Artes Visuales
Mar, 12/16/2014 - 01:48 | 
PINTURA DE CÁMARA: PINTURA EN DOS VERSIONES SE PRESENTA EN SALA GASCO
Muestra bípersonal de María Elena Cárdenas y Manuel Torres aborda la pintura desde dos estilos contrastantes, pero que coinciden en tener a la fotografía como principal modelo para enfrentar el realismo pictórico y -paradojalmente- producir una tensión entre representación y abstracción.
Dos artistas, dos visiones en una misma exposición, pero con una mirada común de la pintura es la muestra que María Elena Cárdenas junto a Manuel Torres exponen a partir del 3 de diciembre en Sala Gasco, en la exposición “Pintura de Cámara”.
Sala Gasco Arte Contemporáneo
Santo Domingo 1061 (Metro Plaza de Armas) Santiago.
4 de diciembre al 13 de febrero
La relación entre la fotografía y la pintura es el punto en común que encontraron estos dos amigos artistas a la hora de decidir exponer juntos, y es la que da nombre a la exposición. Así, el título “Pintura de Cámara” alude, metonímicamente, a la pintura que toma a la fotografía como su principal referente y a la vez parafrasea el nombre de orquesta de cámara (número reducido de interpretes en un lugar reducido) jugando así con el concepto de cámara-objeto y cámara-espacio: “A pesar que nuestro trabajo es muy distinto, pensamos que compartíamos las mismas inquietudes acerca de la pintura y el realismo. Apostamos a presentar un proyecto de exposición que mostrara dos visiones muy diferentes formalmente de la pintura, pero que coincidían en tener a la fotografía como principal modelo para abordar una suerte de realismo pictórico”, explica Cárdenas.
Tags: Texto curatorial de la exposición “Concreto paraíso”, de los artistas Javiera Da Fonseca y Mr. Trafixxx, en Galería “Madhaus”, entre los días 13 y 23 de noviembre de 2014.
Collage obras Javiera Da Fonseca - Mr. Trafixxx. 2014.
En esta dupla de artistas, el desplazamiento sobre la tabla de skate por la ciudad y sus capas sociales, produce un diseño transversal, movimiento que es selectivo al navegar por la memoria del arte; y al acudir a ella, el escepticismo post moderno queda rezagado, al concebir, desde su laboratorio, a la ciudad y al proceso de globalización como herramientas potenciales de transformación positiva del individuo.
Si las olas del mar expulsaron a las tablas de surf al pavimento, dotándolas de ruedas, cual proceso evolutivo de una especie, en Javiera y Mr. Trafixxx, el reconocimiento de tales reminicencias de origen, en la morfología de las pistas de skate y la oscilación que incuban, resulta la materia que produce la explosión de su proceso creativo, a lo cual se incorporan los horizontes del arte concreto y la poesía visual.
De tal modo, se perciben en las obras expuestas, el romanticismo, la frialdad y el delirio creativo que caracterizaron a las tendencias históricas colegiadas. Así como la intención utópica de transformar el mundo a través del arte, pero modificando las matrices para generar, a la usanza de un Dj, nuevos ensambles de tiempo, forma y espacio, desde lo contemporáneo.
Entre el 18 y 27 de noviembre se llevará a cabo el encuentro CHIBO: Mar con Bolivia, en Valparaíso y Santiago de Chile, con la participación de escritores, artistas y académicos de ambos países, cuyo propósito es comenzar a construir un acercamiento/entrecruce chileno-boliviano a las alturas de los desafíos vecinales por venir.
El evento incluye lecturas de poesía en las Fundaciones Pablo Neruda y Pablo de Rokha, performances urbanas en diversas comunas de Santiago, un coloquio interdisciplinario denominado “Debates fronterizos: Nación, contrabando y migración”,en la Universidad de Valparaíso, y diversas mesas redondas y muestras visuales en Santiago.
El encuentro es organizado por diversas instituciones, entre las que cabe mencionarlas revistas Mar con Soroche, Aneconómica y Escrituras americanas, el Departamento de Filosofía de la Universidad Metropolitana de Ciencias de la Educación de Santiago, el Núcleo Derecho y Ciudadanía de la Universidad de Valparaíso, el Departamento de Ciencias Políticas de la Universidad Alberto Hurtado, el Programa de Filosofía de la Universidad ARCIS, el grupo Descentralización Poética, Galería de arte Metropolitana, el Módulo de experimentación de Arte AK-35, la Federación de Estudiantes del Pedagógico y CHIBO Alegroremas.
PROGRAMA
UNDER MESURE/ CAMINAR - TENSAR - LUCHAR
Conversación con Sebastián Mahaluf
Parte II
Por Camila Téllez
...continua.
C: La performatividad del trabajo que has venido desarrollando los últimos años, tiene un alto nivel de relación, no sólo con el espacio público, sino que además, con un público que participa activamente y que se transforma en parte tan esencial, que se podría decir que es un “público constructor” de tu trabajo, por ejemplo, en Autotensión, proyecto que desarrollaste en la galería Gabriela Mistral (GGM), o en Static Friction, para galería BACO, durante el 2013. ¿Cómo ha sido tu relación con lo público para Under Measure?¿Qué te impulsa a optar por un público convocado, que debe participar, o como en este caso, un público accidental, que se encuentra con la experiencia? Cuéntanos sobre esas dos distinciones de público que se perfilan en tu trabajo.
S: Siento que aún estoy en un estado de investigación al respecto. Creo que es parte importante dentro de mi última producción, el cómo yo involucro a las personas que participan, o que me interesaría que participaran dentro de mi trabajo peformativo. Por ejemplo, en el trabajo de la galería Gabriela Mistral (GGM), hice un pequeño video promocional y creo que esa ha sido una de las maneras más resueltas con las cuales he llegado a esa problemática. Creo que pueden haber otras por supuesto y en eso estoy trabajando permanentemente: en el cómo convocar. A partir de una pregunta que me hizo una curadora en Finlandia de ¿porqué las personas tendrían que tener el interés de participar de la performance? Y por supuesto que es complejo ¿porqué tendrían que querer participar? Entonces para la GGM, hice este pequeño video promocional convocando a las personas, sin tener tanto control. Yo esperaba una cantidad de personas, pero si llegaban menos tendría que ver cómo ir resolviendo el problema de logística del trabajo ahí mismo. Y el día de la inauguración llegaron alrededor de cincuenta personas y se realizó la acción. Yo creo que esa fue una estrategia interesante de la convocatoria.
Ahora, lo que pasó en BACO, fue más complejo porque no era en Santiago, sino que era en Batuco. Yo quería trabajar con la comunidad de Batuco, pero finalmente, llegó un pequeño grupo de la comunidad de Batuto y otro grupo mayor desde Santiago -la mayoría ex alumnos entusiastas-. Entonces siempre debo dejar un margen dentro de lo planificado para que se pueda ir modificando en el accionar, porque yo no puedo controlar exactamente la cantidad de personas que van a participar. Ahora, por ejemplo, lo que pasó en Finlandia, en uno de los trabajos que realicé allá de performance colectiva, es que era un grupo de personas que estaban dispuestas a participar, fue más simple en ese sentido, yo contaba de antemano con setenta personas.
El Premio Nacional de Artes Plásticas de España Isidoro Valcárcel Medina, expone por primera vez en Chile, en el CCE
Del 4 de noviembre al 3 de enero 2015
Este 4 de noviembre a las 19 hrs se inaugura en el Centro Cultural de España en Chile la exposición “Instantáneas de un viaje en tren” del connotado artista español Isidoro Valcárcel Medina, cuyo curador es Juan José Santos.
“Instantáneas de un viaje en tren” es una propuesta del artista español Isidoro Valcárcel Medina (Murcia, 1937) ideada en específico para el Centro Cultural de España de Santiago de Chile. Se trata de más de cincuenta dibujos, expuestos en bloques de tres, en los que el concepto de trayecto, de tiempo y de percepción son plasmados a través de su particular lenguaje visual.
En un primer dibujo, el artista dibuja una primera impresión de lo que ve a través de la ventanilla de un tren. En el segundo, una versión más realista. En la tercera, una interpretación libre. La distancia entre dibujos traduce el tiempo transcurrido entre la realización de los mismos.
En su primera individual en el país, Isidoro Valcárcel Medina (Premio Nacional de Artes Plásticas 2007) nos propone una instalación específica y en exclusiva, en las que continúa trabajando con ideas ya expuestas en anteriores obras: el recorrido, la temporalidad, el sentido del humor, la paradoja.
La exposición se completa con textos acerca de su obra y una entrevista al artista acerca del proyecto.
Yúfereva Marina
MITO DIGITAL
En todo el mundo la pintura interactiva se pone más y más popular, Rusia no es la excepción. Konstantín Judiakov (Konstantin Khudyakov – en inglés, Константин Худяков– en ruso) es uno de los artistas los cuales crean sus obras interactivas según su propia tecnología. Él substituye las herramientas habituales del pintor por la computadora y la impresora de la resolución alta. Sus obras nacen en el ámbito digital y después se presentan impresas en los lienzos digitales de alta calidad.
Desde el año 2009 Judiakov trabaja en el modo de la obra interactiva, es decir de la pantalla táctil con la imagen principal programada en la cual se almacena la cantidad infinita de las imágenes contiguas. Cada nueva imagen contigua puede estar sacada por el espectador gracias a los tactos ligeros en las zonas determinadas.
Desde el año 2010 el artista usa los stereo-paneles ligeros los cuales él considera ser el nuevo género el cual permite transformar las composiciones, los objetos y las escenas creadas en 3-D programas en el espectáculo hechicero tridimensional.
En el año 2013 el arsenal de los medios del artista se repletó por una nueva técnica revolucionaria – el mosaico digital.
“DEVI”
En esta serie de autorretratos, la pintora Daniela Santa Cruz se desliza convincente en el papel de legendarias diosas de los más diversos credos, dando cuenta de los innumerables universos que han constituido el misticismo visual a lo largo de la historia. Consecuente a todo proceso sincrético, esta muestra es una embestida a las costumbres, certezas y ortodoxias del arte contemporáneo, donde Santa Cruz, más aferrada a sus pinceles que a cualquier tipo de condicionamiento cultural, se autorretrata personificando a diferentes deidades desde la Antigua Grecia hasta el Lejano Oriente, pasando por el culto Virreinal latinoamericano. Santa Cruz centra su mirada en el imaginario popular de creencias,los cuales mezcla y hace convivir, sacando a la luz las flexibles nociones de identidad, apropiacionismo y femineidad de nuestros globalizados tiempos. En todo esto, quizás su autorretrato sea un modo de asumir que lo sincrético existe en su propio ser y en la condición del individuo histórico y sus experiencias trascendentes, sean ellas sagradas o mundanas.
Texto por Victoria Jiménez, Magíster en Historia del Arte U. De Chile.
Galería Origami presenta “Quinta Costra”,
una exposición del colectivo V16.
Desde el 8 de agosto al 21 de septiembre de 2014.
Colectivo V16 es el autor de una nueva exposición en el espacio de arte al paso Origami. Elaborada específicamente para el lugar -y presentada para reflexionar sobre el momento crítico de Valparaíso-, la instalación ocupará la galería desde el día 8 de agosto al 21 de septiembre.
Marcial Ugarte inaugura ABDUCCION, una muestra de sus imágenes surrealistas y de ensueño en Sientoxciento Arte.
La exposición será expuesta desde el jueves 7 al miércoles 20 de agosto en esta nuevo espacio dedicado a promover el arte chileno contemporáneo ubicada en el barrio Italia.
PISO 7 ½
GRACE WEINRIB
25 JULIO - 30 AGOSTO 2014
INAUGURACIÓN: 25 JULIO 19:30 H
La exposición ‘Piso 7 ½’ es la primera muestra individual de la artista Grace Weinrib en Die Ecke Arte Contemporáneo. Proyecto articulado desde la intimidad, desde lo que se pliega y se guarda, hasta aquello que se despliega y se desparrama. Exposición que se vincula con una obsesión de la artista por el piso 7 ½ de la película ¿Quieres ser John Malkovich? (Being John Malkovich), realizada el año 1999 por el director Spike Jonze. Filme que la artista reconoce no ser uno de sus favoritos, sin embargo, ese componente fue algo que la marcó; reconociendo que hasta el día de hoy no ha sido capaz de olvidar ese singular espacio surreal. A raíz de esto Weinrib señala lo siguiente: ‘tengo vagos recuerdos de una oficina, un archivador, un escritorio, y de cómo los personajes que deambulaban ahí estaban en un extraño estado de limbo; en una divagación permanente que me parecía propio de un piso que se situaba entre pisos’. Señalado esto, se puede afirmar que para la artista ‘Piso 7 ½’ representa un set, una fisura, un collage, un aturdimiento, un espacio para albergar ideas y un lugar para archivar lo irresuelto.
