Pintura
Dom, 12/23/2012 - 04:01 | 
RETRATOS: SOBRE LA (IM)POSIBILIDAD DE CONFIGURAR UNA VERSIÓN PICTÓRICA DE LA MEMORIA EN CHILE
Capítulo I
Ana Karina Lucero
altazor_2004@yahoo.es
Transición: Pactos, consensos y memorias
El marco/pacto democrático que se instala en Chile con posterioridad a la dictadura militar, al plebiscito de 1988 y al triunfo del “No” en el año 89, no constituye el mismo modelo de democracia previo al golpe acaecido en 19731.
El pueblo- si es que el vocablo puede invocarse bajo este nuevo esquema-; a partir de los años noventa, está sujeto a numerosos enclaves autoritarios que se sobreponen al orden político-institucional vigente, los cuales abarcan desde entidades de índole militar que no se someten completamente a los lineamientos establecidos por el gobierno civil, la legitimación de senadores designados (práctica que hace algunos años fue abolida, pero que ha sido retomada de manera perniciosa por los últimos gobiernos); un sistema electoral fallido que sobrerrepresenta a las minorías tensionando la soberanía, hasta la puesta en marcha de políticas económicas inconsultas- que muchas veces afectan o perjudican a sus aparentes beneficiarios-.
En el caso de Chile, la consolidación de la democracia de los pactos o de los consensos, responde a un arquetipo tomado por Arend Lijphart2, quien defiende una propuesta de democracia consensual o consociativa que incluye en su constitución, la promoción de un sistema semipresidencial o parlamentario de gobierno que se sostenga en grandes coaliciones y que a su vez, pueda contar con ciertas herramientas, como por ejemplo, la posibilidad de vetar a las minorías (impidiendo con este gesto, que se configuren alianzas o acuerdos que integren nuevas vertientes).
Uno de los actores que cobró mucha relevancia dentro de la elaboración de esta colosal arquitectura teórico-práctica denominada “transición”, fue Edgardo Boeninger3. Boeninger retoma el planteamiento de Lijphart y lo adecúa a esta nueva etapa país. De allí entonces, que sostenga que la concertación constituye: “una tendencia de la democracia contemporánea (…) un estilo de relaciones políticas y sociales, en que la negociación y la búsqueda de acuerdos, predominan sobre la confrontación”4.
Asimismo, en el plano económico y social afirma que el paradigma concertacionista, está basado en acuerdos que son resueltos mediante criterios de unanimidad emanados de los estamentos participantes en dichas discusiones. Dicha estrategia, cobra mayor relevancia cuando es aplicada u orientada hacia el sector empresarial, ya que lo defiende de decisiones políticas que apelen al beneficio de las mayorías, y que por esta misma razón, los afecte negativamente en su condición de facción poderosa e influyente.
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MALEABILIDAD DE LOS LÍMITES
Javier Aguirre Ortiz
La impresión que me ha producido conocer en persona y obra a Felipe Flekcha Christensen Arteaga es la de alguien que se enfrentó con éxito a los límites, que en su arte, en su mente y en su vida los hizo maleables, supo enfrentarse a ellos como superman al acero, o tal vez deberíamos decir inframan, porque la superación de los límites está más acá, no más allá, y acaso sólo el encogimiento, un recogimiento de duende, puede sustentar un mundo nuevo intocado por la gran apisonadora que está siempre al acecho.
Este santiaguino, a contracorriente, ha encontrado en Temuko el centro del mundo. La razón de que Flekcha Christensen haya elegido el Wallmapu como su lugar de residencia permanente, creemos adivinar, tiene que ver con los márgenes, con la aún posible idea de la frontera, del territorio al límite, y vamos dándonos cuenta de que la palabra límite tiene para este autor una importancia fundamental. No es cualquier cosa tener alas. Este hombre enciende de alas una bicicleta para convertirla en un grifo libertador, para decirnos que todos podemos incendiarnos y escapar del laberinto, pero su propuesta no es papel mojado, él la encarna y la defiende pluma por pluma.
RETRATOS: SOBRE LA (IM)POSIBILIDAD DE CONFIGURAR UNA VERSIÓN PICTÓRICA DE LA MEMORIA EN CHILE
I parte
Ana Karina Lucero
altazor_2004@yahoo.es
I. INTRODUCCIÓN
“Para nosotros el significado de este acto conmemorativo es recordar. Repito, buscamos sofocar el olvido. ¿Cuál es el sentido de este énfasis, del interés en subrayar algo en apariencia tan evidente? La razón es que me ronda una sospecha. Algunos considerarán que esta manía de andar viendo siempre debajo del agua, aunque esta parezca cristalina, pertenece al registro paranoico.
Pero acaso ¿no perciben ustedes en el ambiente un deseo demasiado intenso de reconciliación, de dar vuelta la página, de producir un cierre de heridas, aunque ellas todavía estén abiertas, aunque cientos de cuerpos vaguen como fantasmas por los territorios de Chile? Pienso que muchos, algunos movidos por mecanismos inconscientes, otros por estrategias, quisieran que en este año conmemorativo de los treinta años recordemos hasta saturarnos, pero para después poder olvidar, con la tranquila conciencia de una misión cumplida”
Tomás Moulian, Revisar el pasado, criticar el presente, imaginar el futuro
El presente trabajo se inscribe en un contexto de transición política, entendiendo este proceso como una situación que entraña un tránsito, una condición de mutabilidad entre un régimen de carácter autoritario hacia un modelo y/o esquema de corte democrático. Dicho esquema puede ser sometido a revisión e incluso ser apreciado desde una óptica oblicua que exhiba sus acuerdos tácitos, como también puede ser analizado desde sus fisuras más explícitas y significativas.
Si bien el hecho que instalemos una aseveración de este tipo- como una forma de definir preliminarmente un período-, supone hacernos cargo de una serie de sucesos acaecidos durante por lo menos, los últimos veinte años; para los fines de este proyecto sólo abordaremos esta consecución de acontecimientos de modo parcial.
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DECANTANDO LA NATURALEZA EN LIENZO
Юферева Марина
Marina Yufereva
El paisaje no es un conjunto de los árboles, casas, flores. El paisaje es un estado de naturaleza, alma, persona. Se puede pintar algo grandioso con un montón de casas, arboledas, pero no será el paisaje, será un trazado arquitectónico.
Pero al mismo tiempo se puede pintar sólo un sendero curvado, un árbol seco y en todo eso ya se sentirán el poder, la fuerza, el aire, el tiempo, el espíritu del siglo y el alma del pintor.
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Así opina el pintor del grupo creativo “Míshkinskiye bugrí” en la ciudad de Novochercassk en el sur de Federación de Rusia. Y las exposiciones del grupo ya se abran desde el año 1997 cuando estaba fundado este grupo.
FLOTAR SIN RUMBO
Marina Yufereva
A veces no se necesita siempre pensar en el sentido, a veces se necesita confiar en lo que sucede y flotar sin preguntas. Y si la brocha pinta una imagen no reconocida por la mente, que sea así, porque muy a menudo no solamente la mano humana dirige la brocha, sino la energía sobrenatural la cual lo hace por alguna razón sin duda.
En el Museo del Arte Moderno en Dmítrovskaya en la ciudad Rostov-del-Don en el Sur de la Federación de Rusia tiene el lugar la exposición personal del pintor Oleg Berezutskiy desde el 22 de Junio hasta 22 de Julio del año 2012. Y aquí están presentadas más que treinta obras del autor, creadas desde el año 2010 hasta el año 2012.
David Lynch
De la metáfora delirante a la fragmentación
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Alberto Caballero
No me queda muy claro porqué emprendo la escritura de esta serie de artículos sobre la obra –magistral- de David Lynch. Quizás por haber dedicado tantos años a la investigación sobre la obra de Michel Haneke, en las antípodas de Lynch, compilada en mi libro: ‘La realidad ordinaria y la obra de Michel Haneke’. Quizás porque el año 2011 se lo he dedicado a la obra de John Cage, todo un descubrimiento para mí, que me ha llevado a poder pensar sobre el valor de ‘el silencio’ no solo para el arte sino para el sujeto moderno (serie de artículos publicados en Escáner Cultural). Quizás porque esto me ha llevado a leer con más detenimiento el trabajo fundante que hace Jacques Lacan sobre la obra de James Joyce, ‘la estructura como una escritura’. Si en Cage me quedó claro que la música es ‘a la letra’, ni para el instrumento ni para la voz, como objeto, demostrar cómo Lynch pasa de sus primeras películas, fundadoras de su obra, construidas como una metáfora delirante, a sus últimas donde poco a poco se va perdiendo toda narración, si alguna quedaba, para ir construyéndolas ‘a la letra’, fragmento a fragmento, será todo un reto. Quizás por el prestigio incuestionable que su obra ha adquirido no sólo a nivel académico y artístico, más allá del cine, tal que se ha hecho imprescindible para poder leer el derrotero que la imagen ha producido en el siglo XX: de Hitchcock a Lynch, es decir demasiado. Quizás por la densidad visual y de comprensión de su obra, tantas veces su visionado se hace insoportable, atravesar lo insoportable, poder decir algo sobre lo insoportable será parte de este trabajo, espero poder cumplir con cada una de las etapas señaladas y ofrecerles el recorrido prometido.
He dividido mi trabajo en etapas, quizás para poder seguir un programa marcado previamente, quizás para poder hacer etapas en el camino, etapas que no había podido realizar con anterioridad:
LA DIOSA O LA ESCLAVA, SIEMPRE IMPORTANTE
Por Marina Yufereva | Марина Юферева
Las reglas existen para que uno las rompa un día. Y eso se siente muy agudamente en la esfera del arte. Ya hace tiempo los antepasados descubrieron las normas de perspectiva lineal y volumen, la proporción del cuerpo humano en el cuadro, pero no obstante se encuentran los arrojados los cuales a pesar de la opinión pública hacen lo que quieran y crean de su propia manera.
Una pintora rusa Anna Tarasenko es una de los arrojados. Ella nació en 1985 en la ciudad Novocherkassk de la región de Rostov-del-Don en la Federación de Rusia. Se graduó del instituto de arquitectura y artes. Y aunque es seguro que la pintora joven sepa reflejar la realidad de modo muy similar a la realidad y de modo correcto según las leyes del arte clásico, ella prefiere expresarse de manera extravagante. Anna confiesa su gran amor a “la escuela de Paris”, destacando en particular el arte de Amedeo Modigliani, un pintor italiano, y Marc Chagall, el pintor bieloruso y francés de origen hebreo.
A partir del 4 de Mayo hasta el 27 de Mayo tuvo lugar la exposición “Los zapatos rojos” de Anna Tarasenko en el Museo del Arte Moderno en Dmítrovskaya en la ciudad Rostov-del-Don en el Sur de la Federación de Rusia.
Muchos admiradores de su arte llegaron en rojo, teniendo las botas o las sandalias o los zapatos rojos. La exposición está dedicada a la mujer y a su alma enigmática.
La particularidad característica de sus lienzos es que todas las mujeres tienen los ojos extremadamente grandes, la nariz prolongada, la cara triangular y el aire misterioso y refinado. No hay volumen y sombras. Los cuadros parecen estar pintadas por la niña traviesa la cual no sabe ningunas leyes adultas y presenta el ser femenino como se le antoja.
HÉCTOR ROBLES ACUÑA: EL LEGADO PICTÓRICO DE LA FRONTERA.
Por Alvaro Oliva
El pintor Héctor Robles Acuña nació, el 6 de julio de 1919, en Temuco, en medio de los trigales y de las variadas culturas que existen en la región de la Araucanía. La diversidad de colores y paisajes, que mutan durante todo el año, se convirtieron en parte del material que se plasmó en sus acuarelas.
Las creaciones de Robles, quien además fue copista del Museo del Prado en España, se materializaron en variados muros del país. Sin embargo, a pesar de su reconocimiento internacional nunca tuvo la oportunidad de realizar un mural en su ciudad natal, y hoy en día, sólo podemos apreciar un cuadro que representa la fundación de Temuco, ubicado en el casino del monumento natural Cerro Ñielol, a pocas cuadras del centro, en la mencionada comuna.
Héctor Robles se destacó, durante su trayectoria, como un figurativista (realista), con dotes de retratista, autor de murales que representan momentos históricos del país. Para el centenario de la ciudad de Temuco, una de sus obras fue impresa en un sello postal.
Falleció, a los 88 años, el 6 de marzo de 2007, en Concepción, ciudad donde recibió el Premio Municipal de Artes.
Mikel Heredia y El Movimiento
Toda expresión del sentimiento implica necesariamente un acercamiento al básico desarrollo de lo asimilado, un reflejar de manera fidedigna, no lo que la realidad nos enseña sino lo que nuestros ojos captan y nuestro cerebro transforma en anacrónicas respuestas a un entorno que pareciera sacado de un individualismo formal no igual, no general a todo un conjunto social.
El fundamento que hace o da valía al trabajo realizado es la capacidad que el autor tenga para promover nuevas ideas o mecanismos expresivos, nuevas líneas, formas de expresión o desarrollos teóricos.
Arte Mundial
Serra Sanabrá y El Acero Vivo
Siempre he pensado que el verdadero artista no se mide tan sólo por su capacidad de plasmar un motivo o concepto por cualquiera de las disciplinas existentes o por ser capaz de acercarse a la tienda profesional o de manualidades a por unos pinceles y botes de pintura.
Sin duda alguna, el verdadero autor se nos presenta cuando es capaz de transmitir, procesar, elaborar y sobre todo crear nuevos caminos reconocibles dentro del amplio abanico creativo.
Todo ello pienso que se conjuga en la obra de la autora barcelonesa Serra Sanabrá.
Serra, que habitualmente trabaja con soportes de acero conjuntamente al óleo, dignifica el hecho del creador con iniciativa, del creador con el suficiente amor propio o más bien necesidad de transmitir algo diferente, algo marcadamente singularizado dentro de temáticas ya mostradas.
Tony Smith, "Die", 1962-1968
Michael Fried. "Arte y Objetualidad" (1967). Presentación y traducción.
Presentación de Carolina Benavente Morales
Traducción de Carolina Benavente, Macarena Brevis y Carolina Cárdenas
Presentación
El texto “Arte y objetualidad”, de Michael Fried, es un clásico de la teoría del arte contemporáneo porque, a partir de su aversión por el arte minimal o, como lo llama, arte literalista, el autor señala algunos de sus principales aspectos. Publicado originalmente el año 1967 en la revista Artforum, este ensayo permite apreciar el desafío lanzado hacia el formalismo por prácticas y perspectivas artísticas alternativas, con un alcance político disruptivo en la medida que escapan de la neta contemplación para ensayar diversos modos de participación del sujeto en la obra. Así, mientras el expresionismo abstracto de la inmediata posguerra había involucrado la recomposición individual del artista mediante la práctica del action painting (pintura de acción), el arte minimal de los 1960 conlleva una expansión hacia el espectador. El texto de Fried denuncia esta salida de encuadre acusando al arte minimal de caer en la teatralidad como principal recurso del “no arte”.
NUEVA VISTA: SILVER DE SAN PETERSBURGO
Marina Yufereva
Unos lo tienen como la erupción del volcán, eso les sucede de impulsos fuertes y quemadores y después se calma para un rato, otros lo tienen como el agua de manantial, siempre se aparece un chorro irresistible. Pero lo más importante es la fruta de este misterio llamado arte. Tal vez el artista Silver de San Petersburgo, Yevguéniy Andréyevich Kústov, lo ha experimentado todo y sigue siendo fiel al arte, aunque ya él mismo sabe cómo domar la furia o despertar el ansia…
Este año 2012 el pintor Silver dice que ha empezado a tender al expresionismo, le atraen las obras de los pintores alemanes como Franz von Stuck, Egon Schiele, Caspar David Friedrich. Y esto se nota en los cuadros de Silver, porque el primer pintor Franz von Stuck tuvo el misticismo muy destacado y el deseo de descubrir lo recóndito del cuerpo humano, mientras tanto el segundo pintor Egon Schiele prefería demostrar la pasión y el juego solamente del cuerpo sin ningún misticismo y el tercer pintor Caspar David Friedrich convertía todo en lo plácido llenando las obras con el azul del mar. Yevguéniy ha heredado algo de estos tres artistas, aunque transformando a nuestra época.
La obra “Perdidos en el mar” donde no se ve ni un protagonista pero se supone su presencia es semejante a una búsqueda de sí mismo, cuando uno no tiene nada estable y todo parece ser una onda traviesa la cual por su propio capricho y voluntad puede elevar o hundir sin ninguna piedad. Los toques anchos, caóticos, los brillos blancos repiten el espíritu de la tempestad. Quizá sea una revolución contra los ritos y tradiciones, declaración de nuevas ideas y tendencias… pero miren a los colores. Son los colores azul claro, azul oscuro y blanco, pues, no se trata de la revolución sino de la confusión, la desesperación, la fe ciega en el milagro mixta con el miedo que este milagro nunca ocurra, la incertidumbre en mañana. Y también se siente la impotencia y la incapacidad de salvarse de cualquier manera y alguna seguridad que algo va a pasar no obstante si uno quiera o no. Es un ejemplo clásico de expresionismo porque aquí lo más importante es el sentimiento y la emoción.
Omar Gatica
ENTRE MISTERIO Y DESCUBRIMIENTO
Desde Rusia
Marina Yufereva
A veces para comprender la esencia de las cosas es necesario comprender su misterio. Detrás de la simplicidad aparente es posible ver la profundidad del pensamiento. Y las imágenes que se repiten de un lienzo al otro en las combinaciones y las decisiones de color diferentes deben estar aceptadas como las imágenes de nosotros mismos, trasladados por la vida en las direcciones diversas, como las piezas de ajedrez.
En el Museo del Arte Moderno en Dmítrovskaya en la ciudad Rostov-del-Don en el Sur de la Federación Rusa desde el segundo de Marzo al segundo de Abril 2012 tiene lugar la exposición personal del pintor Vyacheslav Shmaguin (de la ciudad Dubna, la región de Moscú).
El autor recibió la educación profesional en la Escuela del Arte de Moscú. Desde 1970 participaba constantemente en las exposiciones del arte nonconformista en Moscú y San Petersburgo. En el arsenal de Vyacheslav Shmaguin hay más de 30 exposiciones personales en Rusia y al extranjero.
