del cuerpo....al cyborg

 

Cuerpo, espacio y tiempo en Bruce Nauman

CASO DE ESTUDIO

IVAM Institut Valencia d'Art Moderno

febrero a junio 2015

Valencia, España

comisario: Mª Jesús Folch

" El Body Art, el arte de acción y el videoarte se inscriben, desde los años 60 y 70, en la exploración artística del cuerpo, de las relaciones que se establecen entre los objetos y el espacio que los rodea, y quien los observa.

 

Bruce Nauman comprende la praxis artística como un vehículo privilegiado de entender y reflexionar acerca de la propia vida haciendo del cuerpo humano un territorio de reflexión para sus acciones por lo que valora el espacio a partir de la experiencia de su propio cuerpo y de la relación de este, los objetos y el lugar en el que se enmarcan.

 

Por eso, este “Caso de Estudio”, incide en que en la obra de Nauman nada se resuelve, todo queda anclado en un tiempo que avanza pero que no termina de resolverse nunca, una temporalidad que no logra atisbar ningún rescoldo de experiencia original en la que el cuerpo en queda aprisionado.

Los “Casos de Estudio”, son unos proyectos que vinculan el marco expositivo, con la investigación y el análisis de la obra de artistas determinantes en el último siglo.

La exposición presenta diez obras de Bruce Nauman que pertenecen a la colección del IVAM. La mayoría son cintas de video que, aunque realizadas en los inicios de su actividad artística, entre 1968 y 1969, consignan sus fundamentos teóricos en torno al cuerpo, el espacio y el tiempo. La omnipresencia del artista invade e impregna la escena por completo, en las que el cuerpo se convierte en materia prima y en las que el equilibrio tenso de conceptos y experiencias se sitúa en primera línea. Junto a ellas, dos piezas de obra gráfica nos acercan a momentos concretos de su producción, 1970 y 1990, y se alzan como referencias documentales. Elementos como la duplicación, el reflejo y la repetición forman parte del lenguaje específico de Nauman en el que la confrontación de sonidos, los juegos de palabras y los cambios semánticos están vigentes de forma continua para interpelar al espectador.

 

Otras piezas, tanto de Nauman como de otros autores, se incorporan a la muestra con el objetivo de explicar y contextualizar su obra con una visión distinta a las ofrecidas hasta el momento.

 

  

                                                                                                                                                                             

ver catálogo en la web del museo

 

 

archieve action art 

performance & nuevos medios

 

videoperformances

Bruce Naumann

Peter Campus 

Tony Oursler 

 

Ed Atkins tra tecnologia e iperrealtà

y Atkin

curada por Carolyn Christov-Bakargiev e Irene Calderon

27 sept 2016 a 29 en 2017

Torino, Italia

 

Castello di Rivoli Museo de Arte Contemporáneo inaugura el artista británico Ed Atkins en colaboración con la Fundación Sandretto Re Rebaudengo.

 

Las obras: pinchazos, en 2013, calor, calor, bocas cálida primavera de 2013, Cintas, 2014, Hisser, 2015 y Feliz Cumpleaños !!!, 2014, así como nuevas intervenciones artista. La Fundación Sandretto ha presentado el trabajo Salvoconducto, 2016, con nuevos elementos escultóricos en la pared.

 

A través de sus vídeos, textos y dibujos Ed Atkins (Oxford, 1982) pone instintivamente en el escenario de la forma en que los lenguajes contemporáneos - desde la estética poética de CGI - bathos tratando de transmitir y volver experiencias sensoriales con fuerte poder emocional. El trabajo de Atkins es a la vez inquietante radiografía de un presente cada vez más mediada por la profecía digital y absurda de un tiempo en el futuro; Es escéptico de las promesas de la tecnología, pero sugiere la posibilidad de recuperar la subjetividad del individuo a través de una verdadera burla de odio y el amor, en la suspensión de ese sentimentalismo histérico que impregna la vida de sus sustitutos desesperados.

 

La retrospectiva, organizada en cinco habitaciones en el tercer piso del Castillo, se ha desarrollado como una puesta a punto integral mediante una disposición innovadora de las obras que se combinan en una difusa narrativa imágenes, el espacio, el sonido, el lenguaje y el color y hacen que la experiencia de los visitantes una experiencia de inmersión, hipnótico y hiperreal.

 

La exposición tiene como objetivo centrarse en la combinación de lo físico y la ausencia que se refleja en la dimensión fantasmagórica del espacio de exposición: un antiguo castillo "bajo un hechizo", tal vez habitada por fantasmas de expresión un'intangibilità material que el artista parece encontrar en la realidad producida por ' alta definición y la cultura digital.

 

Carolyn Christov-dice Bakargiev: "La originalidad del evento es organizado como lo fue por el artista, que se centra en el espacio emocional, histórico y arquitectónico en el que se desarrolla la exposición. Si el edificio es un cuerpo, el cerebro es el último piso, en el ático, donde Ed Atkins quiere quedarse, el centro neurálgico del pensamiento y la creación del cuerpo afectada. Las amplias habitaciones, con sus techos con vigas de madera y la columna central de la ascendiendo chimenea de ladrillo rojo - una vez utilizados como cuarteles - devuelven un lugar metafórico, ancestral, en la que la presencia y la ausencia recuerdan la sensación de una "encantada" entre la antigua y contemporánea ".

 

Obras como: Salvoconducto, 2016, una instalación de vídeo con tres canales cuyas imágenes se toman películas de aeropuertos a los viajeros que ilustra los procedimientos a seguir para pasar los controles de seguridad. Además del vídeo de la instalación, Atkins presentará una serie de nuevas obras gráficas relacionadas con el trabajo Salvoconducto. La Fundación Sandretto, añade Christov-Bakargiev, "el protagonista encarna el estado de ansiedad que caracteriza a nuestra época de miedo y vulnerabilidad y, al mismo tiempo controla los excesos en espacios públicos y, aunque tienen el objetivo de garantizar nuestra seguridad, terminar con la invasión de su privacidad. La línea cada vez más fina entre lo que se ve real y lo que es realmente es uno de los temas tratados por el artista, así como un rasgo distintivo de la sociedad digital, en el que está mediada todo ".

 

Durante la exposición se publicará para los tipos de Skira un catálogo de Marianna Vecellio y Carolyn Christov-Bakargiev. El cuerpo principal del libro consiste en una sección grande diseñado y montado por Atkins como un libro de artista, hecho de imágenes, texto y gráficos de muchos universos descritos en sus videos, o inspirados por ellos. Los nuevos ensayos de los dos curadores, Irene Calderoni y Chiara Vecchiarelli junto con una historia científica y una vasta antología con Atkins escritos inéditos, aportes críticos por Kirsty Bell, Melissa Gronlund, Martin Herbert, Leslie Jamison, Joe Luna, Jeff Nagy, Mike Sperlinger y Patrick Ward y entrevistas con el artista hecha por Katie Guggenheim, Hans Ulrich Obrist, Beatrix Ruf y Richard Whitby.

 

Imagen de la exposición

 

  

                                                                                                                                                                                                                                                                

  A*gR_3. Tony Oursler.

Del 15 de septiembre al 12 de noviembre de 2016.

Galería Moisés Pérez de Albéniz

 

La Galería Moisés Pérez de Albéniz inaugura la primera exposición individual del artista neoyorquino Tony Oursler en la galería, titulada A*gR_3.

 

El artista norteamericano continúa profundizando sobre el cuerpo de trabajo empezado en template/variant/friend/stranger (2015) donde a través de piezas de grandes formatos investiga la relación de la identidad con el último acento de la tecnología y las técnicas de reconocimiento facial. La dimensión psicológica de los humanos, que desde los orígenes ha obsesionado a Oursler, se resuelve en esta exposición bajo la tradicional ecuación del artista: imagen, sonido y texto. Un compendio de utensilios narrativos presentes en la obra de Tony Oursler en constante evolución desde sus primeras piezas como estudiante de arte en California en la década de los 70.

 

El interés del artista en la cara como lugar idóneo donde se ubican la comunicación e identidad, a través de distintivos, movimientos y expresiones es central en esta exposición que llega casi 5 años después de su última muestra individual en Madrid. Las obras revelan su fascinación por la belleza dormida detrás de ciertos misterios tecnológicos. La ensoñación humana pretendida que trasciende en monitores y altavoces, máquinas que se parecen a nosotros. Una de las intenciones del artista con A*gR_3 es “invitar al espectador a ojearse a sí mismo desde otra perspectiva, esa que se desprende de las máquinas que hemos creado recientemente”. El grado de ficción en el conjunto de la obra de Tony Oursler no es casual, es un uso pretendido presente desde sus primeros vídeos. El trabajo simple y a veces torpe en la construcción de las tramoyas y escenografías como esqueleto de sus piezas confiere justamente un más acentuado grado de ficción. Dejando al contenido de imagen y sonido sostenido en un lugar primitivo, casi infantil. No es extraño el uso en la producción del artista de las tradicionales casas de muñecas para distribuir sus fantasmas entre las diferentes estancias. Oursler, que perteneció a la primera generación de artistas en utilizar el vídeo como lenguaje materno –se educó bajo la explosión televisiva y mass media norteamericana- crea imágenes que nos pertenecen a todos, aunque no lo sepamos. Como traídas de un mal sueño.

 

Ese sueño común es reflejo en sus obras, de un lado, de la cultura contemporánea bajo la tradición del Pop Art, y de otro le ofrece la oportunidad de proceder de forma analítica como práctica del arte conceptual. Porque no existe aproximación de Tony Oursler al arte sin humor ni crítica, arrojando luz sobre el lado oscuro del deseo común. Una investigación técnica de la psique humana a través de las herramientas creadas entre todos para amplificar la comunicación entre individuos, grupos y entes. Que él descuartiza en personajes que en esta exposición son el resultado de la búsqueda de datos biométricos a través de escáneres de reconocimiento facial, patrones oculares y huellas digitales, todo añadido a nuestros perfiles sociales y sumado a una siniestra acumulación de información personal en bases de datos que capturan y categorizan a los humanos. Que nos categorizan.

 

Esa performance de algoritmos matemáticos luchando por estratificar a los humanos, según los datos acumulados, se representa en esta exposición en un coro de extraños muy familiares. Una familia de ecos, voces, ojos que miran y a lo mejor ven y expresiones inacabadas de un latir común escondido en el fértil archivo paranormal de Tony Oursler. Hasta enero de 2017 se puede visitar además en el MOMA la exposición que el museo neoyorquino le dedica a Tony Oursler. Imponderable es una única instalación audiovisual construida a partir del propio archivo personal del artista donde se suceden imágenes de fotografía espiritual, pseudociencia, telequinesis, magia y otras manifestaciones de lo paranormal. Un material que Oursler lleva recopilando con devoción sobre el lado más enigmático de los humanos al que también se ha acercado desde el psicoanálisis y que vive en el alma de las obras que componen A*gR_3.

 

Daniel Fernández-Cañadas

                                       

 

          

Tony Oursler.

 las politicas del cuerpo, el cuerpo politico

la posición masculina

+ como fondo de la coleccion del museo pompidou de malaga 

 

  

                                                                                                                                                                                                                                                                                      

Barcelona, noviembre del 2016