Escáner Cultural

REVISTA VIRTUAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO Y NUEVAS TENDENCIAS

ISSN 0719-4757
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//...realizar...la acción...//

 



El silencio como modo de acción (VII)

Alberto Caballero

 

  

 

El encuentro con John Cage significó el retorno a un punto original: por un lado a un punto final, la decadencia de las vanguardias aparentemente renovadoras y concluyentes en si mismas, y por otro la propuesta de que el retorno al origen nos permite una revisión profunda de las estructuras, de los elementos y de los valores hasta el momento considerados intocables. John Cage es un renovador absoluto de estos valores, y un defensor acérrimo a esta vuelta al origen, donde se encontrará con los tres elementos fundamentales a su hacer: el ruido, el silencio, el sonido, por un lado, y por otro saca a las artes, todas, de su encasillamiento clasificatorio y propone una revisión a fondo del tiempo y del espacio, él los denominará el tiempo y espacio sonoro.

 

El silencio como modo de acción (VII)

(el proceso de una investigación)

Alberto Caballero

acaballero@geifco.org

 

 

Interpretación & silencio

 

Primeras notas a modo de introducción

 

Continuando con nuestro trabajo de investigación sobre el fundamental aporte que John Cage ha hecho no solamente a la música, al pensamiento, sino como el pensar e interpretar la música y el arte en general se ha hecho lo mismo, podemos decir un antes y un después de JC. En esta nota daremos algunas pistas teóricas para poder entender este corte, ruptura, y empezaremos a hacer una lectura de los textos propios y de terceros sobre su obra musical y escrita.

GaleríaCallejera

presenta

Proyecto

UTOPÍA

Intervención y Participación Pública

ANGIE SAIZ

Noviembre 2010






INAUGURACIÓN


JUEVES 25 / 19 HRS.

Pasaje Orrego Luco

Providencia



INTERVENCIONES


SÁBADO 27 / 12 HRS.

Interior Persa Paseo Santa Rosa

Santa Rosa 2260


DOMINGO 28 / 12 HRS.

Estacionamientos Vega Central

Acceso Pasaje Lastra


GaleriaCallejera, es un espacio de exposición móvil (la galería se engancha a un automóvil) que abarca  propuestas  artísticas  multidisciplinarias pudiendo recorrer grandes distancias exhibiendo la obra en movimiento o pudiendo ser exhibida en forma estática en espacios específicos requeridos por cada proyecto. De esta manera, se puede incorporar a un público que no accede habitualmente a Museos o a Galerías convencionales.  Esto genera que la obra reúna a un público heterogéneo de diversos contextos socioeconómicos,  influyendo así en la crítica y en la lectura de la obra.


 

 
en Florencio. Varela Buenos Aires. Argentina
 
1º ArteVa  septiembre 2010
del 16 al 18 de Septiembre en Florencio. Varela Buenos Aires. Argentina
 
1er. Mega intervención Urbana de Arte Contemporáneo a realizarse 
del 16 al 18 de Septiembre en la ciudad de Fcio. Varela,
calle 25 de Mayo y Chacabuco, de 10 a 22hs.
 
Con el motivo de generar lugares de apropiación, reflexión y revisión de los espacios culturales tradicionales y prácticas artísticas, el Grupo Ser Arte y el Centro de Arte Contemporáneo proponen salir a la calle instalar una carpa e impulsar la participación y la creatividad de los visitantes, a través de instalaciones, performance, foto performance, videoarte, cine de autor, show de claw, teatro, bandas en vivo, ensambles, grafitteros, show de skatres, editoriales, expositores, charlas, ponencias, talleres, etc.
Presentación de artistas del ámbito local, nacional e internacional.
- Pretende provocar interacción entre la acción artística y la individualidad perceptiva, abrir posibilidades de dialogo entre los visitantes y los artistas, un espectador activo y reflexivo.
- Plantear interrogantes y cuestionamientos en torno a lo contemporáneo, desde el arte y la cultura, que modifica, resignifica, reflexiona e investiga.
- Fortalecer la falta de espacios culturales genuinos de participación y valoración social en ámbitos culturales.
- Ofrecer a la comunidad talleres, charlas, ponencias, etc. gratuitas destinadas a docentes de artística y público en general, así como también talleres para niños y adolescentes.
Un proyecto innovador en el ámbito cultural de la zona sur de Buenos Aires, proponiendo instalarse como una nueva alternativa para el desarrollo artístico, en expansiva hacia la reconstrucción cultural regional y las necesidades estéticas del individuo.
 
 
                
 

EscuelasParaanormales comunica que el 1º de noviembre del año 2010 de 18 a 24 horas celebraremos la "5ª internacional en tributo a los artistas muertos",  este evento, que se realizará en el SOFA, Santa Isabel 0151, fono 98 67 625 Providencia, reúne a creadores de Argentina, Chile, República Dominicana, Brasil y España quienes realizaran sus homenajes en vivo y en directo, ademas se mostrarán vídeos, poemas y presentaciones de artistas de México, España y Uruguay. 


Todas las acciones son en tributo a algún artista extinguido o a alguien que nos ayudo a serlo, por tanto esta velada es emocionante, familiar y con perfume de flores frescas y con calor de velas encendidas.

El tributo es un acto tradicional, el nicho creativo son los artistas que se dan un tiempo, para erigir un pequeño templo, una mínima capilla ardiente para venerar por un instante, al guía, a la maestra, al creador que nos iluminó el ánimo, en algún momento de esta maravillosa vida.


CUERPO A CUERPO. LABORATORIO SOMÁTICO 2010

Me divierto o me conmuevo enormemente, los diálogos o los gestos olas danzas me llegan como visiones sobrenaturales, aplaudo hasta romperme las manos y a veces me lloran los ojos o me río hasta el borde del pis, y en todo caso me alegro de vivir…

Julio Cortázar: Hay que ser realmente idiota para...

Desde sus inicios en la segunda mitad de los años cincuenta y hasta la fecha, la materia esencial de la performance sigue siendo el cuerpo, aún cuando se presente confundido con los materiales, referido, representado y/o evocado de forma indirecta.

Cuerpo a Cuerpo es un encuentro de performance organizado por el Centro de Arte La Regenta de Las Palmas de Gran Canaria, se presentó por primera vez en 2007 como conjunto de acciones que indagaron tanto en el cuerpo como en el no-cuerpo (máquinas, tecnologías, audio, etc.). En esta nueva edición del encuentro, Cuerpo a Cuerpo 2010, la investigación va a lo profundo, a los detalles, a las explosiones y a las combinaciones del cuerpo como si él mismo fuera un laboratorio, un laboratorio somático.

Además de la confluencia entre los diferentes artistas que practican la performance, anti-disciplina artística (Carlson, 1996: 189) que transita entre las artes visuales, las artes escénicas y los medios audiovisuales, en esta ocasión queremos que el espectador se reconozca cuerpo a cuerpo con el performer.

Este segundo encuentro de performance se ofrece como un territorio que brinda al espectador la posibilidad de exploración y de implicación en el proceso performático. La interacción entre la obra, el público y el performer es abierta, no está definida ni jerarquizada. Tanto el uno como el otro sabrán que su propio cuerpo pude entenderse como un laboratorio, tendrán el júbilo de confirmar con los cinco sentidos cada aparición de la existencia, cada encuentro de vida y de muerte.


David Wojnarovics, Rimbaud in New York.1978-79.

OCUPACIONES DEL ESPACIO.

 USO(S) Y FICCIÓN(ES) DE LA MEMORIA

Por Marla Freire / Chile-España.

Resumen: el texto reflexiona acerca de la ocupación del espacio en  Manhattan durante la década de los setenta, dando un vistazo acerca de la escena gay de esos años y el uso de la imagen sobre los cuerpos. Asimismo, esboza una pequeña reflexión acerca de las (micro)historias que encierra la ciudad y la memoria cotidiana.

La mirada recorre las calles como páginas escritas: la ciudad dice todo lo que debes pensar, te hace repetir su discurso, y mientras crees que visitas Tamara, no haces sino registrar los nombres con los cuales se define a sí misma y a todas sus partes.

Italo Calvino.

En New York, en medio de la des-industrialización que tiene lugar desde fines de la década de los sesenta y camino hacia una economía de la información combinada con la erradicación de viviendas consideradas como insalubres y obedeciendo a una regla de reurbanización, artistas y personajes de toda índole se dieron cita unidos por la atracción hacia lo visual y los distintos espacios al mismo tiempo que abandonados, periféricos. En una zona urbana deprimida y apta al mismo tiempo para todo tipo de usos  (desde el arte a la escena gay) surge la ocupación del espacio en  Manhattan.

Es importante señalar que el cine experimental de los setenta –junto a los registros en bruto de algunas performances o happening- realizados en la época, retrataban y fijaban una imagen de las tantas posibles que puede llegar a tener una misma metrópolis. Se buscaba filmar distintos usos del espacio que se activaban por medio de las acciones que fueron realizadas, de manera más o menos espontánea y siempre incluyendo o teniendo como telón de fondo la ciudad. Se documentaron a través de fotografías o vídeos, distintas facetas de una misma urbe, de su arquitectura, de sus habitantes; la multitud y su entorno aparecen siempre en un constante movimiento; el original y su copia (lo filmado o fotografiado) aparecen en esta realidad materializados de igual a igual, se multiplican y la ciudad muestra también su multiplicidad al ser –o poder ser- todos los lugares (o ninguno) al mismo tiempo.

Remitirse al vídeo –y con ello al movimiento- donde se documentaron distintas facetas de la urbe, desde las formas arquitectónicas a sus habitantes, a través del perpetuo movimiento y la multiplicidad de una ciudad contrastante, a las fotografías por ejemplo de Peter Hujar tomadas en el West Side de Manhattan en 1976 o a las de David Wojnarovics, especialmente Rimbaud en New York o al trabajo directo sobre los restos de la ciudad como en el caso de Gordon Matta- Clark y Joan Jonas, requiere por supuesto de tiempo y una buena cuota de reflexión, una cierta distancia espacio- temporal, una buena cuota de memoria (a través muchas veces de las autobiografías escritas por algunos de ellos) y saber entregarse por completo ante las preguntas que sugerirá la imagen. O en su defecto, el recuerdo no vivido que seamos capaces de evocar desde ellas, una vez que las cuestionamos y trabajamos sobre la idea de esa imagen que fue capturada en algún minuto. Una mezcla imprescindible a fin de encontrar algunas respuestas o al menos acercarnos a ellas e intentar tirar del hilo.

2º ENCUENTRO INTERNACIONAL DE CUERPO Y TECNOLOGÍA


Del 12 al 31 de Octubre

2º ENCUENTRO INTERNACIONAL DE CUERPO Y TECNOLOGÍA

·        El encuentro INTERFACE 2.0 se toma la Biblioteca de Santiago y el Espacio Ciencia, Arte y Tecnología USACH para exponer innovadoras propuestas artísticas que relacionan el arte, el cuerpo la ciencia y la tecnología.


INTERFACE año 2008

Las intervenciones artísticas de INTERFACE 2.0 generan impacto en cualquier tipo de público, un ejemplo de ello es la performance que capturó la mirada de transeúntes y de la prensa, mientras un hombre se paseaba desnudo por Plaza de Armas, con cables en el cuerpo, un computador y proyectando imágenes de él sobre edificios emblemáticos del centro de Santiago, tal como lo haría una especie de robot humano.

En esta versión el encuentro Internacional “INTERFACE Arte, Cuerpo, Ciencia y Tecnología” , bajo el titulo “ Las nuevas dimensiones del Cuerpo Humano” reúne una serie de actividades que vienen a repensar el cuerpo humano en el contexto del arte, la ciencia y la tecnología y convoca a participar su sección de WORKSHOPS INTERNACIONALES gratuitos en la Biblioteca de Santiago.

El encuentro tiene un carácter transdisciplinario donde convergen diferentes lenguajes y áreas de estudio, como las Artes visuales, Danza, Diseño Digital y Multimedia, Performance, Música, la Filosofía, Tecnología, Ingeniería Informática y Electrónica.


Acerca de la complejidad de un Doble Recorrido Tólico- Performance realizada en el Museo Municipal de Bellas Artes Urbano Poggi, Rafaela, Argentina.
Fotografía: Meli Eijo.



Texto de Bartolomé Ferrando sobre la obra de Martín Molinaro:

Tuve ocasión de ver, recientemente y por segunda vez, una acción artística del argentino Martín Molinaro. Fue con motivo de su estancia en Valencia, hace pocos días, cuando celebrábamos por aquí el III Encuentro de performance. Le invité entonces a que viniera a la universidad, y fue allí, rodeado de estudiantes, donde llevó a cabo una acción intermedia, a caballo entre los territorios de la poesía y de la plástica.

De su pieza destacaría en primer lugar una gran capacidad de condensación y de reducción de elementos y gestos, que mostraban un modo de hacer muy particular en donde todo estaba engranado y articulado. Se diría que la performance estaba construida en base a un enrejado abierto de hilos, desprovisto de anécdotas, que dejaban adivinar y ver con claridad lo que había tras de ellas. No obstante, yo veía la trama, pero no lograba adivinar apenas lo que dejaba traslucir.
Para mí lo esencial de la pieza lo constituían los puntos de cruce: una especie de nudos, bien visibles, en los que casi llegabas a tocar la esencia de la nervadura. Martín nos sumía poco a poco en un proceso temporal y mental del que apenas podíamos escapar. Nos miraba con las manos, con los pies, con la cabeza...con todo el cuerpo, desde el interior de la acción.

 

Esta es la postal que hicimos para celebrar el Nº 100, diciembre de 2007

 

 
Este texto fue escrito para ser leído en una asamblea abierta, el tema de la asamblea era  la autogestión y la independencia en el arte, ponencia leída en el encuentro Minas de octubre de 2009 en El Troley, Santiago de Chile.


LA DULCE INDEPENDENCIA
 
Por Marcela Rosen
marcelarosen@gmail.com 

Gestionar: Es hacer diligencias conducentes al logro de un negocio o de un deseo cualquiera.

La autogestión es el poder gestionar nosotros lo que queremos hacer, es difícil porque tienes que hacer varios trabajos al mismo tiempo, es cansador pero queda el sabor dulce de haberlo hecho a nuestro modo; esta es la independencia, es el no tener patrón, ni como jefe, ni como modelo a seguir.

 

 


¿PARA QUE SIRVE LA PERFORMANCE?
No tengo la más puta idea.

(Rocío Boliver, La Congelada de Uva)

 

por Marcus Vinicius
marcusvinicius@live.com.ar

El silencio como modo de acción (V)

El encuentro con John Cage significó el retorno a un punto original: por un lado a un punto final, la decadencia de las vanguardias aparentemente renovadoras y concluyentes en si mismas, y por otro la propuesta de que el retorno al origen nos permite una revisión profunda de las estructuras, de los elementos y de los valores hasta el momento considerados intocables. John Cage es un renovador absoluto de estos valores, y un defensor acérrimo a esta vuelta al origen, donde se encontrará con los tres elementos fundamentales a su hacer: el ruido, el silencio, el sonido, por un lado, y por otro saca a las artes, todas, de su encasillamiento clasificatorio y propone una revisión a fondo del tiempo y del espacio, él los denominará el tiempo y espacio sonoro.

(el proceso de una investigación)

Alberto Caballero

acaballero@geifco.org

 

 

 


Siluetazo (1982)

ARTE ACCIÓN EN LATINOAMÉRICA: CUERPO POLÍTICO Y ESTRATEGIAS DE RESISTENCIA

 

 

            Hablar de arte acción o de performance en Latinoamérica es referirse a prácticas que históricamente han sido ignoradas, rechazadas y desvalorizadas, tanto por el sistema institucional del arte como por un entorno social poco receptivo a propuestas potencialmente subversivas. No es de extrañar que la historia del arte acción latinoamericano aún no se haya escrito, sino que permanezca dispersa y prefigurada en artículos y documentos que la mayoría de las veces han producido y difundido los mismos artistas. No hay que olvidar que críticos e historiadores, inmersos en sociedades culturalmente conservadoras, han preferido evitar la performance y otras proposiciones desestabilizantes para concentrarse en ser funcionales a un sistema de legitimación y promoción de arte de consumo en soportes tradicionales. Esto explica en gran parte la carencia de una bibliografía más considerable y de estudios especializados sobre arte acción, situación que impide tener una visión más amplia y rigurosa de la singularidad y la trascendencia de esta práctica en la vasta escena latinoamericana. Afortunadamente, en los últimos años estas carencias parecen revertirse a partir de un sostenido interés de nuevos críticos e investigadores disfuncionales al sistema y genuinamente interesados en las zonas más controversiales del arte contemporáneo.

 


Marta Minujín – Pago de la deuda externa argentina a Andy Warhol (1985)

DERIVAS DEL ARTE ARGENTINO ENTRE LO LOCAL Y LO GLOBAL

Silvio De Gracia

Pensar el arte argentino ante el Bicentenario es una complicada tarea que no puede excluir un acercamiento a la dinámica entre lo local y lo global, en la que se inscriben todas las prácticas artísticas y los posicionamientos teóricos del arte contemporáneo. Hablar de un arte geográficamente localizado (argentino o latinoamericano), ante el escenario de lo globalizante homogeneizador que se materializa en un arte translocalizado, construido con residuos o fragmentos de culturas e identidades que se mezclan, reciclan y aplanan bajo los discursos del multiculturalismo y la diversidad, puede interpretarse como una forma de reivindicación crítica de una especificidad de contexto, de una singularidad “posicionada” que busca replicar a los enunciados forzadamente integradores de la globalización. Pero reafirmar la especificidad de contexto es una operatoria que  necesariamente debería apartarse, a fin de ser eficaz y pertinente, de los obsoletos discursos de las políticas nacionalistas o identitarias, tanto como de la modernista tradición anticolonialista y antiimperialista del “ser latinoamericano”.

 

Lo local, que viene a reemplazar las narrativas tradicionales de la identidad, es una categoría que puede actualizar los discursos de resistencia con un enfoque mucho más amplio y complejo, y que permite repensar incluso el propio devenir  de la identidad. El enfoque postcolonial, como lo vienen impulsando distintos teóricos de la cultura, habilita un desmontaje de las retóricas clásicas de la identidad nacional y abre nuevas líneas de interpretación que revelan la interdependencia estructural de los distintos universos culturales, que ya no pueden considerarse puros ni autónomos. Esto supone reconocer que las supuestas identidades culturales nunca han sido una “cosa dada”, revestida de pureza e inmutabilidad, sino que se han desarrollado en procesos dinámicos, mutables y dialógicos. Admitir el carácter híbrido y mestizo de todas las culturas, nos permite prescindir del discurso de la identidad que se asocia al Estado-nación, a la vez que nos lleva a investigar nuevas categorías interpretativas que dan cuenta de la interacción fluida y permanente entre los mundos simbólicos de las diferentes culturas. En la dinámica entre lo local y lo global, lo local se reviste entonces de un carácter refractario o disidente, incluso contrautópico, para concurrir al enfrentamiento simbólico con los signos hegemonizantes de la globalización, la retórica de sus metaenunciados y su utopía abarcadora de lo periférico, lo subalterno y lo híbrido.

 

Así como el discurso de la identidad es reprocesado por el concepto de lo local, la pretendida identidad latinoamericana puede transmutar en el concepto mucho más abierto de lo regional. Lo latinoamericano, concebido durante mucho tiempo como una especie de interfaz que intentaba establecer conexiones entre los distintos países del continente y resolverse en una realidad sociopolítica y cultural completa y homogénea, es hoy en día una utopía exhausta. En la actual etapa postradicional, lo latinoamericano ya no se traduce inequívocamente en estratégicas alianzas de resistencia y supervivencia, sino que se vincula más bien a una narrativa nostálgica y desunificada, recorrida por la fragmentación y la contingencia. Lo regional, en cambio, da cuenta de las diferencias y las semejanzas entre lo rioplatense, lo andino, la brasilidad, lo caribeño, en suma, toda una serie de micro-continentes simbólicos que dislocan y desocultan los mecanismos de estereotipificación y homogeneidad con los que durante años se ha tratado de construir “lo latinoamericano”.
 

El silencio como modo de acción (IV)

El encuentro con John Cage significó el retorno a un punto original: por un lado a un punto final, la decadencia de las vanguardias aparentemente renovadoras y concluyentes en si mismas, y por otro la propuesta de que el retorno al origen nos permite una revisión profunda de las estructuras, de los elementos y de los valores hasta el momento considerados intocables. John Cage es un renovador absoluto de estos valores, y un defensor acérrimo a esta vuelta al origen, donde se encontrará con los tres elementos fundamentales a su hacer: el ruido, el silencio, el sonido, por un lado, y por otro saca a las artes, todas, de su encasillamiento clasificatorio y propone una revisión a fondo del tiempo y del espacio, él los denominará el tiempo y espacio sonoro.

(el proceso de una investigación)

Alberto Caballero

acaballero@geifco.org

 

 

Aprovechando  la retrospectiva realizada en el Macba, Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, surgió la idea de revisar, a través del catálogo, dos exposiciones dedicadas a John Cage,

la primera en La Casa Encendida, en Madrid, y la segunda en Espai d'Art Contemporani de Castelló, en Catellón, España. Tarea que he confiado a mis alumnos del Master en Comisariado y Nuevos Medios, del Mecad, Media Centre d'Art i Disseny, ésta es la primera de ellas.

 


fotografía de su perfil de facebook

 

ENTREVISTA A ELIZABETH NEIRA



Por Marcela Rosen
marcelarosen@gmail.com


¿Desde cuándo haces arte?

Yo creo que desde siempre, de muy chica, de pertenecer a una generación de niños (naci en el 73 y mi infancia transcurrió bajo los rigores de la dictadura de Pinochet en una población de San Miguel) que no tuvieron juguetes, ni televisión ni computadoras, solo la calle. Había que ser creativo. Además yo tenia asma y pasaba mucho en cama y te repito, sin tele, lo que quedaba era dibujar, recortar revistas, pegar cositas, de ahi vienen mis primeros collages. Por otro lado, mi hermana mayor era una fanática lectora y durante los almuerzos me leia libros de aventuras, comics, lo que hubiera a mano, lo que me incentivó muchos años después el amor por los libros y de ahi, claro por la escritura.

¿Desde cuándo haces performances?

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