Artes Visuales
23 de septiembre al 16 de octubre de 2019. Villavicencio 395, tercer piso, Barrio Lastarria. Lunes a Viernes, de 11:00 a 19:00 horas. Sábado, de 11:00 a 16:00 horas.
-Sinopsis es una serie de pinturas inspiradas en la filmografía del director Raúl Ruiz, punto de partida de un proyecto más grande que la artista presentará el próximo año, que presenta Espacio O hasta el 16 de octubre.
La elección de estos fotogramas como punto de partida para sus pinturas hace manifiesta la inclinación de Anelys Wolf por lo narrativo, asunto que traspasa toda su obra. La apropiación que la artista hace de los fotogramas de películas revela una necesidad de hallar situaciones en donde están involucradas personas; historias anónimas e intrascendentes que comparten una cierta ambigüedad y tensión y que, debido a la detención de estas escenas, se facilita su traducción al lenguaje de la pintura.
VIDA ONÍRICA I FRANCIS NARANJO I Factoría Santa Rosa
Te esperamos cordialmente en Factoría Santa Rosa, para visitar la muestra de uno de los artistas más relevantes de la escena actual, Francis Naranjo.
Artista canario que ha decidido, desde su Fundación Francis Naranjo, mirar a Latinoamérica como un "nuevo centro" que surge de una ruptura de las hegemonías europeas, en busca de miradas nuevas que nutran a un cansado Viejo Continente y al mundo todo.
Y Chile es sin duda, dentro de Latinoamérica, un referente con el cual ha establecido vínculos artísticos y de fuerte amistad.
"Naranjo plantea tres estadios o territorios interconectados en el espacio galerístico, los cuales en su recorrido permiten comprender la suerte de irrealidad contemporánea en una búsqueda desenfrenada por una individualidad que es esencialmente un sueño. Y el entorno del Barrio Franklin resulta propicio escenario para la construcción de realidades oníricas, donde ¿quizás? podamos encontrar nuestras ausencias."
Carlos Javier Núñez
Curador
Sobre el artista:
Francis Naranjo, nacido en Santa María de Guía (Gran canaria, España) en el año 1961. Artista multidisciplinar que cruza los límites artísticos explorando en una constante investigación y experimentación, centra su proceso en la indagación de las relaciones entre la condición humana y los factores socializables del sistema imperante.
13 14 15 16, 20, 21, 22 y 23 de junio de 2019, de 11:00a 18:00 horas. Factoría Santa Rosa, Santa Rosa 2260, segundo piso, barrio Franklin de Santiago. Entrada gratuita.
Obra de Jorge González Araya
- Se realizará una nueva versión del Persa del Arte en Factoría Santa Rosa, la venta de arte más popular y masiva de Santiago. Entre los artistas participantes destacan Guillermo Núñez, Roberto Matta, Julia Toro, Conty Ragal, Hernán Gana, Gonzalo Cienfuegos, Jorge Brantmayer, Omar Gatica, entre otros.
Serán ocho días en que 40 artistas de primer nivel ofrecerán obras de distintos formatos y técnicas, como óleo o fotografía, con valores accesibles a todos los bolsillos ya que el espacio busca acercar el arte a públicos más amplios. Se trata de una nueva versión del mítico y popular Persa del Arte de Factoría Santa Rosa, ubicado en el corazón del persa Bío, donde antes funcionaba la fábrica de textiles Musalem y que hace casi 10 años fue refaccionado y convertido en espacio de arte.
Los artistas convocados
![](http://revista.escaner.cl/files/u2/Leonardo Portus.jpg)
Idea, proceso, imaginación; memoria, método, disciplina; aplicación, programa, espacio. Intercomunicación: Serpientes y Escaleras, el juego de la vida.
Rosa Matilde Jiménez Cortés
(Publicación dos de tres)
Serpientes y Escaleras - 2018
La Serendipia de Matilde - 2019
El Jardín de Rosa en tu Facultad - 2019
Hoy es mi cumpleaños y me dispongo a preparar éste artículo, de pronto llama mi atención el Doodle de Google y pincho curiosa… resulta que un 14 de marzo de 1859, nace Matilde Petra Montoya Lafragua, la primera mujer mexicana en graduarse de médico-cirujano (especialidad en obstetricia) en la Facultad de Medicina en México. Pues bien, casualmente ayer inauguré la exposición Serendipia en el mezzanine de la Facultad de Medicina (antes sala de obstetricia) en Cd. Mendoza, Veracruz.
Azar, destino o verdad, el 14 de marzo de 2007 inicio una cruzada con el propósito de ir al encuentro de la comunidad estudiantil mediante mi obra, inaugurando en la Facultad de Arquitectura en Córdoba aunque sin lograr exponer en otras casas de estudios de la Universidad Veracruzana, abortando mi iniciativa al año de haber dado el primer paso.
Doce años después recibo una invitación inesperada, vía telefónica, para exponer en la Facultad de Medicina en Ciudad Mendoza, con fecha 13 de marzo a las 13 horas. De aquella conversación solo recuerdo la palabra “medicina” (sin prestar atención a los detalles), una serendipia acababa de ocurrirme y tenía cuatro días para desempolvar una colección de pinturas existente —algo que sí hice— pero en cuanto empecé a seleccionar la obra, sentí la necesidad de meter mano… componer, enderezar, quitar, cambiar, diseccionar; modificar la existencia de lo que ya se hizo quizá porque uno nunca está conforme con lo que tiene o se le ha dado.
Respuestas, soluciones, resultados y nuevos caminos de expresión plástica, la serie Serendipia traza una línea delgada entre la infancia y la edad adulta. La primera es expuesta con natural encanto, mirada que habla de la capacidad para dejarse sorprender ante lo inesperado y reaccionar en consecuencia. En contraparte retrato el peso de la adultez y el conflicto existencial, acentuado por la incapacidad de transformar el error y el fracaso, en aprendizaje y motivo de acierto.
Dos edades yuxtapuestas mirándose de frente en complemento, ocupando el espacio de manera compartida porque es imposible alcanzar una etapa sin haber vivido otra. Y en la pintura ocurre que los procesos creativos se construyen por capas, veladuras formadas por experiencias fruto muchas veces de coincidencias e instantes no previstos sabidos aprovechar al máximo; serendipias que con frecuencia el artista es testigo de “la maravilla de lo inesperado” cada vez que se enfrenta al vacío del lienzo y encuentra en el espacio en blanco, una manera de habitar la materia transformando su realidad.
En años recientes mi pintura se define cada vez más ella (infante) y menos yo (adulta) pasando de la idea figurada del ser, a una abstracción lógica por antonomasia; es decir, una pintura que retrata mi momento cuál expresión mínima o reducción eidética apelando a mi experiencia intuitiva con el fin de resolver un camino fenomenológico, en cuyo caso planteo la creación como razones gestuales de lo sensible.
La ficción artística como terreno fértil o sustrato de esencias es algo más que pretender ser creativo, evidentemente conlleva una carga emocional y psicológica, vivencial y de experiencias lograr una conjunción entre tiempo-espacio para que la representación ficticia dé como resultado una realidad tangible, producto de la imaginación.
Hijos al fin y al cabo de otra naturaleza mi pintura tiene algo de predicción, prevención, diagnóstico y tratamiento, al menos por lo que a mí refiere que para eso soy paciente y también sé esperar mi momento. (Rosa Matilde Jiménez Cortés Córdoba, 14 de / marzo 2019).
Artista explora los algoritmos de la sexualidad
Hasta el 25 de enero de 2019. FARO Arte Contemporáneo, Av. Apoquindo #5972, Metro Manquehue, Santiago de Chile, Miércoles a domingo, 15:00 a 18:30 horas; sábado de 11:00 a 14:00 horas. Entrada gratuita.
Desde el 14 de diciembre de 2018 se expone en Faro Arte Contemporáneo la muestra “Sexo, imagen y algoritmos”, del artista chileno Felipe Rivas San Martín. A través de un montaje transdisciplinar, el artista expone los avances de una investigación que evidencia el resurgimiento de paradigmas científicos arcaicos al alero de las nuevas tecnologías.
Los vínculos actuales entre sexualidad, imagen y tecnología son el foco que el artista Felipe Rivas San Martín viene investigando desde hace año y medio en la Universidad Politécnica de Valencia, en España, donde realiza el doctorado en Arte. Parte de esa investigación y producción artística se expone en Faro Arte Contemporáneo, bajo el alero de Factoría de Arte Santa Rosa.
19 de noviembre al 8 de diciembre de 2018, Espacio O, Villavicencio 395, tercer piso. Lunes a viernes: 11:00 a 19:00 horas. Sábado: 11:00 a 16:00h.
- Una reflexión crítica acerca del estado de urgencia del mundo contemporáneo y la posibilidad de extinción del planeta como el espacio que concebimos tradicionalmente, es la que realiza el artista canario a través de una serie de instalaciones que evidencian la escisión del individuo con la naturaleza y su imposibilidad de existir libre e individualmente.
Un paisaje vasto, desértico e indeterminado en medio del cual flamea sugerente una bandera negra como propuesta de un nuevo territorio, apátrida y sin normas culturales ni económicas como mecanismos evasivos frente a la realidad del individuo y el mundo, constituye una de las piezas audiovisuales instalativas que el artista Francis Naranjo presentará en Espacio O, trabajo realizado con la colaboración de Carmen Caballero y concebido en el transcurso de numerosos viajes y residencias por el mundo. A través de varias otras instalaciones compuestas principalmente por objetos e imágenes, la obra pone en evidencia la imposibilidad del ser humano de influir en su entorno, lo que ha provocado la crisis del planeta y la decadencia de la sociedad debido a sus estrategias de evasión frente a la realidad.
ARTISTAS BOLIVIANOS PRESENTAN EN ESPACIO O PLATAFORMA DE ARTE CONTEMPORÁNEO MUESTRA “DE SANTIAGO A SANTIAGO”
23 de julio al 4 de agosto de 2018, Espacio O, Villavicencio 395, tercer piso. Lunes a viernes: 11:00 a 19:00 horas. Sábado: 11:00 a 16:00h.
• La muestra es el resultado de una investigación que los artistas bolivianos Mateo Caballero, Andoro, y Liliana Zapata, que conforman la comunidad M.A.L., realizaron en Santiago de Llallagua, localidad altiplánica ubicada a 60 km. al sur de La Paz, y el cruce con su experiencia en Santiago de Chile.
• Se trata de una triple instalación en video y una serie de intervenciones con registros sonoros, imágenes y objetos de esa localidad boliviana que hablan de la tradición aymara y su imaginario y cómo se integra y enriquece el pensamiento y la sensibilidad del colectivo.
Los artistas Caballero (Bolivia, 1980), Andoro (Bolivia, 1987) y Zapata (Bolivia, 1985) trabajan en comunidad desde hace varios años, en torno a proyectos de arte contemporáneo, que incluye un período de búsqueda en terreno, cuyos resultados comparten luego con el público en un proceso donde éste puede intervenir y ser parte del resultado final. Para la muestra que inauguran en Espacio O en Santiago de Chile se trasladaron a Santiago de Llallagua, en el altiplano boliviano, donde a través de fotografías, material audiovisual y objetos que allí recopilaron durante varios meses, crearon una obra que transforma el espacio de lo cotidiano en el escenario de lo extraño e impredecible. “De Santiago a Santiago” es un ejercicio de deconstrucción entre dos espacios homónimos que se inspira en el imaginario aymara a partir de personajes que cumplen roles clave en la cultura local, como los Kamanas (sabios de la comunidad) o los Wayraqas, (guardianes de la felicidad). Esto implicó empaparse de la cultura ancestral para incorporarla en su proceso de creación que dio como resultado la muestra que se inaugura. Así, mitos, rituales, destellos ceremoniales despiertan para evidenciar la trascendencia espiritual del arte. Además de la exhibición, los artistas también impartirán un workshop de dos días donde expondrán el proceso y sus experiencias con la muestra, espacio en el cual el público podrá interactuar e intervenir.
Museos: hacer audiencia y hacer comunidad
Por: Ximena Jordán
Correo electrónico: ximejordan@gmail.com
Artículo base para la ponencia del mismo nombre, presentada el el 21 de mayo de 2018 en el Simposio Anual del Día Internacional de los Museos 2018 (DIM 2018) "Museos hiperconectados: enfoques nuevos, públicos nuevos", organizada por el Consejo Internacional de Museos, ICOM, en el Museo de la Memoria y la Tolerancia en Ciudad de México.
ÚLTIMOS DÍAS DEL ARTISTA MEXICANO BOSCO SODI EN MAVI, Santiago de Chile. Hasta el domingo 6 de mayo.
Bosco Sodi presenta “Del Fuego: ni tanto que queme al santo, ni tan poco que no lo alumbre”
en el MAVI, su primera exposición en Chile
Últimos días de la exposición que dura desde marzo a mayo de 2018. Hasta el domingo 6 de mayo.
La exposición del artista mexicano Bosco Sodi, curada por Christian Viveros-Fauné, estará abierta al público desde el 17 de marzo al 6 de mayo en el Museo de Artes Visuales - MAVI. Es su primera exposición en el país.
Las cuatro salas que ocupa tienen una gran instalación de rocas volcánicas, una pintura de escala monumental en formato “impasto,” con capas de pigmento puro, agua, pegamento y fibras naturales, y diferentes registros de una instalación realizada por el artista en Manhattan, Nueva York.
Guiado por la filosofía Wabi-Sabi, un pensamiento estético japonés que prioriza la autenticidad de la naturaleza y acoge la imperfección, Bosco Sodi emplea materiales rudos y crudos, que a menudo son elementos constitutivos de la naturaleza. Con esto, busca evocar emociones profundas respecto de la creación estética y extender el sentido de la consciencia y la aceptación de la impermanencia. La concepción de las salas del MAVI, en este caso, es reminiscente del jardín japonés Karesansui, cuya característica principal es que se encuentra poblado de esculturas pétreas. Las obras dispuestas en este espacio son extractos del mundo natural alterado y productos de un proceso altamente físico e intentan revelar la belleza a través de sus procesos creativos.
APROXIMACIÓN VISUAL DEL TERRITORIO:
SAGRADA, DE MARÍA JOSÉ ROJAS
Sagrada, es la obra de María José Rojas como segunda artista invitada de “Aproximación visual del territorio”.
El proyecto de artes visuales desarrollado en Independencia tiene como objetivo resaltar una temática característica de la identidad comunal, poniendo a cargo de cinco artistas visuales contemporáneos la investigación, creación, exhibición y discusión de piezas, diseñadas especialmente para la ocasión.
La Comuna de Independencia es la que menos áreas verdes posee dentro del mapa capitalino, de ahí que la pregunta de la relación del hombre con la naturaleza cobre una relevancia mayor, donde se insertan cuestiones de derecho al paisaje, a la belleza, a la vida.
María José Rojas (1974) es artista visual y medial, además de diseñadora teatral. Su obra se desarrolla en la conjunción de estas tres disciplinas en los medios de instalación, video y obra-objeto. Las temáticas que la artista aborda nacen desde su inquietud espiritual por señalar aspectos invisibles o sutiles de la realidad, haciendo cómplice al espectador de un espacio de contemplación y conciencia de su percepción. Su obra se ha expuesto en Chile, Inglaterra, Polonia, Islandia, Suiza y Estados Unidos.
Sagrada es una instalación dividida en dos partes, cuya acción nos plantea la necesidad vital de estar en contacto con la naturaleza. Su primera acción consiste en una intervención, a realizarse el sábado 14 de abril, en el patio del antiguo hospital San José, donde se hará el trazado geométrico de una estrella tetraédrica con plantas de verbena. Su propósito es instalar una figura, heredera del esoterismo antiguo, cuyo poder simbólico se dirige a la transformación y sanación colectiva como motivo activo conducente a la expansión de la vida entendida como dinámica, orgánica y armónica.
Fotografía por Rosa Matilde Jiménez Cortés / Serie "Rosa, agua y fuego" © 2016
“La hora se despierta temprano y el día se engalana al momento, sin prisa ni contratiempo, sin demora ni retraso. El reloj es puntual y está en marcha girando en redondo buscando un punto fijo para no caer al suelo. Afuera la vida se atavía de rojo y posa con su mejor sonrisa sobre blanco y negro. El manejo de luces contrasta con el reflejo de sombras proyectadas sobre el pavimento, cruzándose unas con otras. La lente de la cámara contrae la pupila y hace un guiño ajustando el gran angular. El desayuno está hambriento y se devora solo. Sobre el mantel quedan migajas de gazuza para la mosca que no ha sido invitada. La lente nuevamente se abre y frunce el entrecejo, el ojo derecho se mueve nervioso tratando de enfocar su objetivo sin mayor éxito. El día avanza y la vida se alumbra sola expulsándose de lleno, abandonando el vientre de la madre sin temor a sentir miedo. La fotografía al fin toma sentido y muestra una imagen difusa… es una niña en edad madura, pintando su mejor momento”. [Fragmento / El Laberinto de Rosa].
COMUNICADO DE PRENSA
Directorio ACA 2018-2019
Santiago, 23 de enero de 2017
ACA, Arte Contemporáneo Asociado A.G., creada en el año 2005 en Santiago de Chile, para facilitar la integración de personas que trabajan al interior del campo del arte contemporáneo (artistas, teóricos, investigadores, gestores, curadores, directores de espacios, docentes de escuelas de arte, periodistas especializados y otros); ha escogido una nueva directiva en la última asamblea realizada el día sábado 13 de enero en el Salón Blanco del Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA). El grupo está compuesto por diversos agentes del campo, quienes demostraron un interés por darle nueva energía y visibilidad a la asociación.
La nueva directiva ha quedado constituida por:
Luis Alarcón, presidente
Claudio Guerrero, vicepresidente
Diego Parra, secretario
Ignacia Saona, tesorera
Claudia Del Fierro, Cristian Inostroza y Néstor Olhagaray, directores consejeros.
El nuevo directorio ha tomado como acuerdo orientar su trabajo hacia tres líneas estratégicas: Primero, participar en el debate público, particularmente pensando en la instalación de un nuevo gobierno y la puesta en marcha del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, donde todos los asociados y asociadas, en tanto que trabajadores y especialistas, debemos velar por la correcta implementación de la nueva Política de Artes Visuales 2017-2022, por el cumplimiento de los concursos públicos y el respeto por los espacios ganados para el gremio, intentando recuperar los perdidos y sumar otros nuevos. Segundo, fortalecer la Asociación, fomentando la participación de sus integrantes en la toma de decisiones. En este sentido, todas las acciones organizadas tenderán a la democratización de ACA, trabajando para dar mayor representación al sector, junto también con el desafío de impulsar su descentralización a través de la colaboración con agrupaciones en otras regiones. Tercero, fomentar las instancias de reflexión teórica y crítica, recuperando algunas experiencias previas de la Asociación, de modo que esta asuma un papel en el debate de ideas a nivel del sistema del arte.
ANDREA LOUTIT: FLORA, ARTE, NATURA
Valeria Radrigán[1]
Sumergirse en la campiña poblada de hierbas y plantas, de lagartijas y de pájaros, seres que viven sin arrastrar el peso de la conciencia y la individuación. (Bodei, 2011, p.16)
Cuando ingresé a la casa de Andrea Loutit tuve la sensación de estar entrando en un bosque. Una madriguera vegetal de silencio y de detalles que me invitaban a detenerme, a escuchar y mirar. No pude evitar la sorpresa al acceder a la introspección: en medio de la ciudad, los ritmos acelerados, el tono gris, el ruido, la constante pugna de todas las cosas. En este hogar, la succión, la calma, el verde.
Plantas en casa de Andrea. Registro de Valeria Radrigán