David Lynch
De la metáfora delirante a la fragmentación a la letra

  Alberto Caballero                                                                     

No me queda muy claro porqué emprendo la escritura de esta serie de artículos sobre la obra –magistral- de David Lynch. Quizás para poder demostrar cómo Lynch pasa de sus primeras películas, fundadoras de su obra, construidas como una metáfora delirante,  a sus últimas donde poco a poco se va perdiendo toda narración, si alguna quedaba, para ir construyéndolas ‘a la letra’, fragmento a fragmento, será todo un reto. Quizás por la densidad visual y de comprensión de su obra, tantas veces su visionado se me hace insoportable, atravesar lo insoportable, poder decir algo sobre lo insoportable será parte de este trabajo, espero poder cumplir con cada una de las etapas señaladas y ofrecerles el recorrido prometido.

He dividido mi trabajo en etapas, quizás para poder seguir un programa marcado previamente, quizás para poder hacer etapas en el camino, etapas que no había podido realizar con anterioridad, el programa general se puede consultar en la edición de Escáner Cultural de marzo del 2012:

1. Antecedentes: Pensar el agujero. 
Primera parte

Antonin Artaud* 
El Teatro de la Crueldad

“Se trata pues de hacer del teatro, en el sentido cabal de la palabra, una función; algo tan localizado y tan preciso como la circulación de la sangre por las arterias, o el desarrollo, caótico en apariencia, de las imágenes del sueño en el cerebro, y esto por un  encadenamiento eficaz, por un verdadero esclarecimiento de la atención.”

CRITICA “THE IDES OF MARCH” 
Clooney nos introduce en lo turbio del poder

Fernanda Bargach-Mitre

@bargachmitre

Dirigida por George Clooney, The Ides of March nos interna en el sucio manejo político, a través de la historia de un joven idealista que trabajando en una campaña electoral comienza a darse cuenta de la cruda realidad que lo rodea.

Clooney se inició como director en el año 2002 con “Confessions of a Dangerous Mind” (Confesiones de una mente peligrosa) una excelente ópera prima desde donde comienza su interés por el cine polémico y crítico. La película cuenta la historia de un legendario show-man de la TV con una doble vida: productor de televisión de día, asesino de la CIA de noche. Se trata de una película dinámica con buenos toques de humor negro y solvente ritmo narrativo.

DRIVE: SUBLIME VELOCIDAD

Fernanda Bargach-Mitre

@bargachmitre

http://ojoadicto.blogspot.com/

Dirigida por Nicolas Winding Refn, Drive, nos atrapa entre su rudeza y su dulzura. Estamos frente a un film indie que se convertirá en película de culto, por su excelsa realización, impecables actuaciones e interesante propuesta narrativa. Se suma su fotografía a cargo de Newton Thomas Sigel que hacen de cada plano una delicia visual y una acertada banda sonora , todos elementos que conjugados dan luz a un film que deja huella.

Abriendo con una escena de persecución de coches diferente a las habituales, el film arranca con fuerza. Los perfectos encuadres, los planos aéreos de esa ciudad , mezclados con otros planos cerrados hacen de este comienzo una promesa.

“un reluciente ejercicio de género retro que en su nada disimulada nostalgia expresa la ansiedad de cierto cine contemporáneo por reafirmar su estilo mirando por el retrovisor” (Sergi Sánchez). La película en su aire de los 70, posee una estética perfecta, el ambiente de la mafia, los negocios sucios y las drogas y una historia de amor que se trasforma en una de las columnas que sostienen el argumento.

David Lynch
de la metáfora delirante a la fragmentación a la letra

No me queda muy claro porqué emprendo la escritura de esta serie de artículos sobre la obra –magistral- de David Lynch. Quizás por haber dedicado tantos años a la investigación sobre la obra de Michel Haneke, en las antípodas de Lynch, compilada en mi libro: ‘La realidad ordinaria y la obra de Michel Haneke’. Quizás porque el año 2010 se lo he dedicado a la obra de John Cage, todo un descubrimiento para mí, que me ha llevado a poder pensar sobre el valor de ‘el silencio’ no solo para el arte sino para el sujeto moderno. Quizás porque esto me ha llevado a leer con más detenimiento el trabajo fundante que hace Jacques Lacan sobre la obra de James Joyce, ‘la estructura como una escritura’.Quizás por el prestigio incuestionable que su obra ha adquirido no sólo a nivel académico y artístico, tal que se ha hecho imprescindible para poder leer el derrotero que la imagen ha producido en el siglo XX: de Hitchcock a Lynch. Quizás por la densidad visual y de comprensión de su obra, tantas veces su visionado se me hace insoportable, atravesar lo insoportable, poder decir algo sobre lo insoportable será parte de este trabajo, espero poder cumplir con cada una de las etapas señaladas y ofrecerles el recorrido prometido.

BUSCANDO EL PARAÍSO PERDIDO

Marina Yufereva

Hoy día todos sabemos quién es Jennifer López o Barack Obama, pero lamentablemente estamos sufriendo una presbicia espiritual y no podemos ver la cultura, el arte y la historia de la casa paternal, de nuestra patria, puesto que siendo ciegos ni siquiera sospechamos que esto ya existe aquí y ahora.

Y este amor a su tierra, el patriotismo interior se resucitan a través de la película documental rusa “Sedmitsa”  (http://vkontakte.ru/sedmica) (esta palabra rusa representa el nombre de la semana en la lengua eslava eclesiástica), creado por el grupo teatral joven “Cool-show”. La película está filmada y montada absolutamente por los esfuerzos del estudio teatral de cine “Cool-show” de la ciudad Azov.

 En la película se trata sobre la juventud moderna, los valores en su vida, las cuestiones las cuales plantean los jóvenes, las preguntas las cuales no dejan encontrar las respuestas.    Los protagonistas del documental son cinco muchachos ordinarios  que cuentan de la visión de la sociedad moderna y de su vida, comunicando con las personas distintas.

El grupo teatral “Cool-show” ha conseguido la victoria en la competición “La Iniciativa Ortodoxa” en la nominación “Los Valores Eternos en el Espejo de los Medios de Comunicación”. El primer lugar era conferido a la película “Sedmitsa”.

La película consiste de siete partes, cada una de las cuales dura unos 20 minutos. Cada parte lleva el nombre muy profundo: “Verdad", “Fe”, “Belleza”, “Esperanza”, “Sabiduría”, “Amor”, “Resurrección"; y comienza con la melodía penetrante y las imágenes vivas.

MIGUEL JIMENEZ-EL TALLER DE ZENON.

            Celebrado entre los dias 4 a 11 de Noviembre, el Festival de Cine Europeo de Sevilla ha logrado estar en tan sólo ocho ediciones, entre los tres primeros de España en número de espectadores (más de 70.000 en la pasada edicion) tan sólo por detrás de San Sebastián y Sitges, como ha declarado su director Martín-Domínguez, quien ha añadido : “Tenemos un respaldo sólido y el reconocimiento exterior. Prueba de ello es que los distribuidores y productores nos siguen entregando grandes películas.

A pesar de haber sufrido los efectos de la crisis que padecemos con una importante reducción en su presupuesto y un día menos de duración, el Festival ha ofrecido más de 150 títulos entre largometrajes, documentales y cortos; homenajes a reconocidos cineastas como Nikita Mikhalkov y María Galiana; y un ciclo especial dedicado al cine de Rusia, país invitado de este año, amén de un elevado numero de actividades paralelas configurando el que,  en palabras de su director, iba a ser “el mejor festival de todos los que se han celebrado”, con un optimismo ciertamente difícil de compartir.

Con la esperanza de su continuidad a pesar del cambio de color político de turno y de la reducción de los medios puestos a su disposición, queremos apostar por un Festival que se ha centrado en la difusión y distribución de un cine hecho en Europa, con cineastas nuevos o expertos, con unas características propias y  una temática que aunque muchas veces resulta sórdida, es un fiel reflejo de las actuales circunstancias vitales de esta llamada unión europea que día a día vemos tambalearse.

En la gala de clausura se ha hecho público el palmarés del certamen, en una edición marcada por una calidad desigual en los trabajos presentados y la presencia de cierta diversidad de géneros, pero con el agradecimiento de haber coincidido en su mayor parte con la elección de los premiados, cosa rara en cualquier festival pero mas aún en éste.

MEJOR PELÍCULA
El jurado del SEFF’11 ha concedido el Giraldillo de Oro a la Mejor Película  a la producción noruega SIEMPRE FELIZ, de Anne Sewitsky, “por mostrar un retrato de la Europa contemporánea a través de la vida de gente ordinaria, por contar una historia edificante y sutil sobre seres humanos y por celebrar el amor y la calidez en las relaciones humanas como el pegamento que mantiene todo unido”

Ha sido realmente una sorpresa agradable en los primeros días del festival. Desde Noruega nos llega esta cinta donde  dos parejas con sus hijos respectivos dan vida a este relato a la vez divertido y corrosivo. Seis personajes bien dibujados que se enfrentan a la realidad bien distinta de  unas vidas aparentemente perfectas dentro de un guión excelente, bien construido y bien interpretado. Podría decirse que se trata de una sonrisa en la fría Noruega, en una sociedad a la que cuesta tanto expresar sus sentimientos. Especialmente divertidos y preocupantes los juegos a los que se dedican los chicos. 

PELÍCULAS INDEPENDIENTES: DONNIE DARKO

Fernanda Bargach-Mitre


Esta interesantísima película escrita y dirigida por Richard Kelly y estrenada en el 2001 fue subvalorada en su momento considerada una cinta adolescente. Nada más alejado de la realidad, aunque existe el ambiente estudiantil, el film es sumamente original, onírico, intrigante, inteligente, con dirección y guión de altura . Por suerte con lo años se convirtió en una película de culto, de vista obligada para lo cinéfilos.

El film posee una atmósfera hipnótica, mezcla de viajes oníricos y saltos en el tiempo. Un joven Jake Gyllenhaal, da vida a Donnie Darko y desde ese momento se captaba su pasta de excelente actor, llevando muy bien el peso del personaje.

PELICULAS INDEPENDIENTES: ENTER THE VOID

Fernanda Bargach-Mitre

ojoadico@gmail.com

El director argentino radicado en Francia, llamó la atención con su primer largo “carne” (1991), pero es en el 2002 cuando entra por la puerta grande al mundo del cine con su presentación en el Festival de Cannes con la obra Irreversible, protagonizada por Mónica Bellucci, Vincent Cassel y Albert Dupontel. Es una película contada en orden cronológico inverso, que causó polémica por lo explícito de una escena de asesinato y otra de una violación. Sin duda este realizador que ha trabajado como camarógrafo, montador y productor, es un cineasta con sello único en el mundo del cine de autor.

ENTER THE VOID:
Esta coproducción entre Francia-Alemania-Italia, se estrenó en el año 2009, causando gran revuelo y estuvo Nominada a la Palma de Oro en el Festival de Cannes.

Hecha de manera absorbente y con un aspecto visual impresionante,la cinta nos cuenta la historia de Óscar un joven drogadicto que ocasionalmente trafica con drogas que es asesinado en Japón. Desprendido ya de su cuerpo, Óscar deambula observando a su hermana y sus amigos en los momentos y días posteriores a su muerte. El dolor que sienten sus seres queridos y la promesa de no abandonar jamás a su hermana hace que el muchacho se quede deambulando en una especie de limbo, desde donde observa y va recordando momentos traumáticos de su niñez.

PELICULAS INDEPENDIENTES: WELCOME TO THE DOLLHOUSE

Fernanda Bargach-Mitre

ojoadicto@gmail.com

El cineasta Todd Solondz, obtuvo reconocimiento mundial gracias a la pequeña película independiente y de bajo presupuesto Welcome to the Dollhouse y se convirtió en un icónico cronista de las disfuncionalidades de la familia norteamericana y de la decadencia de valores en la sociedad en general, donde el consumismo y los vacíos superficiales, llevan a mucha gente al aislamiento y ser víctimas de circunstancias de discriminación.

En este inteligente film, se nos cuenta la humillante vida de Down ( Heather Matarazzo,) que experimenta una existencia llena de hostilidad: es acosada y burlada por sus compañeros por su aspecto nerd, ignorada en su familia donde toda la atención se la lleva su bella hermanita bailarina, y su hermano nerd, que se esmera en tratar de ser exitoso, le hace todo tipo de maldades. Como si fuera poco, un retrasado mental amenaza con violarla, y se enamora platónicamente de un chico rockero e imposible, a quien observa ensayar llena de sueños imaginarios.

Desde Chile:
Entrevista con Raúl Ruiz

“El oscar es un balazo en la cabeza”

Entrevista realizada a Raúl Ruiz en 2007 por Elizabeth Neira, que publicamos como un recuerdo al alucinante maestro del cine que recientemente murió (19 de agosto de 2011) en  París, Fracia, país en el que estaba radicado desde su exilio en septiembre de 1973.

Por estos días se filma en Luxemburgo Amor y Virtud, última realización del cineasta chileno avecindado en Francia, Raúl Ruiz con John Malkovich y Darryl Hannah en los roles protagónicos. En una rápida y anónima visita a Chile, “el maestro” nos concedió esta entrevista exclusiva.

Por Elizabeth Neira
elizabeth.neira@gmail.com

La cita con Raúl Ruiz, uno de los cineasta más excéntricos (sólo superado por Jodorowsky), que ha dado esta tierra de buenos poetas y horroroso transporte público, es al mediodía en “la oficina”, un antiguo bar, casi el último de estas características, que va quedando en el tradicional barrio Providencia de Santiago de Chile. “El maestro” como suele llamarlo de un tiempo a esta parte la prensa local, llega puntual, saluda a todo el personal de la cantina vacía aún a esa hora y pide para comenzar una copa de vino blanco.

“Cuando murió Pinochet nos quedamos sin vino, lo mismo que para el golpe. Yo y mi mujer, en ambas ocasiones, estábamos en la casa de mi madre a tres cuadras de aquí y el único lugar donde pudimos conseguir que nos vendieran una botella fue en este bar”, me comenta, aludiendo a la familiaridad con que es saludado y de paso a la circularidad de las cosas.

En el hemisferio sur es el final del verano y la visita de Ruiz a Santiago ha pasado casi inadvertida, algo inusual en este país que venera a sus artistas en el exilio, una vez que han tenido éxito afuera claro, con la misma fanática ceguera con que antes los ignoró.

Pero al “maestro”, que vive en Francia desde el golpe militar, tanto el fanatismo como los años de olvido lo tienen sin cuidado. “Chile me duele menos que un lumbago” ha comentado al respecto. De la misma manera no ha tenido problema en señalar que no volvería a vivir en su país natal por ningún motivo. “Vivir acá es desvivirse, es lo contrario de la vida”, declaraciones todas que le han valido la antipatía del sector nacionalista de la cultura.

PELÍCULAS INDEPENDIENTES: BUFALLO 66
Fernanda Bargach-Mitre
ojoadicto@gmail.com
@bargachmitre

Bufallo 66 (1998) fue la ópera prima de Vincent Gallo, que ejerció de director, guionista, actor y músico. Esta película independiente fue ampliamente aclamada, recibiendo múltiples nominaciones a premios Indies y se convirtió en un film de culto y un mítico retrato de la subcultura de los 90`s.

Vincent Gallo ya había sido modelo profesional, actor en varias películas independientes, pero fue hasta que escribió esta historia semi autobiográfica, decidiendo dirigirla, actuarla y musicalizarla, que fue reconocido mundialmente como un creador integral.
Filmada en invierno, en los alrededores de Bufallo, New York, el personaje de Gallo, Billy Brown, sale de la cárcel después de declararse culpable por un crimen que no cometió tras una apuesta poco acertada. Sus padres piensan que trabaja para el gobierno y que está felizmente casado. El semi trastornado Billy decide secuestrar a la joven Layla (Christina Ricci), para hacerla pasar por su esposa ante sus excéntricos progenitores.

El realizador logra un personaje auténtico, de enorme fuerza emocional, que genera ternura a pesar de su comportamiento errático y grosero. A partir del secuestro, la historia transcurre lentamente, mostrándonos la locura de Billy y cómo evoluciona su relación con su supuesta esposa. Sin saber nada el uno del otro, rumbo a la casa de los padres, la hermosa se enamora del monstruo, en un una historia de amor ubicada dentro de un realismo rudo y mágico.

TETRO: COPPOLA SE REINVENTA
Fernanda Bargach-Mitre
ojoadicto@gmail.com
@bargachmitre

Tetro (2009) es la última película del afamado director Francis Ford Coppola, que muy alejado de los grandes estudios, retoma el tema de la familia, recurrente en sus films, pero de una manera íntima, lírica y operática. Hermosamente fotografiada en blanco y negro y ubicada en las callejuelas de Buenos Aires , la cinta posee un fuerte contenido dramático que durante dos horas nos lleva por un viaje de intrincadas relaciones humanas y secretos familiares.

Director de una de las mejores trilogías del cine y de grandes obras maestras que quedarán para la historia, la crítica no ha sido muy amable con la cinta, acusándola de pretenciosa y poco trabajada. Inclusive se ha dicho que Coppola esta en decadencia y que ya no posee el talento que una vez lo caracterizó. Otros han comentado que si Tetro fuera la obra de un principiante sería llamativa pero que no está a la altura de un realizador de su talla.

Difiero significativamente de estas opiniones negativas. Desde su debut con “Dementia 13” donde por primera vez aparece la relación entre hermanos en una puesta con reminiscencias hitchcocknianas, el tema de la problemática familiar ha sido una constante.

En esta oportunidad Coppola, no se compromete con nadie y realiza una obra interesante, donde retoma la escritura estando a cargo del guión, en una historia que parte de su mundo interior en búsqueda de los significados de las relaciones. Así como evoluciona la vida. los seres humanos vamos cambiando y lo mismo sucede con los artistas, porque es innegable que Coppola es un artista de la imagen, que se atreve, en Tetro, a probar algo distinto.

FELLINI Y EL MUNDO DEL CIRCO

Fernanda Bargach-Mitre

ojoadicto@gmail.com

’Aun si no sé nada, lo sé todo del circo’, afirmaba el director que siendo niño quedo hipnotizado por aquella carpa dorada que se levantó una noche en su pequeña ciudad y en la que se escabulló en la mañana, quedando extasiado por aquel útero enorme,’como un astronauta abandonado en la luna que encuentra su astronave’.

Como el pequeño de la película reconoció en los payasos, en esos rostros de expresión indescifrable y risa de locos, la polaridad entre la impecable cara blanca y el aspecto irracional de lo humano. Consideraba a los payasos más humanos que los humanos mismos, por ser capaces de experimentar lo mejor y lo peor de nuestra naturaleza sin limitaciones, de ser el burlado y el burlador y por todas esas ‘trasgresiones’ ser aplaudido en vez de reprendido.

Fellini, trasgresor por naturaleza, aprovechó una propuesta de la T.V. Italiana y decide hacer ‘I Clowns’ para finalmente dedicarle un film entero al tema del Circo, que tantas veces apareciera de soslayo en sus películas anteriores ya fuese a través de la música, extraños personajes, el uso del humor, la sátira cruel o las nostálgicas errancias

En un fin de semana y sin haberlo reflexionado mucho, realizó el guión y partió con su propia ‘troup’ de extraños seres en un viaje de ciudad en ciudad buscando los vestigios del circo, su ambiente, su forma de vida. En este intento de recrear su emoción, encanto y sorpresa, descubren que el corazón del circo sigue latiendo representando mitos permanentes de la humanidad: la aventura, el viaje, la amenaza, el humor, la capacidad de reírnos de nuestra propia estupidez y de manera hilarante caricaturizar el mundo.


THE COMPANY MEN: ¿EL FINAL DEL SUEÑO AMERICANO?

Fernanda Bargach-Mitre

ojoadicto@gmail.com

@bargachmitre

Esta ópera prima del director y guionista John Wells, es una interesante propuesta ante el debacle financiero estadounidense y la crisis económica, humanizándola través de varios personajes que nos trasmiten distintas historias y emociones , despertadas por un mismo hecho.

Bobby Walker (Ben Affleck), Phil Woodward (Chris Cooper), Gene McClary (Tommy Lee Jones) son tres ejecutivos, los dos últimos de muy alto rango mientras que Bobby está en pleno ascenso. Trabajan para la “compañía”, un enorme y lujoso edificio de oficinas, tienen impresionantes despachos, llevan vidas de clase alta, sin ningún tipo de complicaciones económicas.

En la Sala Rubén Darío, Centro de Extensión de la Universidad de Valparaíso

 VALPARAÍSO SE PREPARA PARA UNA NUEVA VERSIÓN DEL ENCUENTRO DE VANGUARDIAS

Próximo a cumplir 10 años de intensa actividad, el Encuentro de Vanguardias 2011, se prepara para presentar lo más representativo de las tendencias en el arte chileno. En esta nueva versión del encuentro, que todos los años organiza la Carrera de Gestión en Turismo y Cultura de la Universidad de Valparaíso, se realizará los días Miércoles 29, Jueves 30 de Junio y Viernes 1 de Julio, en el Centro de Extensión de dicha casa de estudios.

Este evento, que nació en el año 2002 como una iniciativa de intercambio musical, a poco andar, fue  incorporando nuevas disciplinas artísticas transformándose en una importante vitrina de las Nuevas Tendencias del Arte en Chile.  Tryo, Cabezas de Cera, Jorge Campos, Akineton Retard, Jovenabuelo, OPTIKO,  Alisu, Ud no! y Mawashi, son soóo algunos de los artistas que han participado de esta instancia cultural.

Este año, nuevamente se dan cita con su talento y propuestas creativas, exponentes de las diversas disciplinas artísticas como música, danza, teatro, cine y artes visuales, conviviendo así una variedad de estilos, lenguajes,  técnicas y estéticas, generando circuitos y  atrayendo a un creciente  grupo de seguidores de la Vanguardia.

Dicha actividad, está enmarcada dentro de la asignatura “Taller de Nuevas Tendencias” cursada por los alumnos de cuarto año de la Carrera de Gestión en Turismo y Cultura e impartida por el docente Claudio Rojas Larraín. Constituye un real acercamiento de los estudiantes con la vanguardia nacional o artes de avanzada.