Escáner Cultural

REVISTA VIRTUAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO Y NUEVAS TENDENCIAS

ISSN 0719-4757
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Fotografía

LA FOTOGRAFÍA Y LA PINTURA UNA PROVOCADORA CONCILIACIÓN

Desde Colombia, Ricardo Arcos-Palma

Desde que la fotografía - o más exactamente el daguerrotipo -, hizo su incursión en el mundo de la percepción a mediados del siglo XIX, su relación con la pintura ha sido extremadamente provocadora. A tal punto que ese invento creado por un “dios vengador cuyo Mésias fue Daguerre”, según las palabras de Baudelaire – crítico acérrimo de la fotografía quien la consideraba el refugio de los pintores mediocres -, terminó prácticamente por eliminar la pintura del ámbito del arte. Hubo que esperar la famosa fórmula “pintar lo que se ve” de Gustave Courbet y la implosión del color en la pintura impresionista, para que la pintura tomara de nuevo un respiro frente a las pretenciones de realidad de la fotografía.

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NOTA 05: LA TECNOLOGÍA COMO NUEVO ‘APARATO’: HACER LEER

notas 1995-2005
Desde Barcelona, Alberto Caballero

Si el aparato óptico era el instrumento para producir la representación, ante el desmontaje del aparato producido por la perfomance, es el momento de mostrar el funcionamiento del aparato, de introducir al espectador como objeto de dicho aparato. No se trata de 'mirar' la escena, sino de estar dentro de la escena , de producir nuevas imagenes cada vez, nuevas fragmentaciones cada vez

Categoría :
Obra actual

Ejemplo : Eulalia Valldosera. 1992-2002. Fundació Tapies.
De la fragmentación a la producción de la imagen: el aparato óptico.

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KARINA BARG - CYNTHIA ISAKSON

Por Carlos Barbarito

KARINA BARG [2] CASI INOCENTE, CASI A SALVO

Todo es fotografiable - me dijo una vez un amigo fotógrafo. Hasta entonces, en mi cabeza de poeta que incursiona no sin culpas en las artes plásticas y en la fotografía, el asunto era diametralmente opuesto: un fotógrafo - por razones de ciencia o de conciencia, de razón o de corazón, debía elegir entre los caminos uno y por allí transitarlo hasta el final y luego, entonces sí, emprender una nueva ruta. Pablo Garber, si mal no recuerdo, expresó que Karina Barg -de ella es quien hablo aquí- no se detiene a pensar qué es lo que va a fotografiar, y si mal no recuerdo comparó a su cámara fotográfica -la de Karina- con una red. ¿Qué atrapa Karina Barg con su cámara-red? No exagero si afirmo que todo. Y para que no haya lugar a dudas, parece decirnos la fotógrafa, allí están sus cuatro elementos: aire, tierra, agua y fuego. Y ya estamos en otro mundo, en un mundo precientífico, en un cosmos antiguo, remoto y que sin embargo habita en cada uno de nosotros. Karina Barg nos invita a bajar al fondo, a quitarnos capas de cultura, a quedarnos sólo con lo esencial, casi desnudos. Al decir casi desnudos quiero decir casi inocentes. Tal vez sea tarde para ello.

Nos vestimos demasiado y nos olvidamos que significa estar desnudos. El fondo queda demasiado lejos y perdimos la sonda capaz de alcanzarlo. Nos queda el deseo, tal vez podamos todavía ver un poco más, por debajo de las ropas, un poco más por debajo de la piel. En esto pienso cada vez que veo una fotografía de Karina. Y pienso que su arte cuadra en un estado de cosas donde todo parece suceder por accidente, por azar, empujado por una especie de resignación cósmica. Pienso, de nuevo, que es tarde. 

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PERIFERICA

Desde Buenos Aires, Klaudia Kemper y Víctor Hugo Bravo

Primera Feria y Encuentro Internacional de espacios de arte contemporáneo, sellos y editoriales independientes.
Lugar: Centro Cultural Borges , Buenos Aires, Argentina

SOBRE PERIFERICA

Periférica propone ser un encuentro entre los distintos actores de la producción artística contemporánea cuyos trabajos se concentran en el intercambio real y eficaz que los nuevos modos de generar instancias estéticas, plantean por encima de las circunstancias propias del mercado y de los vehículos legitimadores hegemónicos

En los últimos años la dinámica de las prácticas en las distintas artes, hacia nuevos lenguajes, hizo emerger un modelo de artista gestor comprometido con la naturaleza social y pública de estas obras, lo que generó corrimientos en el campo cultural.

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FERNEY CASTAÑEDA. EL NOMADISMO DE LA IDENTIDAD

Desde Colombia, Ricardo Arcos-Palma

Es una evidencia que la fotografía contemporánea está condicionada por los nuevos medios como Internet. La obra del joven artista colombiano Ferney Castañeda es un ejemplo de este tipo. Existe algo verdaderamente interesante en su trabajo: es el cuestionamiento de la autoría. Su obra es una obra que se basa en otros proyectos como en el de Fernando Escobar y Raymod Chavez como punto de partida y además se nutre de la colaboración de otras personas. Pero además de cuestionar la autoria, cuestiona también el estatus de la identidad. Su retrato fotográfico viaja a través de la red y se apropia de otros cuerpos y otros lugares gracias a la complicidad de personas desconocidas quienes previamente han aceptado participar en ese viaje de la identidad, en ese desplazamiento del yo a través de la geografía virtual y real. Es así como se va conformando toda una serie de imágenes de Ferney Castañeda tomadas en diferentes lugares del mundo: Londres, Chicago, entre otras ciudades.

La esencia de esta obra en proceso, es el viaje. Un viaje que se convierte en una realidad para el artista sin necesidad de moverse. La foto testimonio de ese viaje no realizado, se transforma en una simulación perfecta del haber estado allí. Pero tal simulación es puesta en evidencia por esa fragilidad de la máscara-retrato, donde la identidad se muestra claramente alterada.

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MARTÍN ROA, LA NATURALEZA REVELADA

Desde Colombia, Ricardo Arcos-Palma

En otra ocasión habíamos consagrado un vistazo crítico a la obra de Martín Roa, artista colombiano egresado de la Universidad Nacional de Colombia hace ya más de una década. En esa ocasión habíamos hecho referencia a su obra fotográfica "nidos en el árbol", donde la imagen se convertía en testigo de una acción in situ . Las selvas del Putumayo (departamento del sur de Colombia), han servido de lugar idóneo para que Roa desarrolle su obra, que se inscribe dentro de lo que he denominado Los otros realistas , junto con Raúl Naranjo, Erika Mabel Jaramillo, María José Arjona, El grupo Edafos (Alfredo Virgüez y Carmen Filipides), Ana Adarve, Lorena Zilleruelo y Claudio Correa pertenecientes a la generación de los noventas.

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ORLANDO SALGADO Y LAS NECRÓPOLIS DE LA MEMORIA

Por: Ricardo Arcos-Palma

Por estos días se expone en la Biblioteca Virgilio Barco en Bogota, la obra del artista José Orlando Salgado. Existe una particularidad en esta exposición y es la presencia del monumento. Pero a diferencia del monumento del héroe (Bolívar 1), el cual fue explotado gracias a la fotografía digital por el artista en otra ocasión, esta vez es el monumento funerario que sirve de soporte conceptual. Monumentos de personajes celebres y relativamente anónimos quienes gracias a sus logros han pasado a la inmortalidad o como diría Vicente Huidobro a inscribirse en La memoria de la piedra , se mezclan entre sí para generar una nueva imagen. Dos necrópolis sirven a la artista de punto de partida para elaborar sus imágenes: el Cementerio Central en Bogotá y el Cementerio Pére-Lachaise en París. Salgado utiliza un procedimiento bastante simple: toma de fotos y rebobinado hasta tres veces. De esta manera se genera una superposición de tomas, que condicionadas por el azar crean una nueva imagen fotográfica.

En una ocasión, creo que fue en el año 97, caminábamos juntos en el Pére-Lachaise. Era un invierno rudo. Desde ese entonces Salgado comenzaba ya a tomar fotos de ciertos monumentos fúnebres: el de Gerard de Nerval, el de Gericault o el de Chopin por ejemplo. Años más tarde me confesó, mientras mirábamos el Pére-Lachaise desde el balcón de mi apartamento, que en Bogotá durante una experiencia con indígenas del Putumayo, tuvo una visión: esas imágenes del cementerio parisino, le aparecieron en su memoria como si fuesen de cristal. La piedra y el bronce de los monumentos funerarios se transparentaban en el acto alucinatorio.

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CARLOS AGUIRRE Y LOS FRAGMENTOS DEL DESEO

Por: Ricardo Arcos-Palma

Es frecuente encontrar en estos tiempos de la cibercultura, y de la digitalización de la imagen, artistas, que sin dejar de lado un trabajo tradicional, como lo podría ser el dibujo, el grabado o la pintura, incursionan en la fotografía digital para explorar nuevas posibilidades de expresión. Tal es el caso del artista cartagenero Carlos Aguirre quien vive y trabaja en Bogotá desde hace ya, más de una década. Su trabajo reconocido en varios lugares del mundo, tiene como punto de reflexión el cuerpo humano. Pero esos cuerpos que se revelan en son claros referentes a la historia del Arte. Copias de las grandes esculturas de la Antigüedad , sirven de pretexto para generar nuevos monumentos a partir del fragmento y del detalle. Tal es el caso de la obra "Reunión informal", donde el torso de un sátiro de la escultura helenística crea un ritmo con la figura de una ninfa, que se cubre pudorosamente el sexo con su mano. Este fragmento se repite varias veces hasta generar una refiguración, donde los torsos se armonizan en un movimiento propio del deseo.

En otra de sus obras "Dame una mano", vemos un detalle del mismo fragmento escultórico, pero esta vez en un aspecto casi porno gráfico , no en el primer sentido de esa palabra, sino como esa exacerbación del detalle (Baudrillard) que deviene escritura corporal del exceso de visualidad. La mano de la ninfa, agarrada por la del sátiro, se persiste en cubrirse el sexo. Pero esta imagen multiplicada varias veces y acentuada por el título, transforma la lectura en una clara invitación al onanismo.

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ENTRANSITO. TEATRO MENDICANTES

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HELENA MARTIN Y EL CUERPO ALTAR

Por: Ricardo Arcos-Palma

Helena Martín es una artista colombiana residente en Canadá desde hace ya varios años. Su obra netamente pictórica, ha dado un giro importante en los últimos años. La fotografía le ha permitido explorar otros lenguajes simbólicos, que permanecían inmanentes en su pintura. La tradición familiar y cultural del Caribe colombiano, se mezcla de una manera singular con los iconos de la cultura canadiense, generando un simbolismo propio del mestizaje cultural. En sus fotografías vemos una referencia fuerte al cuerpo. Pero no es el cuerpo humano el que es fotografiado, sino su simulación. Muñecas hacen referencia a ese cuerpo objeto, que se exhibe como en un altar. En ocasiones esos cuerpos simulacro, propios de una sociedad de consumo, se confunden con fotografías del rostro de la artista, generándose una simbiosis entre el cuerpo propio y el cuerpo colectivo, materializado en esos cuerpos objetos.

La presencia del altar, como lugar ritual propio de la cultura del Caribe, nos hace pensar en esos nuevos lugares de culto donde los objetos de consumo de una sociedad desarrollada como la canadiense, devienen esos nuevos iconos-fetiches. El recuerdo familiar y cultural se transforman en presente gracias a la recreación de un ambiente íntimo en un lugar extraño. 

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WILLIAM EGGLESTON: EL SILENCIO DEL COLOR

Por: Ricardo Arcos-Palma

Este mes en Revelado, echaremos un vístazo crítico restrospectivo a uno de los fotografos más importantes de la contemporaneidad. Se trata del fotografo norteaméricano William Eggleston (1937) a quién redescrubrí hace unos tres años en una exposición restrospectiva realizada en la Fundación Cartier en París. Existe una característica constante en la fotografía de Eggleston: es lo que yo he llamado el silencio del color . Sus fotografías desde los años 60s, se cargan de una atmosfera particular, no solamente porque ellas incursionan en el color -(Eggleston es uno de los pioneros), sino también porque ellas nos muestran la fuerza de los colores; pero tal fuerza se manifiesta en el silencio. El silencio en este caso no debemos entenderlo como una ausencia de sonido, sino como una depuración pues bien sabemos que el silencio absoluto no existe. El silencio en realidad perfora los tímpanos. Y en este caso el silencio del color, mantiene abierta la pupila del ojo hasta la ebriedad. Pero el color de qué? Eggleston fotografía el detalle de objetos de la vida cotidiana estadinense: casas, automóviles de diferentes marcas: Ford, Chevrolet, o vallas publicitarias de productos estrella como Coca-Cola, Pepsi, así como un rincón olvidado, que en ocaciones el transeúnte no ve, simplemente por que a fuerza de pasar al lado termina ingnorándolo por completo pues este objeto no salta a la vista. 

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TODAMARCELA

Columna a cargo de Piuke Werken

Cada parte de labor exceptuando sus actuales tejidos a palillo, chalecos, pantalones para su nieta Almendra son las imágenes que aquí veréis, formas que interesan a las artistas, sensaciones femeninas, formas que me interesan y que he visto aparecer a través de sus manos, de sus pensamientos y de sus relaciones con la vida que hacemos juntos. Marcela Rosen Murúa una especial dedicatoria con todo cariño desde esta frágil columna humana un devoto de tu maravillosa existencia.

Ricardo Castro Guerra.

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SUBPROGRAMA: SOCIAL WORMS

Desde Argentina, María Santa Cecilia

“ SUBPROGRAMA: SOCIAL WORMS”
es una obra desarrollada por Judith Villamayor( becaria kuitca 2003/05) y se trata de emular el concepto de informática de una forma de virus, el "worms", creando un grupo de artistas trabajando de manera muy parecida al grupo de artistas anfitrión que realiza el Programa de Talleres para las Artes Visuales Rojas/UBA-Kuitca. Apropiándose de su espacio y su metodología de trabajo.

En el subprograma trabajaron 12 artistas.
Web: http://www.rojas.uba.ar/kuitca/subprograma.html

Con esta leyenda finaliza el video documental del subprograma.

Es la forma exterior del workshop, pero en su interior sucedieron muchas cosas.

La dinámica de trabajo consistía en que cada dic un artista diferente del grupo hablaba de su historia, su presente y sus proyectos. Siempre era el artista el que marcaba desde y hasta donde quería llegar valiéndose de su propio lenguaje.

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ANA ADARVE : ANATOMIA URBANA

Por: Ricardo Arcos-Palma

Nuestra relación al mundo esta mediada por nuestra exterioridad, por el afuera. Nuestro cuerpo, hoy más que nunca está condicionado por la estructura urbana. La ciudad termina modelando nuestra anatomía: cuerpos rígidos, algo grises, que terminan siendo parte de la arquitectura urbana. La famosa fórmula del Renacimiento: "el hombre es la medida de todas las cosas", parece ahora completamente invertida. Quizá ya no es el ser humano que marca la pauta de la construcción del mundo exterior. Al contrario, parece ser el mundo - en este caso urbano-, que modela lo humano. En la relación, algo ruda por cierto, entre el cuerpo y la ciudad, el primero parece estar modelado a imagen y semenjanza de la ciudad. Una ciudad donde el ser humano se ve comprido cada vez más a espacios reducidos, como si el proyecto humanista del urbanismo moderno hubiese quedado en el olvido. Una ciudad, que puede ser cualquiera del mundo, donde la crisis de la habitación es cada vez más importante.

La artista Ana Adarve, residente en Bogotá, a quién propuse como representante del arte colombiano para la Bienal de Arte SIART Bolivia 2005 , que se desarrollará bajo el lema "Latidos urbanos", propone de una manera bastante interesante esta relación entre el cuerpo y la ciudad.

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YVES REYMOND: EL SILENCIO DE LA ESPERA

Por: Ricardo Arcos-Palma

Este vistazo crítico destinado a Revelado de Escaner Cultural, tiende a develar lo que he llamado el silencio de la espera en la fotografía de Yves Reymond. Jean Baudrillard en sus notas sobre la fotografía, decía que no hay nada más fotogénico que un objeto. Pues el objeto tiene algo que hace que la fotográfico perdure sin caer en extremos de la comedia del arte contemporáneo donde todo parece haberse convertido en fotografía. Las fotografías de Raymond, van más allá de lo artístico y del reportaje. Tampoco las podemos situar en la publicitario. Simplemente sus fotos son eso: fotografías. En su teória del objeto, Baudrillard nos muestra como este a ocupado el lugar de privilégio ocupado antes por el sujeto. En estos términos la mirada objectiva del sujeto cambia. Ya no es el sujeto que observa los objetos, al contrario son estos que nos observan. Tal como lo ilustró de una manera magistral Paul Klee en su famoso diario: "Los objetos me observan". Esta frase lejos de ser la de un paranoico, nos muestra como los objetos dejan de ser objetos de nuestra mirada para observarnos. "A través de la foto - dice Baudrillard -, el objeto es el que nos mira y el que nos piensa (...) Es una relación especular. Hasta ahora el sujeto era el espejo de la representación, y el objeto era sólo su contenido. Esta vez es el objeto el que dice: "I shell your mirror" (yo seré tu espejo), o lo que es lo mismo: yo seré el lugar privilegiado de tu desaparición/ We shall be your favory disappearing act" 1.

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