Teatro
Mar, 02/02/2021 - 21:39 | 
FURIKA
(Fondart 2019)
La rabia coño paciencia, paciencia: Silvio Rodríguez.
Marjorie Avalos coreógrafa, licenciada en danza y magister en dirección teatral de la Universidad de Chile, Marjorie Avalos una sensibilidad a flor de piel, un ser de apariencia delicada y decisiones al hueso duro de roer, directora y creadora de la obra Fondart 2019 FURIKA un trabajo que investiga e instala la emoción de la rabia a nivel psico-corporal.
LA PRIMERA MIRADA
Cuenta que percibe esta emoción de a poco en ese primer ejercicio que hace en improvisación y reflexiona: Todos llevamos un Hitler dentro ¿Cuál es el mío? ¿Dónde se esconde ese ser demoníaco que llevamos? ¿Qué forma tiene? Luego lo sentí en Los Vilos, agrega durante la presentación de Shock, (me señala), yo exploté contra ti en algo que hiciste y que a mi modo de ver era injusto. Pero lo que me hace estallar es aquella vez que me encuentro en la fila del banco con dos políticos de partidos diametralmente opuestos.
Marjorie nos cuenta que los ve palmoteándose, felicitándose, orgullosos por haber firmado el famoso acuerdo de paz que protagonizaron para hacer frente al estallido social.
Hombres celebrándose entre ellos… de pronto escucha, oye tu bailarina. ¿A quién se dirigen? Me doy vuelta. Siii tú, me dice uno pavoneándose.
El cuerpo comienza a endurecerse, se crispa, huele el huracán que se acerca rápido sin previo aviso, de pronto no soy yo o si soy, no alcanzo a distinguir a pesar de que me enfoco en esa rabia profunda que emerge, solo emerge.
Escucho mi voz diciendo algo así como: Que se han creído palmoteándose como si nada estuviera pasando, ¿que no nos ven?¿Que no me ven?Hay una fuerza vertiginosa allá afuera y ustedes creen que……No escucho más solo se que pienso o grito “No apagaran el estallido con acuerdos mentirosos”
Miro a Marjorie mientras habla, la mirada, el rostro se han endurecido.
LA INVESTIGACION
Sobre todo, los sucesos de ese entorno estallando en furia, estallido nuestro, más femicidios, el abuso a los niños del Sename y la lista interminable que reúne noticias falsas, ¿quién mata a Catrillanca? y escondida la cámara de video, destrozada semejando al cuerpo sin descanso del mapuche. Todo aquello se acumula en la mente cuerpo de esta mujer a caudales, la rabia se posa como ave ensangrentada y la artista va viendo como su ser se atraganta, se nutre y desgasta.
El esfuerzo que realiza nuestro cuerpo cuando se desata esta emoción es muy elevado, se produce un aumento en la tensión muscular y la secreción de adrenalina, por lo que se elevan los niveles de energía, el organismo entra en una especie de lucha y someterlo a una activación constante comporta riesgos serios.
Entonces se pregunta ¿Pero no puedo hacer una obra solamente sobre la rabia, encontrar algún alivio, liberarla y cómo?
REALIZACION
Trabaja con dos intérpretes Javier Muñoz Máximo y Kevin Magne Tapia y así empiezan ese triálogo, buscando que le sucedía a cada uno con la emoción en recuerdo instalado al presente, están prontos a improvisar para encontrarse de cara a la pandemia, con ésta deben separarse físicamente y solo ensayarán a través de zoom. Difícil, hablan del metro cuadrado en el cual deben moverse, los numeran, estoy en 20, vamos con el 34, el ser humano creativo inventa la sobrevivencia, inventa. Javier Muñoz escoge esa suerte de animalidad media minotauro que lleva dentro, Kevin fulgura la mirada explayando sus propios rayos como en su baile flamenco. Vive la vida en flamenco y otras cosas.
Se irá armando esa estructura basada en el guion original, algunas cosas cambian otras no, como todo, como la vida.
La creación se torna escena y mezcla el teatro gestual la danza-teatro, la música, el mappingpara mi un trabajo que se logra
Ví la obra por zoom, y hace tiempo que no pienso si es bueno el trabajo o no, solo siento esa atmósfera que me cautiva al verla, voy viendo como Marjo instala los nexos, la geometría, la diagonal que aparece en colores una diagonal que trazo desde mí, los colores tienden la rabia en pilares de fierro forjado, ese vestuario intrepido atrevido el sonido estridente de rabioso que esta.
Veamos el video que mezcla entrevista a Marjorie algunas improvisaciones durante el proceso y algo de la obra porque es mi deseo que ustedes la vean entera, Pandemia aparte.
Juzguen (si desean hacerlo) por ustedes mismos.
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Marcos Rosenzvaig:
“A partir de Tadeusz Kantor desarrollé un lenguaje teatral singular”
Entrevista realizada por Rolando Revagliatti
Profesor de Letras y Doctor en Filología Hispánica, Marcos Rosenzvaig es también un experimentado hombre de teatro, ensayista y novelista. Con nosotros conversa extensamente, entre otros tópicos, sobre su formación teatral en la Argentina y en Rumania, así como sobre sus investigaciones en Polonia a partir de la obra de Tadeusz Kantor, las realizadas tras imbuirse del universo creativo de Copi y la entrevista que le efectuara a Paul Bowles, la última que el octogenario escritor concediera, dos meses antes de fallecer.
Marcos Rosenzvaig nació el 22 de junio de 1954 en San Miguel de Tucumán, capital de la provincia de Tucumán, la Argentina, y reside en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Es Profesor de Letras (1982), por la Universidad Nacional de Tucumán, y Doctor en Filología Hispánica, por la Universidad de Málaga. Dictó seminarios, cursos y conferencias en varias universidades de su país, Colombia, Ecuador y España. En los ‘70 se formó en actuación, dirección y pedagogía teatral. Actuó en espectáculos teatrales (por ejemplo, en “El último padre” de Rodolfo Braceli, en Estocolmo, Suecia, 1985, “Homenaje a Federico García Lorca” en Viareggio, Italia), algunos de los cuales dirigió siendo suya también la dramaturgia (“El Vía Crucis”, en Livorno, Italia, 1979, “El pecado del éxito”, en Quito, Ecuador, 2010, etc.), y obtuvo en 1978, otorgada por la Embajada de Rumania, una beca de estudio en la Universidad de Teatro, en Bucarest, así como entre otros reconocimientos, la Faja de Honor de la ADEA Asociación de Escritores Argentinos, por su libro “Teatro” (1994), el Premio Fondo Metropolitano para las Artes y las Ciencias, por su libro “Teatro y enfermedad” (2008) y el Primer Premio Argentores Metrovías por su monólogo “Una cabeza en apuros” (2009). Es el compilador de los volúmenes “Epístolas terrenales” y “Monólogos filosóficos, teatrales, cinematográficos”. Libros publicados en el género dramaturgia: “Regreso a casa” – “Qué difícil es decir te quiero”, “Niyinsky” (en volumen con otras piezas suyas), “El pecado del éxito y otras obras”, “Monólogos teatrales”, “Tragedias familiares”, “El veneno de la vida”, “Sacrificios”, etc. Libros publicados en el género ensayo: “Tadeusz Kantor o los espejos de la muerte”, “El teatro de la enfermedad”, “Copi: sexo y teatralidad”, “Las artes que atraviesan el teatro”, “Técnicas actorales contemporáneas”, “Técnicas actorales contemporáneas II”, “Breviario de estéticas teatrales” y “Monólogos teatrales”. Entre 2010 y 2018 se editaron sus novelas “Madres fuck you!”, “Qué difícil es decir te quiero”, “Monteagudo. Anatomía de una revolución”, “Cabeza de tigre” y “Perder la cabeza”.
1 — Tucumán, noroeste argentino, allí tu niñez y adolescencia, y por ejemplo, aquellos trenes cuyos nombres tanto me resonaban: el expreso “Estrella del Norte” y el lujoso “Cinta de Plata”. En ellos habrás viajado. Viajemos, Marcos: a tu niñez y adolescencia.
OBRA “SUEÑO, EL CAMINO DEL DESIERTO” LLEGA A ARTISTAS DEL ACERO
El Colectivo Rama, Teatro Corporal presenta este 13 y 14 de abril a las 19:30 horas la obra “Sueño, el camino del desierto”.
Reseña de la obra:
Un hombre arrojado a un espacio desierto, viviendo lo que al parecer es una borrachera más después de una larga jornada
laboral en el árido norte de chile. Pero al habitar este sombrío lugar, este joven pirquinero se percata que la realidad material que vive no es la única posible, sueños dentro de este mismo sueño, delatan un mundo onírico donde se manifiestan sus más oscuros deseos, recuerdos y secretos ocultos, viajando por los límites de la razón y la locura este personaje nos develara su mundo interno.
Género: Teatro físico/ corporal
Hablame como la Lluvia y dejame escuchar 2 - credito Alejandro Delano
Festival Teatro Container lanza programación para celebrar 10 años de trayectoria
El próximo viernes 23 se realizará la inauguración del Festival en la Plaza Simón Bolívar -a un costado de la Plaza Victoria- y contará con la colaboración de los directores de la compañía francesa Generik Vapeur.
Serán 15 las obras y procesos artísticos que darán vida al festival que cierra su primera década de trabajo en Valparaíso. Éstas y otras actividades se extenderán hasta el 1 de abril.
Tras cinco diversas versiones, este 2018 el Festival Teatro Container llega nuevamente a ofrecer al público porteño una invitación a participar de su puesta en ciudad. Esta mañana en un desayuno en la Tornamesa Barón se dio a conocer en totalidad la programación del festival, la cual incluirá 15 obras y procesos artísticos, además de diversas actividades que durante 10 días se desplegarán en 11 puntos de la ciudad de Valparaíso. Por ejemplo, en el Parque Italia se anclará la Villa Container -corazón del festival-, enlazando la programación con distintos cerros, calles, plazas y muelles.
Para participar de las actividades se requiere retirar previamente entradas desde la boletería en Villa Container. Habrán obras de acceso liberad y otras pagadas (línea intimidad) que tendrá un valor de $2.000. La información detallada de la programación la pueden encontrar en el sitio web www.teatrocontainer.cl
Obra Ñuke se presentará gratis en el Museo de la Memoria
Del 25 al 28 de enero se estará presentando la obra “Ñuke” (madre en mapudungún): una mirada íntima a la resistencia mapuche, la cual está a cargo de la Compañía de teatro Kimvn. Las funciones serán a las 21:00 horas y van a ser de carácter gratuito, con previo retiro de entradas.
Dirigida por Paula González, Ñuke profundiza en la denuncia y la resistencia. La puesta en escena se realiza al interior de una ruca donde actores, músicos y espectadores comparten el mismo espacio, generando una atmósfera íntima que invita a la reflexión en torno a la violencia histórica ejercida contra el pueblo mapuche.
Esta actividad se enmarca en la temática que el Museo está desarrollando este año 2018, la cual busca poner en valor la Memoria Indígena con el objeto visibilizar las violaciones a los derechos humanos cometidas por el Estado de Chile, durante la dictadura militar.
Teatro público porteño: Rabia, de Colectivo Mal de Ojo (2016)
por Carolina Benavente Morales (Universidad de Valparaíso)
carolina.benavente@uv.cl
Una hoguera verdadera, con llamas, palos, chispas, humo y calor de la misma condición, se agita al fondo del escenario y al apagarse recogen su fuego dos antorchas, metáforas de una libertad rápidamente sofocada. Aún más al fondo, los cerros que nos acogen se abren, dejándonos ver el mar oscurecido y un montón de luces eléctricas brillando al otro extremo de la bahía. Como una tribu primitiva nos hemos sentado a ras de suelo, sobre el polvo y el pasto seco, para presenciar esta propuesta donde el teatro deviene invocación ritual a la memoria histórica de nuestros muertos. Para llegar allí, hemos subido y bajado escaleras interminables que, a veces, desembocan a lo Escher en ningún lugar o se muerden la cola para devolvernos a la casilla inicial.
LA PUESTA EN ESCENA DE LA OBRA DE INMUNDA
Mer García Navas, Dra. © en Comunicación Audiovisual, U. Complutense de Madrid, Directora de Arte y Docente (www.mergarcianavas.es)
Juan Pablo Iriarte Uribe, Magister © en Artes con mención en Dirección Teatral, U. de Chile, Director y Docente (www.lamaniakoteatral.wix.com/lamaniakoteatral)
“¿Cómo puede ser que en el teatro… en occidente… todo lo que no está contenido en el diálogo haya sido relegado a un segundo término?. Yo sostengo que el escenario es un espacio tangible, físico, que hay que ocupar y al que debería permitírsele tener su propio idioma” (Artaud, 2007, p.1)
En el año 2006 un grupo de actores se reúne para experimentar en la puesta en escena e iniciar un proceso de investigación de lenguajes entorno a la composición perceptiva del teatro, liderados desde el 2012 por Juan Pablo Iriarte y conformando así La Maniako Teatral1.
Después de muchas exploraciones en las que se trabajan emociones, sensaciones y estéticas de la fealdad, reconocen en las temáticas de la enfermedad, la vida y la muerte, fuertes argumentos que los movilizan para ser llevados a escena. Este imaginario se transforma en un eje fundamental de su propuesta teatral. Una primera experiencia donde tratan este tema es En Presencia, performance instalada al interior de un baño de hombres en los subterráneos de la Facultad de Música de la Universidad de Chile, en la que el público era testigo de las acciones cotidianas que intentaba hacer una deteriorada mujer con claros síntomas de una enfermedad degenerativa.
Este trabajo es el antecedente de De Inmunda, primera obra de una trilogía sobre las enfermedades y el estado de la salud en Chile, la cual inicia su proceso creativo el año 2014 y se estrena a público el 2015.
EL CERCO DE LENINGRADO EN EL GRAN CIRCO TEATRO
Les hago llegar esta informacion para que nos acompañe en estas pocas presentaciones que haremos de EL CERCO DE LENINGRADO, del autor José Sanchis Sinisterra; visitenos y se encontrara con buenas actuaciones, precios economicos. Todos los sábados y domingos a las 20,30 horas.
Republica 301, Santiago centro. Metro República de la línea 1.
Puede hacer reservas por correo aquí: cositaramirezrios@gmail.com
Desde el 14 de noviembre hasta el 6 de diciembre.
Saludos cordiales.
Rosa Ramirez Rios.
Actriz, monitora, directora teatral
Más informaciones en: www.grancircoteatro.cl
Un show sin sentido: La plaza, la trava y la pasta,
de La Coronta Teatro (Valparaíso, 2015)*
Por Carolina Benavente Morales
cbenavem@gmail.com
“San Rafael, el misterio de los Atorrantes”, del dramaturgo Cristián Figueroa
SE ESTRENA OBRA SOBRE HISTÓRICAS TOMAS DE TERRENO DEL SUR DE SANTIAGO
Entre el 25 de septiembre y el 19 de octubre se presentará en la Universidad Mayor la obra “SAN RAFAEL, EL MISTERIO DE LOS ATORRANTES”, escrita por el dramaturgo y docente Cristián Figueroa, cuya dirección corresponde a Juan Carlos Maldonado (“Nos tomamos la Universidad”, 2012).
La obra narra los sucesos vividos en la Población San Rafael, cuando una misteriosa tormenta se acerca al lugar y azota a sus pobladores: el pasado ha venido a arrasar con el presente. Los muertos, los que hace cincuenta y cinco años lucharon por la obtención de estas tierras, vuelven para tomarse y defender los terrenos del comportamiento de sus antiguos compañeros, quienes en su pasmosa indiferencia, no logran advertir que aquella promesa de transición y progreso, no es más que la repetición de una historia conocida: el olvido.
Para Cristián Figueroa, escritor de la obra “todo nace como un ejercicio de memoria historiográfica con una compañía teatral de la comuna periférica de La Pintana, que se reconocen como hijos y/o nietos de los fundadores de esa población”. Por ello considera revitalizador que un grupo de jóvenes vuelvan a esta obra años después, pues se trata de “una propuesta lúcida, energética, entretenida y comprometida y que al mismo tiempo refleja la actualidad del drama de una sociedad en tensión”.
Desde el colectivo afirman la necesidad de revisar esta porción de la historia “proponiendo una narración que no pretende la innovación o la inauguración de nuevos discursos estéticos, sino más bien una honesta revisión crítica de nuestro pasado, en atención a que lo agotado no son los estilos, sino los puntos de vista”.
“San Rafael: el misterio de los atorrantes” estará presentando desde el 25 de septiembre en el taller 11 de la Escuela de Teatro de la Universidad Mayor. Las entradas se venderán en la boletería del teatro y las reservas se pueden hacer vía correo electrónico.
COLETIVO QUALQUER / SOBRE EL RETORNO Y EL HABLA.
Conversaciones con Ibon Salvador y Luciana Chieregati.
Segunda parte.
Por Camila Téllez
C: Últimamente, han ido desplazando su investigación hacia otros espacios como al teatro (GAG) o a salones de casas (Lecturas irreparables), lugares muy diversos entre sí, donde lo que se pone de manifiesto es toda la complejidad que la convención social e institucional significan. Es como un gesto político de retorno muy significativo, donde reaparece de alguna manera, la escala de la maqueta que supone lo escénico, sobre todo en el teatro. ¿Cómo experimentan este cambio de escala-lugar en el proceso de creación?
Luciana: La vuelta al teatro con GAG se produce justamente porque nos damos el espacio de preguntarnos, desde ahí sí que podemos estar en ese lugar. No se trata de cuestionarnos sobre las convenciones del teatro porque este ya no es lo que solía ser, no es ese tipo de cuestionamiento, sino más bien, de pensarlo como pensaríamos cualquier otro espacio. Claro que tiene su historia y entra en una cuestión que puede ser considerada autorreferencial respecto a la historia de la danza, a esa relación tan establecida. Elegimos exactamente esta relación para poder volver a preguntar y a la vez desplazar el lugar, pero solamente por eso y no por una revolución del teatro, ni por una reivindicación de ese espacio.
LA UTOPIA DEL QUIJOTE EN NUESTROS TIEMPOS.
EL HOMBRE DE LA MANCHA
Por Vicky Larraín
Montaje de Jesús Codina Oria director y dramaturgo de origen español.
¿ Significa más que nunca una utopía dar rienda suelta a la imaginación?
En estos tiempos de denuncias y realidades quizás mas que nunca el arte es importante y eso es lo que vemos en este montaje. Esa increíble fantasía que acompaña al Quijote y a Sancho está un poco más cerca de nosotros a través del artista.
Mientras el agua se ve correr a través de los desfiladeros y de las casas de España, mientras las nubes pasan
encima de los techos, se escucha una voz y luego varias voces cantando como en antaño.
Entonces la nostalgia de aquello que no viviste te llega al pecho y no te queda otra que subirte en este presente nuestro a batirte junto a Don Quijote contra aquellos molinos de viento e inofensivos que este Gran Quijote vislumbraba como monstruos.
¿Y no serán verdaderos monstruos?, nos preguntamos, porque de pronto aquellos molinos se transformaran en dragones arrasadores de lenguas que nos devoran. Nos damos cuenta que este efecto es debido a la tecnología y sin embargo nos impresiona de igual manera.
COLETIVO QUALQUER / SOBRE EL RETORNO Y EL HABLA.
Conversaciones con Ibon Salvador y Luciana Chieregati.
PRIMERA PARTE
Por Camila Téllez
“ El ser que viene es el ser cualquiera…no importa cuál, indiferentemente…[o]…el ser que, sea cual sea, importa…el [que] está en relación original con el deseo…el ser-tal que permanece constantemente escondido en la condición de pertenencia…y que en modo alguno es un predicado real, sale él mismo a la luz…”
[destilados de] G. Agamben.
Camila: Estoy en casa de Coletivo Qualquer, compuesto por Luciana Chieregati de São Paulo e Ibon Salvador, del País Vasco. Quienes me han acogido afectuosamente en Bilbao, para realizar esta entrevista, y así poder visionar y compartir, procesos y pensamientos de lo que ha sido su investigación y práctica conjunta desde el territorio de la danza contemporánea. Para introducir esta conversación, quisiera preguntarles, ¿Cómo es qué se inicia Coletivo Qualquer?¿Cómo, dónde y cuándo acontece este encuentro de mundos, en definitiva, de cuerpos?
LA TRAGEDIA A TRAVÉS DEL MOVIMIENTO DESNUDO
Por Vicky Larrain
La historia enseña que hay algo en el hombre que gravita hacia imágenes e ideas similares que interactúan desde lugares completamente alejados. Insertando el puente imaginario que atraviesa el inconsciente de los artistas y refiriéndonos en especial al trabajo del coreógrafo(a) en la actualidad, podemos observar un mapa singular en cuanto a las sensaciones que dibujan ondas en rictus, huecos profundos que constatan el vacio, chorros de agua que emergen de repente y también de pronto todo queda en la sequedad aguda de un sinfín conceptual y valorado a través de la creación de estos constructores del movimiento en escena.
Hoy en día los coreógrafos se refieren al caos, a la desesperanza y a una inmersión en aquello que el ser humano provoca hacia sus semejantes: diversos tipos de actos violentos, resultados adversos o la decepción. Parece ser que el tema del camino pulverizado de los sentimientos aparece en casi todas las obras coreográficas por lo menos en occidente.
Cuando diseñe mi último trabajo que denomine Schock, lo hice basándome en situaciones que acongojaron el alma de los ciudadanos. Y mientras procesaba este trabajo se sucedieron hechos como el de los 43 mexicanos asesinados, o sin ir más lejos el joven al cual le estallo una bomba al tomar una mochila de cualquier rincón allí en el barrio Yungay.
A modo de investigación me puse a ver lo que estaban haciendo los demás coreógrafos en este tema. Me encontré con un video de la artista japonesa Carlotta Ikeda en el cual muestra su propia experiencia vivida cuando la bomba lanzada en la ciudad de Hiroshima explotara. Ella tenía 4 años. En la obra se perciben las sensaciones inacabadas de las vidas lanzadas en el aire plomizo. El estado es aquel del ser que pierde instintos básicos de sobrevivencia, del ser que se detiene en algún rincón oscuro para ya no salir más.
