La mujer, la mujer- artista, el arte (el objeto)

Alberto caballero
 

LA MUJER, LA MUJER-ARTISTA, EL ARTE (EL OBJETO)
de la nominación simbólica al objeto como nominación

Alberto Caballero

Aproximaciones a la obra de Eulàlia Valldosera

Eulàlia Valldosera. Obres 1990-2000
Catálogo exposición Fundació Antoni Tàpies
Barcelona 2001

La  visita a la instalación de las obras de Eulàlia Valldosera en la Fundació Antoni Tàpies me impresionó de manera particular.  No se trataba de una exhibición de obras gráficas o visuales; no se trataba de una exposición de esculturas o de object art; se trataba de instalaciones de objetos (efímeros, como envases de plástico, utensilios de cocina, de baño, de hospital, etc.) que, al producir sombras o reflejos, realizaban un determinado efecto espacial, un espacio producido por imágenes también efímeras, en movimiento, en permanente transformación.

Esto me interrogó profundamente. Su relación con el objeto 'cotidiano' producía un cambio radical en la posición del sujeto y, fundamentalmente, en la relación objeto/sujeto: no había una narración, del lado simbólico, ni había, lo que se denomina tradicionalmente, unaimagen.  Se había disociado la narración de la imagen, por un lado, y por otro la imagen de su soporte matérico.   

Estas causas me llevaron a plantear mi investigación: lo que estaba allí ni eran imágenes, ni eran objetos, sino aparatos para producir imágenes, e imágenes que producían un carácter particular del espacio. 

El recorrido ha sido largo y laborioso, pero fundamentalmente productivo. Me ha llevado a realizar seminarios, charlas, participar en congresos, a escribir artículos, pero específicamente a investigar y a escribir. Éste es mi reconocimiento a Eulàlia Valldosera y a su obra, que me ha permitido revisar conceptos y cuestiones que han estado por años estancadas, y que de pronto han cobrado una dimensión totalmente diferente. Espero que este trabajo sirva para dar cuenta de ello.

Algunas notas: Uso de los objetos de la producción característica de la sociedad capitalista, materiales de deshechos como son los envases. Prevalencia de la experiencia de lo cotidiano, frente a la trascendencia de lo histórico. El uso de la perfomance como herramienta. La necesidad de trabajar con los conceptos de tiempo y de proceso, o sea con el pensamiento.  “Sus trabajos adoptan el cuerpo como medida y receptáculo de la realidad exterior, para desarrollar una reflexión sobre la identidad de la mujer como sujeto intelectual, y se centran en las nociones de identidad sexual, amor, enfermedad y maternidad.”

Algunos de los temas tratados: hogar y familia, la reivindicación de la enfermedad como vía de curación, la necesaria fragmentación de las relaciones amorosas, y sobre todo, la imbricación de la experiencia en el pensamiento, son los ejes de su obra.

Algunas de las herramientas: fotografías, vídeos, esculturas y proyecciones de luz: “La sombra y más recientemente el espejo evoca una búsqueda interior hacia el mundo del inconsciente, no sólo como espectro de un pasado no resuelto, sino también como forma de aprehensión de la realidad.”

La retrospectiva está organizada en salas por temas. Algunos de ellos:

Apariencias, Documentos y Quemaduras son la ocultación y revelación del cuerpo: “El hecho de que la persona fotografiada fuera yo –dice la artista- y la naturaleza de perfomance de la obra me permitieron transformarme en un objeto.”

Envases: el culto a la madre, las siluetas de los envases a una escala gigantesca evocan cuerpos femeninos,  visualizan distintos aspectos de las relaciones mujer-madre, mujer-esposa y madre, madre-hija  o mujer-seductora.

El ombligo del mundo: instalación en la que dibuja una parte del torso femenino, los pechos, con colillas de cigarrillos. Símbolo de belleza y a  la vez contenedor de basura. En la perfomance, la actividad doméstica se ve transformada en un acto  cuando Valldosera barre y apila las colillas de cigarrillos. La belleza palidece, persiste el olor a destrucción.

El cuarto de baño es un territorio privado: “Decenas de espejos de mano simbolizan la mirada del otro y una realidad fragmentada”.

Familia: en Provisional Home, enfatiza la naturaleza efímera del espacio íntimo, periódicamente, se unen para formar una imagen completa, la escena ideal con la escala correcta, por un momento existe la ilusión de que los distintos componentes de la instalación forman un todo, el ideal de la familia.

(La fragmentación de la imagen, alguna vez se completa, alguna vez i, aparece como i(a). Hace referencia a los textos de Lacan “El estadio del espejo, Seminario XI  “La mirada”, Los Escritos: “El informe de Daniel Lagache”).

En los vídeos: Vendaje y Loop, lo fundamental es que sujeto y objeto se sitúan en el mismo plano: a través del agua en Loop, quién anima a quién, la continuidad objeto-sujetoes evidente.

En la instalación La caída: es un trabajo sobre el movimiento dentro del movimiento, el tiempo interno y subjetivo de los acontecimientos y, las personas, subrayando el desajuste con el tiempo externo y objetivo. (Aquí es muy clara la construcción de una realidad psíquica como la planteada por Lacan en “El informe de Daniel Lagache).

En la serie Apariencias las habitaciones de la casa, el cuerpo humano, los objetos y las sombras, son los elementos para la construcción de las instalaciones, unos y otros a veces dicen lo mismo. Realidad y realidad psíquica, a veces se confunden.

En Love’s Sweeeter than Win, se mete con el amor dice: “Sabemos que el terreno del amor es muy propicio a la proyección; en el otro, en el ser amado, vemos algo que no somos capaces de ver en nosotros mismos y a menudo…es precisamente el lado de nosotros mismos que rechazamos, nuestra sombra.”  

Entrevista con El Cultural” 24.1.2001

Ante la pregunta de si su obra tiene que ver con el mito de Narciso, Eulàlia Valldosera responde:

Me siento más identificada con Eco, un personaje olvidado. Los destinos de Narciso y Eco se cruzan pero, insisto, Narciso es hombre y Eco es una ninfa, una mujer, y ambos poseen significaciones y connotaciones diferentes. En muchos de mis trabajos yo desaparezco, es como si me fundiera o difuminara en el entorno, como Eco.

En mi obra hago referencia a una actitud pasiva: las típicas funciones que se atribuyen al sexo femenino, como la limpieza, el cuidar al otro, el amar… yo las traslado a otro plano.

Un tema importante para mí es cómo las emociones pueden perturbar el cuerpo hasta el punto de causar la enfermedad, no sabemos cómo enfrentarnos a las enfermedades somáticas. Este es un tema que me preocupa y sobre el que trabajo como artista. ¿Cómo lo hace? Proyectando y desdoblando el cuerpo, cuando introduzco el tema de la sombra, la luz como metáfora de la energía, conecta el cuerpo y la mente que están disociados.

El Tema de la sombra: El enfrentamiento con la sombra me hace preguntar por su significado: “aquella parte que uno no ve pero que siempre va con uno mismo. Es todo aquello que uno se niega y que inconscientemente puede proyectar o ver en el otro. La sombra es el inconsciente y el inconsciente es material no iluminado. Un material riquísimo que posee un gran poder creativo y destructivo.”

Retoma temas como arte-terapia, arte-autobiografía, arte-fragilidad, dice: “Mi arte es muy frágil, muy difícil de conservar, muy difícil de llevar al mercado, y con esto estoy cuestionando el sistema.”

De los restos: empieza a partir de objetos encontrados (migas, colillas, arrugas en las sábanas… residuos de lo que ella considera actividades imprescindibles para vivir (comer, fumar, dormir), y que son elementos –ella dice- que le permiten hablar del paso del tiempo.

Aquí pueden ya aparecer las primeras hipótesis: esta cuestión de “las necesidades primeras” lo podríamos asociar a otras cuestiones como las disfunciones, o patologías, relacionadas con la alimentación, con el embarazo prematuro, con la motricidad, con la respiración.

Por qué el sujeto ha tenido que retornar a “la necesidad” en las afecciones corporales y en el arte. Por qué no ha sido suficiente la demanda, como demanda de amor al otro, o sencillamente como llamado al otro, para barrar algo del sujeto, porque, como dice Eulàlia Valldosera, tiene que poner su propio cuerpo como objeto, para no-solo mostrar al otro, sino decir algo de esto al otro.

Lo que ella menciona como “no hay respuesta de las instituciones” (del A), a este tipo de instalación, inmaterial, efímeras, se da una especie de vacío, nadie se hacer cargo del trabajo. Los mecanismos internacionales se hacen cargo “del arte-objeto”. Para lo que nosotros hacemos, dice, haría falta algo que yo siempre reivindico: el alquiler y el salario. Son unos términos próximos al proletariado pero mas afines al tipo de trabajo que estamos realizando.

Muy interesante, ahora que el proletario se transformó en consumidor, en el discurso capitalista, son los artistas los que reivindican el salario y el alquiler. Ante el objeto-consumo, los artistas abandonan el arte-objeto, prefieren lo insustancial, lo efímero, etc. Trabaja con los residuos de dichos objetos, pero con la sombra de esto, muy interesante en catalán seria: escombras, ombras, “las ombras” como los restos del objeto. En este caso los restos son los envases de detergentes, de cosméticos, medicamentos, vasos de plástico, viejos tocadiscos, trapos de cocina.

Pero mas allá del objeto, Valldosera necesita del propio espectador para contemplarse, no son solo las sombras de los objetos (envases) que constituyen la instalación, sino las de los espectadores, de un espejo a otro, o sea una instalación de sombras. Los ambientes son domésticos, cotidianos, sin abandonar el uso del propio cuerpo como modelo, y la contemplación de sus obras como si estas fueran, a su vez, su cuerpo mismo.

Cuerpo y obra, son lo mismo. Aquí surge otra hipótesis, en esta serie que va de Gala a Orlan, y que extiendo a Valldosera, cuerpo, mujer, obra, llegan a ser lo mismo. ¿ Qué representan para la mujer-artista el cuerpo, La mujer y la obra de arte? ¿Cómo han llegado a ser lo mismo?

Así como en Gala, o en Orlan, hay algo de lo extraordinario en el contexto donde están dispuestas las obras, de manera particular en cada caso, en Bourgois como en Valldosera, la casa, lo familiar, la madre tiene una importancia relevante. “Apariencias”, es una instalación donde la artista recrea una casa, “la casa del yo”. “Cada una de estancias de la vivienda hace referencia a aquellas partes del cuerpo que se relacionan con ella, no solo por los objetos que la ocupan, sino por las emociones que estas partes del cuerpo registran” Las series, Casas, Escalera, Arañas, la casa, la madre, tenían para Bourgois algo que ver con esto.

Una segunda exposición, me ha permitido responder a algunas preguntas planteadas con anticipación.

Del futurismo al láser

La aventura italiana de la materia

Catálogo de la  exposición en el  Palau de la VirreinaBarcelona,2000-2001

Del catálogo extraigo algunas ideas:

Del Polimaterismo futurista a la comunicación interactiva

Rosella Siligato/Maurizio Calvesi, entre otros

En las tres primeras décadas del siglo los estudios sobre la estructura de la materia sufrieron una mutación que resaltó los límites del modelo mecanicista newtoniano. La radical transformación de este esquema teórico provoca un profundo cambio en la concepción de la realidad física: la electrodinámica de Maxwell, permiten descubrir las ondas radio, las ondas radas, los rayos X y los rayos cósmicos. Rutherford, descubre la falta de compactación y el dinamismo interno de la materia, Einstein, la relatividad restringida y la teoría de los fenómenos atómicos, demuele el concepto clásico de objetos sólidos y poniendo en discusión el concepto de realidad de la materia.

“Se delinea el evento de una nueva civilización –la civilización científica – a la cual los artistas dirigen la mirada como un misterio desvelado, y luego de la explosión atómica pareció hacer realidad la superación de la “civilización mecánica”, veremos más adelante las consecuencias de esto en la cuestión de la materialidad.

Además, la influencia que ha tenido en la continuidad-simultaneidad futurista la idea de tiempo como “duración” concebido por Bergson, cierto es que la exaltación de los nuevos descubrimientos científicos aparece continuamente en los manifiestos del movimiento. La fantasía se excita ante la realidad física de una materia-energía penetrable y estrechamente ligada a la continuidad del espacio-tiempo, una realidad que supera lo visible: “El movimiento y la luz destruyen la materialidad de los cuerpos”.

Más adelante, “Por lo tanto percibiendo los cuerpos y sus partes como zonas plásticas… se destruye totalmente la integridad de la materia considerada solamente al máximo de su vitalidad…” El dinamismo plástico, vitalidad absoluta de la materia, no puede expresarse mas que con formas-colores al máximo del relieve, de la profundidad, de la intensidad y de la irradiación lumínica, es decir pintura y escultura reunidas en una única creación plástica. Yo preveo por esto el final del cuadro y de la escultura...

Ya no se habla de pintura y de escultura, sino de conjuntos plásticos, abstractos y móviles, construidos con materiales ligeros, transparentes y móviles, con luz y con “líquidos químicos luminosos de color variable”

Ya en los años 1913-1914 los conceptos son “materia-objeto”, en los 20 “materia-organismo”, traducen en pintura las fórmulas científicas de la naturaleza dual, ondulatoria y crepuscular, de la materia y de la luz, una materia a interrogar, como parece sugerirnos en algunos textos que se denominan “entrevistas con la materia”.

Lo que puedo extraer es que ya no interesa la relación imagen-objeto, y la materia al servicio de esta representación, sino la materia-objeto, la presentación de la materia en sus múltiples posibilidades.

El concepto de materia como “organismo viviente” “en su propia inmanencia biológica”. La materia, después de la primera guerra mundial, se convierte en rastro del individuo, la materia se entrega por sí misma, con su propia existencia: sacos pobres y desgastados, rasgaduras y remiendos, alquitranes, mohos, corrosión, etc. El arte tiende a identificarse con “la vida”, los síntomas predominantes de una tal orientación los vemos ya afirmados en el binomio arte-vida.

Así, llegan los ’60 la materia llega hasta el punto cero de la “tabola rasa”, emerge de nuevo como objeto, aparecela prepotencia de la imagen, con el lenguaje y las técnicas de los medios de difusión extendidos por la civilización de masa. Con Manzoni sus “achrome” son superficies que absorben la tela y los objetos: un blanco que no es un paisaje, es una superficie blanca que es una superficie blanca y nada mas, solo ser.

Este proceso de “pura materialidad” lleva al extremo de “puro ser” materia, de pura superficie, para poder entrar en el polo opuesto, la inmaterialidad lo que dará entrada a otro proceso, al arte conceptual.

La materia y lo inmaterial

Por otro lado se afirma, los rigurosos procesos de pensamiento del Arte Conceptual, es la negación de la obra, la desmaterialización de su consistencia física, finalmente con el avance de las novísimas tecnologías la imagen se convierte en liquidez virtual que coloquia con la materia y recupera su vocación de comunicación. No queda más remedio que señalar los obstáculos, los límites físicos ocasionales más allá de los cuales puede ir solo el pensamiento, se privilegia el pensamiento respecto a la forma, ya estamos en los años 70.

Se trabajaba con elementos extra pictóricos, tarjetas de visita, periódicos, caracteres tipográficos, papel de empapelar, etc. El empleo de tecnologías avanzadas ha incorporado al arte un nuevo tipo de inmaterialidad de la imagen que dialoga, a veces, con el carácter físico del objeto. Dos trabajos dedicados a Heisenberg, el padre del principio de indeterminación, nos revelan el motivo: para el artista la red sustituye al edificio en la metáfora del conocimiento.

Ya con estas primeras notas aparecen las primeras ideas que fundarán la investigación: De la materialización de la obra se pasa a la desmaterialización, la negación de la obra, teorizada por el arte conceptual, privilegia el pensamiento a la forma. El objeto ya no tiene carácter físico.

[Giuseppe Penone, Ser río, 1995] [Fabrizi Cornelli, Equilibrista]

Pero cómo hemos llegado a esto como “algunos momentos cruciales del paso del A al a en la creación artística”:

%: La Iglesia y el Estado, luego será el Museo, hasta el siglo XIX; de la construcción del %como Estado, y la caída de la Iglesia en el siglo XVII ver La Pasión del Rey (Le Roi Danse), director Gérard Corbiau. Muestra preciosamente como Lully, el gran músico barroco del siglo XVII, ayuda a construir el imperio del rey sol, Luis XIV, el rey que danza para conseguir sus intereses políticos, todavía el arte estaba al servicio del Otro.

$: El artista, llegamos al siglo XX, son muy conocidos por todos, Picasso, Dalí, etc. etc.

a: El objeto: el trazo, la huella, el objeto únicoEl referente desaparece, se valora la materia y la forma, de allí podemos formular la siguiente serie:

1.1.imagen/cosa1.2.objeto/cosa1.3.acción/cosa1.4.digito/cosa

Podríamos reducir a dos grandes conjuntos,

1. Los matéricos, primacía de la multimaterialidad, que llevará a la perfomance, donde el cuerpo del artista es la materia con la que trabaja

2.El arte conceptual, palabra-cosa, que llevará al arte digital.

3. Es con el digito-cosa que se podría pensar una restauración del % –la red- y por consiguiente la desaparición del $artista.